美学

（1）先秦时期、汉唐时期和明清时期。（2）特点：①先秦时期，以钟磬乐为代表的乐舞占据主流，诗、舞、乐三位一体的“乐”文化已相当发达。②汉唐时期，以歌舞大曲的排场上演，规模宏大，乐器丰富。③明清时期，宫廷歌舞渐趋衰落，戏曲逐渐成为音乐的中心。分为六个阶段，包括：一、远古的音乐（即原始社会的音乐）当最早的人类开始制造原始的工具和集体进行劳动的时候，原始的音乐便在他们的劳动节奏和劳动呼声中萌发了幼芽。二、夏、商、西周至春秋时期的音乐（即奴隶社会的音乐）在奴隶社会中，创造音乐的是奴隶──大量的乐工都是名副其实的奴隶，而享有音乐的则是贵族奴隶主阶级。他们不仅把音乐作为享乐的手段，也把它用作加强其政治统治的工具。在当时，最受尊崇的就是奴隶主阶级用于祭祀等重大典礼的乐舞。三、战国、秦、汉的音。战国时期的巨大变革带来了社会的进步，也促进了音乐文化的发展，然而，封建割据的分裂局面和相互争霸的战争却阻碍着社会的进一步发展，要求统一成了时代的趋势。四、三国、两晋、南北朝至隋、唐的音乐三国、两晋、南北朝是中国历史上一个大动乱的时期。这时，国家分裂，战乱频仍，错综复杂的矛盾扭曲了社会的形象。固有的秩序，旧时的信念，统统都已幻灭。人们冀求着新的精神寄托，音乐便是一个理想的避难所。五、宋、元的音乐隋唐以来的曲子，到宋代及以后相当长的一段时期中成了一种广泛流行的歌曲形式。它的发展，直接导致了宋词创作的繁荣。不少著名词人的作品被运用于实际的演唱，它们既丰富了曲子的内容，也促进了曲子的发展，出现了“减字”、“偷声”、“摊破”、“犯调”等变化运用和发展曲调的手法，产生了徐缓抒情而细腻深刻的“慢曲”，成为当时流行的一种曲式。六、明、清的音乐“昆山腔”是明代戏曲声腔中成就极高、影响极广的一种。它在元末明初时即已形成，但当时海盐腔盛行，故未能受到广泛重视。商、周时期出现的乐器中，对后世影响较广的有笙、竽和琴瑟笙的开始出现是在商代。甲骨文中有（和字，写作，据郭沫若考证，它就是早期的笙。乐器所取得的上述进展，不仅有力地证明了历史文献中关于春秋时期已经存在七声音阶（七律）和十二律实际应用的记载是确实可靠的，而且它们的出现实际要比这些记载早得很多。同理，相关的乐律理论体系也会在实践中逐渐形成，只是晚些时候才能见诸文字记载，曾侯乙钟的铭文是这一论断的有力证据。奴隶制时代音乐所取得的成就，为中国古代音乐文化揭开了光辉的一页，给以后音乐文化的发展打下了基础，具有深远的影响。

简要说说西方音乐美学思想有哪些特征你也挺哦呜

　　关于音乐美学的研究对象。自从音乐美学取得作为一门独立学科的地位以来，人们就不断对它的研究对象进行探讨，企图为这门学科找到某种比较确切的定义。这正如黑格尔所说：“就对象来说，每门科学一开始就要研究两个问题：第一，这个对象是存在的；其次，这个对象究竟是什么？”我们认真研究了国外一些著名的音乐词典，例如德国《大赫尔德词典》《里曼音乐百科词典》，美国《哈佛音乐词典》《新格罗夫音乐与音乐家大词典》，日本《标准音乐词典》《音乐大事典》，苏联《音乐百科词典》等关于音乐美学研究对象的提法，并且结合这些年来的研究体会，对音乐美学的研究对象做出如下概括：　　音乐美学是以研究音乐艺术的美学规律为宗旨的一门基础性的理论学科。它把音乐的美学本质、价值与功能，音乐音响结构及其表现对象，即音乐的形式和内容，音乐实践主要是音乐创作、表演和欣赏中的美学问题，音乐美学自身的发展历史等作为研究对象。　　（一）关于音乐艺术的美学本质、价值与功能　　这是音乐美学所要研究的一个根本问题。它是在哲学—美学的层面上认识音乐艺术的美学本质，用哲学—美学的理论来回答音乐是什么的问题。只有科学地回答了这个问题，才有可能进一步理解音乐美学中的其他相关理论问题，把握音乐实践及各种音乐现象的美学意义。这个课题首先要研究的是人与音乐的关系问题。人与音乐可能在各种层面上发生不同的关系，那么究竟什么是人与音乐的本质关系呢？同时，在研究音乐艺术的美学本质问题时，还必须从与其他艺术的比较中，从音乐艺术的独特存在方式中，去进一步分析与揭示音乐艺术的美学本质。关于音乐的价值和功能，是人们谈论得比较多的问题。古往今来，许多哲学家、美学家、音乐家都对这个问题发表过见解，提出过主张，有些被当时的统治者所采纳，成为制定官方政策的理论依据，它们有的促进了音乐艺术的发展和繁荣，然而也有的起了阻碍乃至破坏的作用。那么，从音乐的本质来看，它究竟具有怎样的价值和功能?这些价值和功能的表现形式以及判断的标准是什么?音乐的价值和功能的历史持续性和变异性以及不同音乐体裁的价值和功能的差异性等，都是这一课题所要研究的问题。　　（二）音乐音响结构及其表现对象　　这一课题将进入对音乐艺术的本体研究。人们通常把这个问题归结为音乐的形式和内容及其相互关系问题，然而，为了避免以往研究中常常在概念上兜圈子的弊病，本书选择了一种更为简洁的方式，从音乐的音响结构及其表现对象的角度直接切人本课题。本课题将着重研究音乐音响的基本组织形式及其美学特征，同时还将对音乐音响结构的风格变化规律做出分析。与音乐音响相对应的是它的表现对象。本课题将研究什么是音乐艺术特有的表现领域与表现对象？音乐音响结构何以能与它的表现对象相联系？这种联系的心理学依据是怎样的?进而，本章还将对音乐的情感性对象，描绘性对象，戏剧性对象，哲理性对象，以及与此相关的音乐的多解性和不确定性问题进行分析。此外，还将论述是否存在着不表现任何其他对象而只呈现音乐自身美的问题等。　　（三）关于音乐实践中的美学问题　　对于音乐的美学本质和特性的研究，还必须深入到音乐实践的领域，对音乐创作、表演和欣赏中的美学问题进行研究。过去人们对音乐创作的研究，往往着眼于它的成果，即音乐作品，而很少对音乐作品的产生，即从创作主体的角度去进行研究。然而，只有对作曲家的创作思维及其规律，包括音乐创作的动力和源泉，想像与构思，以及主体性等问题进行研究，才能真正深人而具体地揭示音乐艺术的本质规律。对于音乐表演和欣赏活动中的美学问题的研究同样具有重要意义。音乐表演作为二度创作，它与一度创作的关系，音乐表演创造的美学原则，音乐表演美学观念的历史演变，音乐表演者的培养和训练；音乐欣赏的基本规律，它的性质、特点和不同方式，音乐欣赏能力的培养和提高等，都是音乐美学所要研究的问题。这些问题的研究，不仅具有理论的意义，而且有着实践的意义，它将对音乐实践的各个领域发挥重要的指导和影响作用。　　（四）关于音乐美学史的研究　　如前所述，音乐美学是一门具有悠久历史的古老学问，无论是中国或外国，历代的哲学家、美学家和音乐家们都有许多关于音乐美学问题的论述，涉及到音乐的本质、特征、功能和审美等各个方面，积累了丰富的思想理论遗产，对这些遗产进行科学的整理和研究，是当代音乐美学工作者的一项重要任务。正如任何一门学科的建设都离不开前人已有的成果一样，当代中国音乐美学的建设也必须是在批判地继承前人已有成果的基础上来进行。因此，音乐美学史的研究，对于当代音乐美学的建设具有基础性的意义。对于音乐美学史及其理论思想的研究越深入、越细致，当代音乐美学的建设就越有根基。　　上述几点，可以说是音乐美学研究的主要课题。当然，这些课题并没有把音乐美学所应研究的全部问题都概括进来，实际上，音乐美学所要研究的问题是非常复杂多样的。同时，音乐美学又是一门正在发展中的学科，它应是一个开放性的学术体系，随着音乐艺术的不断向前发展，必将会有一些新的问题需要纳入音乐美学的研究范畴，一些长期困扰着人们的问题，将会在新的实践与新的研究方法的启示下，获得不同于以往的新的认识。因此，为适应音乐美学不断发展的需要，音乐美学研究者必须确立一种开放性的学术观点和学术态度。人类的音乐实践永远不会完结，音乐美学的研究也应该永不停滞，只有随着音乐实践的发展，不断发现新情况，研究新问题，总结新经验，音乐美学才会不断焕发出新的光彩，为音乐艺术的发展做出新的贡献。　　上面我们大体上考察了音乐美学作为一门音乐学学科出现的情况以及它的研究对象和课题。当然，这并不是说音乐美学这门学问在西方只是从19世纪后半，在中国只是从20世纪20年代以后才出现的。从音乐美学的历史渊源来说，在中国可以追溯到公元前8世纪到公元前3世纪的春秋战国时期，在西方则可以追溯到公元前5世纪到3世纪的古希腊时期。这是因为所谓音乐美学，从它最根本的意义上说，是人们在音乐实践的基础上对音乐艺术的思考和认识，简单地说，就是音乐思想。然而它又不是对音乐的任何思考和认识，而主要是指对音乐的基本规律和特征的哲学性的认识和思考。我们知道哲学是研究自然界、人类社会以及人类思维规律的科学，它既是理论化、系统化的世界观，也是观察分析和处理各种问题的方法论。同样，音乐美学从它的根本性质来说，也可以说是音乐哲学。它作为研究音乐艺术基本规律的学科，不仅在认识论上可以说是理论化、系统化的音乐观，同时在方法论上也主要是运用哲学的方法，对音乐艺术的诸种现象进行理论的概括和抽象思维，寻求具有普遍意义的、规律性的认识。因此，无论从认识论或方法论的角度来看，音乐美学都是对音乐所进行的哲学性的认识和思考。也正因为如此，我们在研究音乐美学的时候，就必须把历史上人们对音乐的思考和认识，特别是人们运用哲学的方法对音乐艺术的本质、规律和功能所进行的思考和认识加以归纳和总结，探索人们对音乐这门艺术的认识经历了一条怎样的思想历程，并且把它们作为建构我们自己的音乐美学体系的思想基础。

类型 特点 类型举例 喜剧美 喜剧美是音乐美中一个独具特色的范畴。声乐艺术中的幽默和喜剧美是人类乐观主义精神的生动表现，声乐中的喜剧美通常采用超常、夸张、变形的表现手法，使人意想不到的惊讶来达到喜剧的效果。拟人化的手法是音乐喜剧美的重要表现形式之一。许多童话式的戏剧音乐、舞蹈音乐与器乐作品中，作者有意赋予动物以人的性格，表现出一种特别的喜剧效果。 《有位先生最会笑》 悲剧美 悲剧美是在戏剧性的矛盾冲突和悲剧性的艺术表现中对美的肯定，而且往往与崇高和壮美相联系，使人产生深沉而巨大的同情共感和心灵震撼，并以其深刻的艺术感染力，给人以激励和启示，引发人们深层次的审美感受。悲剧美在声乐艺术中表现为如泣如诉的旋律、沉缓滞重的节奏、暗淡深沉的音色等等。 《松花江上》 崇高美 崇高美比优美更壮丽，比壮美更雄伟、更深刻、更富于理想性。是一种庄严、宏伟的美，是美的最高阶段，也可以说是美的最高形式。也是一种具有强烈的伦理道德色彩的伟大的美。 《祖国，慈祥的母亲》 优美 在音乐美学中，优美是音乐美中最有普遍性的基本范畴，具有温柔、平和、纯净与细腻的特点。舒展流畅的旋律、平稳有序的节奏，适中的速度与力度，以及均衡的结构形式，构成优美的基本特征。诗意的美是优美的音乐所追求的至高境界。优美作为美的一般形态，以和谐、协调、一致、均衡、统一为特点。优美的本质属性是和谐。在它的内涵中，必然和自由、主体与客体之间处于协调和完善状态。在外在是形式上，它呈现为柔媚、优雅、纤巧、秀丽、飘逸、安宁、淡雅的美。 《在那遥远的地方》 壮美 壮美是审美主客体中的矛盾激化状态。壮美是与优美相对应的一种音乐美，以刚劲、果敢、勇猛、粗犷为特征，昂扬激越的音调，铿锵有力的节奏，常用来表现人祸群体的简单意志和英雄气概。壮美是与优美相比较而存在的美的普遍的常见的另一种形态。我国古代称之为“阳刚“，亦称”阳刚美”。 《黄河大合唱》

音乐美学是关于音乐本质的问题，是一门以研究音乐艺术的美学规律为宗旨的基础性的理论学科。音乐欣赏的一般本质一、音乐欣赏是由听觉而实现的审美活动音乐欣赏与音乐创作和音乐表演共同构成音乐作品的存在价值。（贝多芬的内心听觉能力-失聪后创作第九交响曲）二、音乐欣赏是一个积极地创造的过程。音乐欣赏是主客体相互交融的过程。三、音乐欣赏中感性与理性的关系。音乐欣赏的基本性质是感性的，理性的认识只是对最终的审美体验起到一些强化作用。不同类型的音乐欣赏方式一、纯形式的欣赏方式特点：欣赏者把注意力集中在乐曲的音响结构及各种形式因素上。他们对感性体验与直观对象之外的事物并不产生任何联系。较为适合无标题的纯器乐作品。（现代音乐欣赏-无调式音乐）二、形象化的欣赏方式。特点：把不可言传之情付诸语言，把不可见的美感付诸视觉。柴可夫斯基-把音乐美感付诸视觉艺术《幻想2000》贝多芬《月光奏鸣曲》三、情感化观念化的欣赏方式情感化的欣赏方式：聆听一首乐曲时对这首乐曲表达的感情首先产生直接的感性体验，这些音乐要素一经进入我们的视觉就会使我们再无暇思索的情况下立刻产生情绪上的反应。观念化的欣赏方式；有些人力求了解作曲家的思想观念，深入细致的探索作曲家的思想观念和他的某些作品间可能存在的对应关系。在理性认知的参与下，拓展我们的感受范围，增加理解的深度。四、各种欣赏方式之间的联系不存在截然的界限建立自然真实的审美心态对于欣赏者来说是最宝贵的；各种方式之间存在共存互补的关系；欣赏方式多元化的特征正是人类音乐审美意识多样性的直接体现。音乐欣赏能力的培养音乐欣赏是不受主客观条件限制的，是能最快最大限度提高音乐素养的途径。一、加强感性经验的积累1、对于同一作品要反复的听，特别是一些大型的音乐作品；2、广泛涉猎各种类型的音乐作品，不断扩展音乐欣赏的范围。（歌曲：卓卓玛《美丽的草原我的家》）二、提高全面的文化艺术修养1、音乐理论方面的基本知识对于欣赏着来说至关重要；2、最好学习一些音乐演奏或演唱方面的技能；3、一个人对音乐之外的其他各种艺术形式的兴趣和欣赏力、在哲学、美学等领域方面的知识水平以及其他的人生阅历和生活体验等诸多方面对他的音乐欣赏能力产生影响。我们要努力汲取各种人类文化成果，不断丰富自己，提高自己的思想水平和生活体验的深刻程度。

了解音乐美学的内容。要想学好音乐美学,首先得了解音乐美学的主要内容,音乐美学主要...2.了解音乐美学的发展进程。学习一门新的知识,想要学精学好,还必须要了解音乐美学的发展进程,...3.培养音乐美学学习的兴趣。音乐美学是很抽象的课程,音乐美学的学习,也不是一蹴而就的事,...4.了解音乐美学的性质。音乐美学的性质是一门社会科学,它是一种研究美、美感以及美感5.坚持积极主动学习。要想学好音乐美学,你还必须要坚持积极主动地去学习

首先我想说艺术（包括音乐）与美学不是同一概念。已美为目的艺术是唯美主义的艺术，其他则不是。有的甚至恐怖，比如勋伯格《一个华沙幸存者》

音乐美学的存在方式如下：一、音乐是一种物态性存在音乐显然不属于意识性存在，但它也不是通常所说的物质性存在。一般来说，物质是占据一定的空间或时间的实体存在形式，比如一座建筑，一条河流等。不可否认，音乐的存在需要一定的物质载体或媒介，如一本歌谱、一张唱片。二、音乐为听觉而存在音乐为听觉而存在，这本来是毋庸置疑的，然而自20 世纪初表现主义音乐诞生以来，人们在面对这一基本事实时却显得不那么自信了。表现主义音乐可以说与旧有传统截然相反，它完全无视调性规律，认为艺术既不应该描写，也不应该被象征，而更应该直接表现人类的精神与思想，也就是说要把作者的内心世界，即所谓内在精神表现出来。与表现主义紧密相关的即是十二音体系。学音乐的好处：一、平衡大脑的运行人的大脑分两部分，左半球专管对语言的处理和语法表达，如词语、句法、命名、阅读、写作、学习记忆等。而空间技巧与右半球相关，如对三维形状的感知、空间定位、自身打扮能力、音乐欣赏及歌唱等。可以认为左半球是科学性的，而右半球是艺术性的。这样写有些复杂，简单一点说左脑管思维方面多一些，右脑管运动和艺术多一些。二、同时调动逻辑思维和形象思维人们在学习的时候，大多数知识都是用逻辑思维范畴来表述的。音乐属于形象思维范畴的。长期在逻辑思维的领域学习，形象思维的能力得不到运用，人的形象思维能力就会下降学习音乐，可以提高人的形象思维能力，避免两种思维方式的偏废。有效开发青少年的智力。三、提升形象思维的程度即使在艺术领域，同样处于形象思维范畴，其中也有区别。比如，书法、建筑、雕塑等属于确定性形象思维。

音乐美学Aesthetics of Music从音乐艺术总体的高度研究音乐的本质和内在规律性的基础理论学科。音乐美学同一般美学、音乐技术理论、音乐史学、音乐评论等都有密切的内在联系，而且音乐美学这门学科的发展和深化，往往离不开从上述这些领域的成果中吸取营养。

音乐美学对音乐艺术实践意义 　　大部分演出者可将音乐艺术实践与新时代的思想结合，并将新时代信息运用与音乐作品的创作中，新时代讯息及风格可在音乐艺术中得以体现，才能创造出优秀的音乐艺术作品。 　　摘要： 音乐美学是一门以音乐艺术高度出发的，专研其自身规律及音乐本质的基础性理论学科，主要依托音乐艺术实践，在艺术实践中分析总结音乐美学理论。与此同时，音乐美学对于音乐艺术实践具有现实指导意义，随着音乐美学的不断发展和完善，逐渐扩展了音乐艺术的实践道路，在实践中产生新的思路。 　　关键词：音乐美学;艺术实践;指导意义 　　音乐既是一门艺术，又是一种实践活动，其理论体系需要不断的完善，并在此基础上，进行有效指导，音乐是艺术实践的理论指导基础。音乐美学的研究需要在哲学基础上，通过使用社会学及心理的研究方法，以此表达出音乐艺术实践的特殊规律。音乐艺术实践展示了作品的风格及历史背景，也展示了演出者的光鲜的人格魅力、卓越的表演技巧及独有的演绎风格，且从中表现出了演出者的审美角度及层次，具有独特性及创造性。因此音乐艺术实践具体表现出了演出者的审美意识和创造激情，同时也表现出音乐美学具有现实指导意义。 　　一、音乐美学意义及其与音乐艺术实践之间的关系 　　美学是产生和发展于社会的物质及精神生活的基础之上，主要专研美感、美的创造及规律的一门社会科学。音乐美学的研究主要从音乐的艺术高度出发，专研其自身规律以及音乐本质的基础性理论学科。音乐美学只是美学的一个分支或者一个部门，其主要专研音乐的本质、现实及音乐之间的关系、音乐的特殊形式及内容、音乐的社会功能及性质、人类的感知、想象、感情及理智等心理活动与音乐之间的关系等诸多问题。音乐美学隶属于社会科学的范畴，采用理论逻辑的研究方法专研音乐艺术，以研究音乐和其他艺术之间的特殊性为出发点，目的是分析音乐艺术自身的规律及本质。音乐美学是一门涉及范围极广且极其复杂的学科，通过充分使用人类社会及自然科学中已取得的巨大成果综合研究音乐艺术自身规律。从以上概述可看出，音乐艺术实践的主要研究对象即为音乐美学，在对音乐艺术实践进行详细研究的基础上，才可从中发掘音乐艺术自身本质及规律。音乐美学是音乐艺术实践的奠基石，只有在掌握音乐美学知识基础上，才可从艺术实践中不断的进行发展、创新及吸收，自由的表现及发挥，才可将音乐艺术实践上升到更高境界。 　　音乐艺术实践要求演出者不仅要传达音乐表象，并且需要综合多方面因素来体现音乐的文化、审美和意境等。例如，演出者将音乐美学看做是一部电影的剧本，无论采取什么表现方式及方法，其所传达的讯息都直接决定了观众的接受态度和表演的水平。就像是钢琴家演奏乐曲，不同的表演者演奏同一首乐曲，可味道和感觉却相差甚远，主要是由于每个人都是不同的个体，对于同一首乐曲的理解受个体的文化底蕴、个性特征、审美取向等多方面影响。因此，音乐美学研究的对象是音乐艺术实践，音乐艺术实践是在音乐美学的基础之上得以建立、发展的。对音乐艺术实践进行研究，可以体现音乐艺术的本质和音乐美学的精髓。对于音乐艺术实践的研究是在熟悉音乐美学理论知识的基础上进行的，才能够在音乐艺术实践中创作和自如发挥，不断的进行创新和吸收，让音乐艺术实践达到最佳状态。 　　二、音乐美学在音乐艺术实践中的作用研究 　　音乐美学是较为精深的一门学科，是学习音乐及发挥演出才能的基础，且音乐美学所涉及的范围较广，将对乐曲的理解、对音乐的审美、自己心灵所表达的思想等在进行音乐艺术表演时表现出来，学习音乐不只是学习理论知识，而是要将其本质表现出来，会对音乐艺术的发展及实践的成败造成影响，其是区别成功及普通音乐家的重要因素，每个音乐家对于音乐艺术的领悟是有区别的.，因此，才能得以造就不同人才。音乐美学对音乐表演及教育具有指导意义，可准确指导音乐艺术实践。由于音乐美学是综合类的一门科学，因此可准确到位的把握音乐整体。因此，音乐美学是一种最为直接、有效、正确的指导音乐艺术实践的理论，对音乐艺术实践的指导具有重要意义。音乐美学的研究对于音乐艺术表演同时具有重要意义，音乐表演既是一种技术展现，又是音乐内涵的体现，它可以向观众传递表演的动作美、表演者的思想，在表演中相互交流和共鸣。研究音乐美学可以从各个角度入手，如心理学角度、哲学角度、音乐作品的美学特性角度及广义社会学角度等。心理学角度对音乐艺术进行研究，包含以下问题：如何感受音乐?在进行欣赏、创造及演出音乐时的心理是什么?如何欣赏音乐?从心理学角度研究音乐艺术为自然科学提供了前提及基础，为音乐美学的研究开辟了新的道路。哲学角度对音乐艺术进行研究，包含以下问题：音乐的本质及内容是什么? 　　音乐及现实之间的关系如何?研究这些问题与认识音乐艺术具有重要联系，这是对音乐美学进行研究而首要需探讨的问题。广义社会学角度对音乐艺术进行研究，包括以下问题：音乐的阶级性因素，持续性及继承性存在，社会功能，价值标准等一系列诸多问题。音乐作品美学特性角度对音乐艺术进行研究，包括以下问题：音乐艺术作品的结构内在特性、构成因素等一系列问题。因此可以从不同的角度研究音乐美学，但音乐美学应该是一门具有完整体系的科学。从哲学、心理学、社会学、音乐作品本身的角度对音乐艺术进行研究，这几者之间有着非常重要的联系，如若只对其中一方面进行肯定，其他方面进行贬低或否定，这样得出的结论也是没有价值的，只用在充分考虑几个方面并进行综合研究，这样得出的研究成果才具有价值。音乐美学的研究方法对音乐艺术实践具有重要意义。音乐艺术实践不仅仅一种技术的表现，对于音乐内涵的体现是其目的，对于艺术精髓的传达是其本质。对音乐艺术所传达的思想、对音乐艺术的感受、演出者的音乐审美等是否有自己的理解对演出者来说是最为重要的。 　　因此，音乐美学的研究方法直接表现了音乐艺术实践的内涵及精神，直接反映了在音乐艺术实践活动中音乐实践的好坏，而表演者也正是因为此才会有极大差别。使用音乐美学研究方法来专研音乐艺术实践是一种有效、正确的途径。音乐美学是研究音乐本质的学科，是最直接及可行的表达方法。因此，音乐美学的研究方法适用于所有的音乐艺术实践研究。音乐美学直接影响着音乐艺术实践，音乐艺术实践不仅仅是一种技术表现，而且还需要理解作品的内在含义，精确地传达艺术精髓是艺术实践的本质。但如果只着重于演出者的表演技术，而忽视音乐作品内在含义，就无法表达出创造者的感情及意图，演出也只会是空泛及表面的，得不到人们的共鸣。因此，音乐艺术实践的核心价值是音乐美学，其可直接作用音乐艺术实践，并决定着音乐艺术演出的成败。 　　三、音乐美学在音乐艺术实践中的现实指导意义 　　对于专业的音乐艺术人来说，音乐艺术会对其产生巨大的影响，不论是音乐艺术的创作还是音乐艺术实践等，均会产生巨大影响，其中音乐美学的影响最大，占据重要地位，对音乐艺术实践有着巨大的现实意义。 　　(一)音乐美学维持音乐艺术实践的历史文化与新时代之间的协调 　　大部分演出者可将音乐艺术实践与新时代的思想结合，并将新时代信息运用与音乐作品的创作中，新时代讯息及风格可在音乐艺术中得以体现，才能创造出优秀的音乐艺术作品。紧跟新时代步伐，在音乐艺术实践中结合应用新时代讯息，因音乐美学是综合性的学科，因此其对于时代和历史的把握是比较安全的，音乐美学促进了音乐艺术实践新时代及历史文化相协调。 　　(二)确保音乐艺术作品的创作为原创 　　创造音乐作品时应重视作品的原创性及真实性，因为只有在真实背景下创作作品，才能够感动人而引人深思，只有在真实的背景及环境下，音乐作品才会包含创造者的思想理念及真实情感。而且音乐艺术实践过程中，应遵循原创的原则，创造者作品用不同的音乐形式展示出来，才能体现创作者真实的感受和思想理念，才可将音乐灵魂在音乐艺术实践中体现出来，并且将音乐的个性美及灵魂美得以体现。 　　(三)音乐美学原理中需要遵循的原则 　　在音乐艺术实践中应遵循以下原则： 　　(1)在进行音乐演出时应与原作品进行统一，而且在进行音乐创造时也不能违背音乐作品的真实性及本质。在表述对音乐美和对作品的理解时，需要注重原音乐作品的创作背景及创作意图。这就要求我们再进行二度创作时，要注重原版作品的真实性和本质，为研究音乐艺术提出了更加困难的要求，需要进行不断专研，而又不能将其变为没有生气的影像。说明需要具有强烈的创作热情和参与意识，在此基础上将对于音乐作品的理解表达出来，显现了个人对美的理解的差异性和个性化。 　　(2)在历史背景下，音乐的演出风格应与当代精神相符合。音乐艺术演出进行时，既要注意创造作品时的历史背景条件，也要注意结合当代精神特点，从当代角度分析及观察历史背景，将完美音乐作品进行再现。 　　(3)将音乐表演及技巧相结合。如若忽略音乐作品的本质，单纯的炫耀技术，只会使得音乐艺术作品更加空洞，如若没有清湛的技巧，则缺少了将音乐作品完美表达的表演手段和基础条件。 　　(4)将音乐现代审美及美学观念在音乐艺术实践中进行应用。音乐艺术演出者站在舞台上，采用动作美将音乐得以释放，采用表演将音乐作品释放出光芒，为音乐艺术实践扩展新视野，并且肯定音乐美学的研究也得以体现。只有将以上几点理解并做到，才能使演出技巧、音乐美感及音乐演出能力不断地进行提高。 　　结语： 　　进行音乐美学学习的目的是什么，音乐美学对于音乐艺术实践的作用是什么，以上问题反映了音乐作为主客体之间关系的问题。以往对于音乐艺术的研究着重于音乐的表现力，而忽略了研究作品本身，即对于创造过程及背景的研究，只有详细研究这些内容，才能对音乐艺术本质进行深入了解。对于音乐美学内容的研究，包括音乐的演出风格、演出过程，欣赏音乐时的方式、心理。 　　综上所述，音乐艺术表演的基础是通过音乐艺术实践提高音乐美学的水平，并将自身素养提高，同时在音乐美学的帮助及理解作品的情况下，在演出时融入自己对作品的理解，将作品演绎出来。音乐艺术实践与音乐美学两者之间相互促进，缺一不可。 　　参考文献： 　　[1]张诗杰.浅谈现代音乐美学研究对音乐表演的重要意义[J].音乐时空，2013(12)：179. 　　[2]倪璐.浅谈音乐美学对音乐艺术实践的意义[J].音乐时空，2014(19)：144. 　　[3]李新苗.音乐美学在音乐表演中的意义作用[J].成功(教育版)，2013(22)：122. 　　[4]畅言.浅析现代音乐美学研究对音乐表演艺术的启示要点[J].环球市场信息导报，2014(18)：95. 　　[5]梁元.音乐美学对钢琴演奏和教学实践的现实意义[J].大学教育，2013(13)：59-61. ;

1.音乐美学是一门古老而又年轻的学科；2.音乐美学是音乐和美学相结合的一门交叉学科；3.音乐美学是音乐学中一门具有哲学性质的基础性理论学科；

音乐美学学科是19世纪后半叶在欧洲逐步建立起来。音乐美学这个概念在18世纪末叶德国音乐学者的著作中已经出现。作为一门独立的学科，则是19世纪后半叶在欧洲逐步建立起来，经过一个多世纪的探索，它已经成为一般美学和音乐学中的一个重要分支。音乐美学同一般美学、音乐技术理论、音乐史学、音乐评论等都有密切的内在联系，而且音乐美学这门学科的发展和深化，往往离不开从上述这些领域的成果中吸取营养。但是，各国音乐家们对音乐的本质、音乐审美感受、音乐的社会功能和价值标准等基本问题的思索和探讨却早已进行了，无论是在东方，还是在西方，它的历史可以一直追溯到遥远的古代。音乐美学的内涵：音乐美学就是“音乐美”的学问。音乐美学试图从根本上解释音乐存在的价值及音乐的意义，展开音乐美的本质、音乐美的逻辑、音乐美的形态以及音乐美的范畴的全面寻究，涉及音乐的本质属性，音乐的本体构成，音乐的相关功能即音乐与自然、社会、生活的相互关系，音乐主体中创作、演奏与鉴赏的相互关系，音乐与其他文艺形态的关系，音乐的风格流派与美学范畴。音乐美学要以音乐史为广阔土壤，充分把握林林总总的音乐现象，特别关注各个时空下的音乐思潮，并以音乐美学观念作为自身的研究对象，从而总结出各时期各地域音乐的美学思想体系。

音乐美学，aestheticsofmusic从音乐艺术总体的高度研究音乐的本质和内在规律性的基础理论学科。对象和不同的研究角度　音乐美学同一般美学、音乐技术理论、音乐史学、音乐评论等都有密切的内在联系，而且音乐美学这门学科的发展和深化，往往离不开从上述这些领域的成果中吸取营养。但是音乐美学在研究对象上却同上述的这些领域不同。一般美学把艺术作为人类审美意识的集中表现，从总体上研究艺术的本质和普遍规律，而音乐美学则把音乐作为艺术的一个特殊种类，研究它的特殊本质和特殊规律;音乐技术理论（如和声学、对位法、曲式学、配器法等）研究音乐创作的技法、音乐构成上的具体准则，而音乐美学则把音乐作为一个总体，从更概括的角度考察它的本质和规律；音乐评论从实践上把具体的音乐现象作为它的分析和评论的对象，而音乐美学则对音乐的总体进行基础理论性的学术研究，为音乐评论提供理论前提。音乐美学的研究可以从以下不同的角度进行：哲学的角度、心理学的角度、广义社会学的角度以及音乐作品自身的美学特性的角度。对音乐艺术进行哲学角度的研究，主要涉及下列一些问题：音乐的本质是什么？音乐的内容是什么?音乐同现实的关系是怎样的?等等。这些问题同哲学认识论有极为密切的关系，具有根本性质，是音乐美学中首先要探讨的问题。从心理学角度研究音乐艺术所要回答的问题，诸如音乐创作、表演、欣赏的心理过程是怎样的？人们究竟是如何感受音乐的？音乐是以何种方式作用于欣赏者的？20世纪以来，心理科学的发展为从心理学方面研究音乐提供了自然科学的基础和前提，为音乐美学研究的这一新领域开辟了道路。从广义的社会学的角度研究音乐艺术，涉及诸如音乐的社会功能、音乐的价值标准、音乐的阶级性因素、音乐的持续存在和继承性等等一系列问题，至于从音乐作品自身的美学特性的角度研究，则涉及诸如从音乐作品的结构、诸构成因素的内在特性等方面来考察音乐美学等一系列问题。人们可以分别从上述不同角度的某一个角度从事音乐美学的研究，但是音乐美学作为一门科学，它应该是一个具有自己完整体系的整体。对音乐艺术进行哲学的、心理学的、社会学的以及音乐作品自身的美学特性的研究，这四者之间包含着深刻的内在联系。任何以孤立强调其中的一个方面来贬低、甚至否定其他方面研究的价值都是不正确的。只有将以上4个方面研究的有价值的成果综合起来，才能构成音乐美学完整的整体。

音乐美学是研究音乐和音乐艺术的哲学学科，探讨音乐和音乐作品的审美特征和艺术价值。音乐美学作为一个哲学学科，主要关注的是音乐作品的审美特征和艺术价值的研究，探讨音乐艺术与美学的关系。音乐艺术在展现美学价值上有其特有的方式，例如利用音符、节奏、和声、旋律等元素组合而成，表达情感、传达思想、展现美感等等。而音乐美学的研究正是为了深入探讨音乐作品背后的艺术内涵和哲学思想。除了研究音乐作品的审美特征和艺术价值之外，音乐美学还涉及到其他方面的研究，例如音乐史、音乐心理学、音乐教育等等。音乐史研究通过对不同历史时期和地区音乐发展的分析，揭示音乐演变的规律及其影响。音乐心理学研究则探讨音乐对人的心理及身体的影响，通过对音乐的感受和体验来深入了解人类的心理机制。音乐教育则是帮助更多的人理解和欣赏音乐，培养对音乐的爱好和理解力。除了上述提到的方面，音乐美学还有很多其他的研究方向和内容，例如：音乐语言学：研究语音、语法和语义在音乐中的应用，理解音乐中的语言性和表达性。音乐社会学：研究音乐在社会和文化方面的作用和影响，探讨音乐在不同社会、文化和历史背景下的演变和发展。音乐认知科学：研究人类对音乐的认知和理解过程，了解音乐对人类大脑的影响和作用。音乐技术学：研究音乐技术和电子音乐在音乐制作中的应用，探讨音乐技术对音乐创作和演出的影响和变革。总之，音乐美学是一个涵盖广泛、内容丰富的学科，旨在深入了解音乐的艺术和哲学内涵，探讨音乐与社会和文化的关系，了解音乐对人类认知和心理的影响和作用。这些研究对于音乐的发展和演变、对社会的影响和作用、对人类认知和行为的影响等方面都有着重要的意义。

所记录的时空是连续的、实际的时空长镜头不打断时间的自然过程，保持了时间进程的不间断性--与实际时间、过程一致，排除了蒙太奇通过镜头分切压缩或延长实际时间的可能性。长镜头表现的空间是实际存在着的真实空间，在镜头的运动中实现空间的自然转换，实现局部与整体的联系，排除了蒙太奇镜头剪接拼凑新空间的可能性。所表现的事态的进展是连续的用一个长镜头对一个场景、一场戏（一个过程）进行连续的不间断的拍摄，再现了事件发展的真实过程和真实的现场气氛。例如在《中国艺术团访问拉美三国》中，表现朱逢博在圭亚那演唱圭亚那歌曲受到欢迎的段落，由于只能一次拍成，但又要表现演员、观众和现场情境，作者用了一个长镜头来表现，通过镜头的运动来完成分切镜头的表现任务。这个长镜头段落是这样的，朱逢博的近景，演唱；唱完一小节后镜头漫漫拉开，成全景，停三秒，随着音乐的节奏，镜头慢慢右摇，清楚地展现观众欢快的情景；然后镜头移动横扫全场。移动中发现一位黑人观众特别聚精会神，象着了迷，镜头推成他的特写，绕他转180o。这时演唱已快结束，镜头随即又从特写边拉边移退到观众背后，全景透过观众拍台上演员，直到全场欢呼鼓掌，演员谢幕。一个长镜头共3分20秒，唱歌的声音没有间断，镜头在运动中忽而突出细节、忽而强调气氛，保持了整段内容的完整，产生了一种真实、自然、生动的效果。具有不容置疑的真实性长镜头具有时间真、空间真、过程真、气氛真、事实真，排除了一切作假、替身的可能性，具有不可置疑的真实性。与短镜头功能的区别电影中长镜头和短镜头是两种发挥着截然不同作用的镜头，二者之间的区别主要在于持续时间的长短。摄影机从开机到关机之间的时间长短决定了镜头的长短，即长镜头经常是持续时间比较长，而短镜头反之。长镜头大多应用在纪实的电影作品当中，因为长镜头不间断的记录一件事情，是观众感受到真实的过程，而短镜头由于持续时间短，编创人员有可能把没有关系的镜头接在一起从而产生新的意义，因此短镜头适合于故事片叙事蒙太奇的创作。

促进人们营造和谐环境。美学是一个哲学分支学科，是研究人与世界审美关系的一门学科。美学进入行政伦理学最重要的意义就是能够促进人们营造和谐环境。行政伦理学是一门研究公共行政活动中产生的伦理问题和道德现象的应用学科。

1.理论传播学 在经济、社会日益信息化、全球化时代，研究人类信息传播活动及其规律的传播学已经成为重要的基础性学科。本研究方向在传播学学术体系中处于核心地位，是学术体系基础理论。 本研究方向的特点是在从传播历史发展入手研究传播活动的普遍规律的基础上，侧重于研究代表传播发展方向的，以广播电视、互联网为主体的传播活动及其规律。传播学所具有的跨学科特征决定了其研究方法的综合与多元。宏观上，本方向研究有助于我国经济、社会信息化过程中把握传播活动的过程、机理和效果等的基本规律，从新的学术角度，用新的研究方法探讨、开拓传统学术领域；微观上，本研究方向结合我国传播业，尤其是广播电视业、互联网等新媒体的实践，研究广播电视等电子媒体传播的手段、受众、改革等重大问题。 本研究方向硕士研究生的培养目标：为包括广播电视在内的各级各类传播媒体、政府相关机构、企事业宣传或公关部门等培养高素质的专门人才，同时兼顾学生理论、科研及教学能力的培养。通过学习，学生将形成宽厚的人文及社会科学基础，全面掌握传播学原理、理论框架和实践技能，具备对传播现象、媒介实践的批判及反思能力，成为具有现代传播理论素养、适应当前信息传播业以及媒介研究、教育领域实际需要的专业化的应用人才。 2.应用传播学方向 (1)媒介经营管理是一级学科“新闻学与传播学”、二级学科“传播学”之下的研究方向。媒介经营管理主要研究大众传媒经营管理活动及其规律，作为新兴的交叉型学科研究，研究范围主要体现了新闻传播学和管理学、经济学的交叉和融合。 本研究方向为应用研究，研究的主要内容有：宏观层面的媒介产业政策和产业规制的研究、媒介发展战略研究，中微观层面的媒介策划、媒介品牌、媒介营销等研究。 本研究方向要求学生系统地掌握新闻传播学和管理学、经济学的基本理论，在此基础上主要运用对比研究法，对比国外传媒集团先进的媒介运营模式；运用案例分析法，分析研究国内外具有代表性的传媒经营管理案例；运用实地考察法，让学生深入传媒一线参与实践；运用定性定量相结合的研究法，对媒介市场的描述要从定性和定量的角度去研究。媒介经营管理作为新兴的交叉型应用型学科，研究方法较为综合，总体强调第一手资料的占有，着重与传媒产业发展需要结合，和本学科理论发展相联系。 本方向研究依托传媒大学的综合学科交叉平台，如与传媒经济研究、受众研究、媒介市场调查研究、广告学研究等的有机结合，依托长期以来形成的与各种强势媒介的有效关联，使媒介经营管理研究具有学科延展性、专业贴近性和内容实用性的优势。 本研究方向为传媒产业培养应用与研究并重型人才，硕士生应通晓传媒经济和传媒经营管理的实务，具备传媒专业素养以及经营管理的素质和技能，同时具有较强的理论研究能力和一定的教学能力。对学生量才侧重培养，毕业学生可为胜任传媒产业领域专业性经营管理工作的应用型人才，可为承担政府和行业主管部门高层次的媒介管理工作的管理型人才，可为高校和科研机构的教学与科研工作的研究型人才。 (2)媒体创意是媒介竞争的产物，是市场化时代媒介生存与发展的必要手段。其基本内含，是指现代传媒面向市场需求和变化，在信息建构与传播以及媒介经营与管理的各个领域、各个层面、各个环节所采取的具有创新性、创造性的策略和构思。其要旨在于因势而变，不断推陈出新。其范畴涉及传媒运作的方方面面，简单地说，可概括为创意传播、创意经营和创意管理三大领域。目前，本方向研究生的培养主要定位在创意传播领域。 创意传播研究的主要内容是，在关注大众传媒发展动态、把握创意实务前沿、解析有关创意案例的基础上，在理论与实践互动、多维理论与多学科知识的交叉、融合中，全面总结、探讨各类大众传媒的创意传播规律。研究方法主要采用定性与定量相结合的方法。其学术视域涉及到传播学、美学、社会学、人类学、心理学、大众文化、系统科学、市场营销、创新思维等多学科理论和知识。其研究特色，一是综合性、交叉性，二是较强的实践指向。目前，中国传媒大学对该领域的教学与研究在国内居领先地位。 本方向培养的研究生要求具有较为扎实的传媒理论功底，相对开阔的知识视野，掌握创新思维原理，并能够成功地应用到现代传媒领域；从人才规格上说，是一种以创新思维为核心，集人文素养与传播智慧于一体的高层次的现代复合型人才。毕业后，既可以做“创意人”、“策划人”，从事专职的媒体创意与策划工作，也可以从事传媒领域的相关工作，以及相关领域的教学与研究工作。 (3)传媒策划是一门应用性很强的新兴学科，它是从传播媒介入手，既分析了传媒对其他经济社会活动的策划，又分析了企业以及其他实体对传播媒介的策划。本学科的基础是应用传播学以及其分支学科传媒经济学。通过本学科的学习使学生全面掌握传媒活动的规律及其运营技巧。学生就业可去媒介和政府机构从事高层次的媒介策划与管理工作，可在高校和科研机构从事教学与科研工作。 (4)受众研究方向介绍受众是传播的起点和归宿，受众研究从其诞生之日起，就一直是传播学研究一个极为重要的领域，也是一个与时俱进、历久弥新的领域。随着传播科技的快速发展，今天的受众不再只是游走于不同媒介之间的读者、听众或观众，也不再是单纯的信息接受者，受众日益增强的主动性和影响力，使得新媒介环境下的受众研究，凸显出更加鲜明的学术价值，更加丰富的应用内涵。 受众研究是横贯传播学与应用传播学诸学科方向之间的一个重要桥梁，发展前景广阔。受众研究广泛融合多学科理论和知识，注重定量与定性方法的结合，采用结构性、行为性、社会文化性等多种研究路径，对受众规律进行探讨，同时关注社会转型期尤其是新媒体环境下，受众的动态与生态。受众研究对于传播学、传媒经济学、传媒生态学、广告学等学科研究的发展，对于媒体经营和管理、媒体策划、节目评估与编排、广告媒体计划等应用领域的发展，都具有积极的推动作用。 作为与传媒业实践对接的一个重要途径，受众研究既为传播活动提供决策依据，也为衡量传播效果提供尺度标准，它的量化形态(如收视率等)还是媒介与广告市场的通用货币。以受众理论为指导，采用传播学研究方法所进行的受众调研，如收视率调研、收听率调研、阅读率调研、点击率调研等，本身已经成为媒介产业的一个重要组成部分。 本专业方向以三个并重为特征：宏观与微观研究并重，理论、方法与实际应用并重，文理并重。注重培养三种高级专门人才，即从事受众理论研究的人才，从事受众调研分析的人才，基于受众调研进行媒体策划、媒体经营、节目评估、节目编排、广告媒体计划、购买和效果评估的复合型人才。本专业方向的研究生需要熟悉和掌握有关受众研究的基本原理和研究方法，对各种与受众相关的理论、方法、应用领域有清醒的认识和把握。 毕业生的就业情况下，本专业方向的职业选择包括，高校教师，相关国家机构公务员，科研机构研究人员，媒体总编室、广告部、节目中心管理者和数据分析评估人员，新闻出版、网络新媒体从业人员，媒体和市场调研公司的数据调研和分析咨询人员，相关机构的经营管理和公关人员。

中国饮食文化中的美学思想包括：1、色、香、味、形：中国饮食强调食物的色彩、香气、口感和外形，将其视为衡量食物品质的重要标准。2、食材讲究：中国饮食注重使用新鲜、有机、当季的优质食材，并且根据不同的地域和季节选择不同的食材，这也是中国饮食文化一大特色。3、精雕细琢：中国餐饮文化极其讲究精益求精，厨师们会花费大量时间和心血去打磨菜品的制作技艺和味道，追求完美。4、平衡和谐：中国饮食文化强调食物的平衡和谐，不仅指营养均衡，还包括五味调和，酸甜苦辣咸等味道的搭配。5、礼仪文化：中国饮食文化强调餐桌礼仪，包括用餐顺序、吃饭姿势、交谈技巧等方面。这些礼仪不仅是食物品质的体现，也是中国传统文化的重要组成部分。中国饮食文化的特点包括：1、食物种类丰富多样，涵盖了各个地区的特色菜肴和风味。2、中国人讲究“五味调和”，即酸、甜、苦、辣、咸五种味道在餐桌上的平衡，以保持身体健康。3、餐桌礼仪繁琐，如宴席上的座次、用餐顺序、筷子使用规范等，反映了中国文化的尊重和细致。4、中华文化强调食物与医药的关系，注重饮食养生和药膳食疗。5、节日饮食文化丰富多彩，如春节的年夜饭、端午节的粽子等，体现了中国传统节日的文化内涵。

《德勒兹身体美学研究》（姜宇辉）电子书网盘下载免费在线阅读资源链接：链接：https://pan.baidu.com/s/14y9O9YQxG2BeqO7amJV6sQ 提取码：syai书名：德勒兹身体美学研究作者：姜宇辉豆瓣评分：8.2出版社：华东师范大学出版社出版年份：2007年10月页数：264页

20世纪是身体美学迅速扩张的世纪，人体借助大众传媒的崛起之势跃升为最重要的审美对象。迄今为止的绝大多数相应话语都仅仅把身体当作审美客体，这至少在逻辑上是不完整的。 身体美学作为一个词组有以下意义：⑴以身体为审美主体的美学；⑵以身体为审美客体的美学；⑶以身体为审美主体且同时以身体为审美客体的美学。 在如此广阔的领域里，身体也会在它与万物的相关性中被提及，但从来没有被主题化过。这在于中国古代对于美的观念的限度。一般认为，汉语“美”的原始语义是“羊大为美”和“羊人为美”。“羊大为美”不仅指羊自身肥大健硕，而且指这种羊给人的味美感觉。美在这里和人身体的感觉特别是味觉建立了关系。味觉是品味，是区分和比较。它不仅是对于对象进行感觉，而且也是对于感觉进行感觉。如果说“羊大为美”偏重于美的生理性和自然性意义的话，那么“羊人为美” 则突显了美的宗教性和社会性意义。它主要指人戴着作为图腾的羊头跳舞，娱人娱神，达到人神相通。在此舞蹈自身所带来的身心快乐是重要的。但如此理解的美不仅要从人那里获得规定，而且要从神那里获得规定。如果我们只是鉴于“羊大为美”和“羊人为美”来解释中国人的美的观念，那么这无疑是片面的。事实上中国人美的观念主要表达在儒家、道家和禅宗的思想之中。儒家认为美在礼乐，道家主张美在自然，禅宗提出美在意境，如此等等。在这种种关于美的规定之中，我们看到它们都不是从身体及其本性出发的。相反如果身体自身要具有审美的特性的话，那么它必须获得这些规定。 与中国古典美学相似，西方的传统美学也遗忘了身体现象。对于美学基本问题的探讨的学科在古希腊是诗学。诗学和哲学的其它学科一样，都是对于人的不同理性区域的研究。亚里斯多德将人类的理性分为三个方面：理论理性、实践理性和诗意理性。理论理性相关于认识，实践理性相关于行为，诗意理性相关于创造。所谓诗学就是关于诗意或者创造理性的科学。其基本内容包括了诗歌的一般本性，它的创作和欣赏等。诗歌在根本上被理解为对于世界的模仿，而模仿本身是人求知的本能，由此它最后被理论理性，亦即被洞见所规定。基于这样的思想，身体问题根本不在诗学的考察之列。 作为感性学的美学在近代才得以建立。美学学科的命名者鲍姆嘉通认为人的心理活动分为知意情三个方面，相对于认识的有逻辑学，相对于意志的有伦理学，而相对于情感或者是感性认识的却没有一门学科。为此他创立了美学，并认为美学的对象是感性认识的完善，亦即美。因此美学不仅是感性认识的科学，而且是作为完善感性认识的系统学科。身体在感性学中是以矛盾的形态出现的。一方面感性的完善包括了身体的完善，另一方面美学必须否定身体，要控制、改善和引导身体。基于这种特性，美学不仅是理论的，而且也是实践的。 自近代以来，美学作为感性学一直关联于人的感性、感官和感觉。感觉有快感和不快感之分，而在快感之内又有肉体的快感和精神的快感之别。美学研究人的精神的快感，它主要是对于美和艺术的感觉。但感性自身除了感觉之外，它还包括了感性对象，亦即可感觉之物。最后感性还表现为感性活动，也就是人的生活世界本身。于是美学作为感性学，作为一门关于美的科学，研究美、美感和艺术，具有非常开阔的视野。因此关于美学的一般理解包括了美的理论、美感的理论和艺术理论等。但在美学中，艺术哲学具有独特的位置，以致人们用它来替代美学。作为对于艺术现象的哲学思考，它主要兴起于德意志唯心主义时期。此时的哲学作为主体性哲学的典型形态，设定了主客体的二元思维模式，并因此成为了世界观和方法论的哲学。艺术被理解为人所创造的感性的精神世界。 不管人们在近代如何理解美学，它都始终置于理性哲学的框架内并被理性所规定。对此我们看到了几种不同的思想体系的设定。康德的批判哲学分为理论理性、实践理性和判断力的批判。其中，包括了美学的判断力批判是其哲学的拱心石，是自然与自由的过渡。美在此被描述为具有普遍性和必然性的无利害的快感。谢林则认为美和艺术是哲学的最高官能。因为艺术是一种理智直观，所以它能达到主客观的同一。与此不同，黑格尔主张美和艺术是绝对理念的感性显现。与作为表象的宗教和作为概念的哲学相比，作为直观的艺术处于绝对理念发展的初级阶段，而且要被宗教和哲学所克服。在这些理论体系之中，美和艺术被理解为感性的，并相关于理性。在这种感性被理性所规定的意义上，德国唯心主义美学和一切近代美学一样是理性主义的美学。它们当然是没有身体和身体性的美学。 身体的美学意义是在现代思想中被发现的。因为现代思想的主流是思考存在的不同意义，所以它们都是“非”理性主义和“反”理性主义的，并由此是广义的感性主义和审美主义。所谓的美和艺术都置于存在之中。马克思认为美是人的物质生产劳动实践的产物，艺术作为意识形态依赖于经济基础。尼采强调美是“创造力意志”的直接表达，并因此是人的生命力的实现。海德格尔主张美和艺术是存在的真理自身设入作品，诗意是人在此大地上的居住方式。在这些现代美学思想中，人的形象突显出来，他或者是马克思劳动的人，或者是尼采生命冲动的人，或者是海德格尔立于林中空地中的人。特别是在尼采的人形象中，身体的肉身性获得了一种前所未有的审美意义。这在于尼采关于美和艺术的本原的探讨在根本上是身体性的。美和艺术首先是人类学的，它是人的生命的冲动；其次是生理学的，它是身体的力量，是肉体和血液的作用；最后是心理学的，它是创造力的感觉。尼采的身体美学具有非凡的意义，它一方面是对于西方传统古典理性美学的反叛，另一方面是给予后现代美学的遗产。 在后现代，正如没有传统意义的哲学一样，也没有传统意义的美学。因此后现代的美学是“非美学”和“反美学”。基于反本质主义和反基础主义的立场，后现代在根本上反对传统美学的霸权主义对于美的本质、美感的本质和艺术的本质的思想追求。美和艺术的意义就是无规定性的和非确定性的，是复杂的、多元的和断裂的。于是美学问题就是语言和文本的解释问题，是话语分析的一个独特的领域。从此出发，后现代也打破了现实和艺术的界限，消解了原本和摹本的二元模式。在后现代美学的多元话语中，关于身体及其欲望的话语成为了主导性的话语之一。这在于它自身是无规定性的和非确定性的。但后现代的身体美学不同于现代的身体美学。现代的身体是现实给予的，后现代的身体是话语构建的；现代的身体是被存在所规定的，后现代的身体是被欲望所规定的。 从身体的视角来审视美学的历史，我们发现，传统美学一方面忽略了身体的意义，另一方面包含了思考身体的可能性。这在于感性总是作为身体的感性，它是一个在已思考中尚未思考的问题。现代对于作为存在的身体和后现代对于作为欲望的身体为身体美学则提供了许多思想的资源。 当然，我们也有必要将从身体射出的眼光来看看当代审美的现实和思考它的美学界。众所周知，美的现象在当代世界中变得越来越普遍和重要。自然美更直接地进入人的日常生活领域。人们不仅要求居住的空间的满足，而且强调其生态环境。不再只是具有特权的文人雅士，而且一般的民众也向往大自然，旅游到高山和海边，亲身体验山水之美。至于社会生活本身，人们正在倡导一种审美文化，让社会生活的各个方面充满审美的情趣。当然各种形态的艺术通过现代的信息技术走出了象牙之塔，它已不是少数人的专利。同时大众文化的兴起使每一个人在工作之余不仅被动地享受艺术，而且主动地创造艺术，如同一位歌唱家和舞蹈家那样。 当代生活世界中的美的现象一个特殊的标志就是所谓的生活的审美化和审美的生活化。生活是人的衣食住行，是劳作与交往，它是功利性的。而审美是非功利性的。生活中当然包括了审美的因素，但只有艺术才是纯粹的审美活动。因此生活和审美之间存在一定的距离。不过这种历史上产生的疏远在现代社会走向了相互关联，亦即生活审美化和审美生活化。这不是某种生活态度和审美态度的变化，而是一种历史的生成，也就是生活变成美的，而美变成了生活的。 由于美的现象在当代生活中的特性，对于它的言谈成为了日常语言的一个熟悉的言语事实，对于它的思考的“美学”现在成为了哲学学科中最为人所知的学科之一。比起传统学科的认识论和伦理学所关注的问题，也许惟有美学思考的“什么是美”这样的问题对于人们更具有吸引力。美学一方面是形而上的思辩，如对于所谓美的本质、美感的本质和艺术的本质的追寻等；另一方面是形而下的分析，如一些审美现象的描述、审美经验的归纳等。一般而论，人们将美学分为哲学美学，心理学美学和社会学美学等。哲学美学是关于美学基本问题的哲学思考，它将美学的基本问题置于哲学的基本问题之中。如同心理学美学是从心理学的角度研究审美现象一样，社会学美学则是分析审美现象的社会学意义。现代还不断产生了许多美学的新兴学科，如生态美学、环境美学和景观美学等。 但身体美学呢？它对于中国当代美学来说仍只是一个问题，还不是一个主题。 3． 身体美学当然主张身体成为美学的主题之一。人们对于美的范围有许多分类。传统美学将它划分为自然美、社会美和艺术美等，现代美学则将自身的触角伸向了日常生活世界和科学技术领域，关注生活美和科技美。但身体不仅与它们相关，而且就是它们的聚集点。我们可以说，身体美是自然美的顶峰，是社会美的载体，是艺术美尤其是造型艺术和表演艺术美的中心。日常生活的美和科学技术的美也与身体美学建立了直接和间接的联系。因此身体美学的构建不仅突显了身体美的独特意义，而且能导致审美领域的某种交叉和重构。 基于身体美的这种特性，身体美学不仅要求身体作为美学的主题之一，而且重申从身体的本性出发探讨身体和与之相关的审美现象。这首先要让身体成为身体自身。它不能再被分割，变为不同的美的领域中的一个碎片，而是要独立出来，显示为完整的有机的身体。其次要从身体自身出发来理解身体。因此我们不能只是从自然、社会和艺术等不同的角度来解释身体，而是要从身体的角度来透视身体自身。最后以此为基础去观看身体在自然、社会和艺术中的相应的审美表现。 这里关键的问题是，如何让身体自身作为自身显示出来。我们关于身体及其审美表现有各种各样的观念，这些观念既可能是日常的，也可能是理论的和逻辑的。它们作为思想的原则规定我们去描述、理解和解释身体，如同开辟了各种思想的道路。但它也许是迷津，阻碍了我们思考身体自身。因此在此需要的是无原则的批判，即抛弃各种作为原则的关于身体的先见和偏见。 让我们思考身体自身。任何一个存在于此的身体当然是自然给予的，是父母生育和基因遗传的；但同时也是文化塑造的，是社会和历史的成果。因此身体是自然与文化的双重产物，而且是一个始终自身更新的作品。 这一作品的直接呈现是肉身，即血肉之躯。它表明，身体是活的生命的存在。这往往导致将人理解为动物或者具有动物性。其实这只是一种似是而非的判断。人与动物无疑具有相似性，但他们之间存在着不可逾越的缝隙，即人的肉体不是动物的肉体可以置换的。这就是说，人的肉体从一开始就是人的肉体，而不是动物的肉体，因此人最初并不是一般的动物或者只是具有动物性。同时人的身体是有感觉、意识和语言的，这充分地标划了人的身体的独特性。人感觉和意识到自己的身体，并且说出自己的身体。于是人的身体不仅现实地存在于此，而且在感觉和意识领域里呈现出来。由于语言，身体既是自然的，又是文化的，成为了自然和文化相互生成的本原性的场所。我们看到身体一方面是现实给予的，另一方面是被话语建构的。 人的身体的肉体性表现为它的欲望。其生死爱欲就是吃喝性的欲望。人的欲望指向所欲望的。因此它一方面驱动人感觉人自身，形成身体的内感觉，另一方面迫使人感觉人之外，形成身体的外感觉，如视听和触摸等。但欲望由于对所欲望的渴求的实现便使自身变成了身体的活动，亦即手和脚的活动。于是人的身体的感性不仅是感官和感知，也不仅是它们作为自身的感性对象，而且也是人的感性活动。其最根本的是人的经济活动，即通过劳动而满足吃喝性欲望的身体性行为。这种身体的感性活动甚至规定了身体的感觉及其对象。鉴于这种情况，人的身体不能片面地理解为身体的感觉或者是被感觉的身体，而是要理解为身体的活动和活动的身体。 作为感性活动的身体，身体始终是指向身体之外的。这也就是说身体存在于它的世界之中。身体不仅有一个世界，如它周边的世界，各种人与物等，而且就是这个世界。这意味着世界不是外在于身体，对于身体是可有可无的，而是身体最直接的显现形态。正是在世界中，身体与物打交道，形成了人与自然的关系；与他人的身体打交道，形成了人与社会的关系；与神打交道，形成了人与精神的关系。 身体与其世界中的人和物的交互关系促使了身体自身的成长，从而构成了身体的历史。在这样的历史中，身体并非否定自然性而达到文化性，如同人们所设想的逐渐远离动物而成为人自身，而是身体的自然性和文化性的交互生成。在历史发展的任何一个阶段，身体的自然性和文化性在一种相互对立中激发了各自的活力。因此伴随着文化性的越来越丰富，身体的自然性也越来越多样。这种身体的历史生成就是身体的审美化。 这表现为，身体的欲望及其实现完成了从自然到文化亦即人化的过程，即它们不仅是自然的，而且也是文化的。例如饮食由充饥到美食甚至成为礼仪性的宴会，性欲由生殖到色欲再到生死般的爱情等。让我们对于身体的这些基本本能的审美化作更细致的描述。 吃的本能是基于人的身体的生命特性。人的身体需要获得身外的食物，以维系自身的生存和生长，而避免衰弱、疾病和死亡。这种欲望表现为饥饿感，亦即要求通过吃将食物变成身体自身的营养。因此吃的首要的意义是充饥。充饥对于任何一个人来说都是生存的第一需要，特别是对于那些处于饥寒交迫的人来说更是如此。于是满足充饥的活动甚至成为了推进人的生活乃至一个社会的动力。但当充饥满足之后，人的饮食行为就不再只是满足畅胃的需要，而是满足口舌的需要了。此时吃便成为了在与充饥同时的美食行为。它是对于食物的味道的品尝。人们不仅要求有一些食物，而且要求有精美的食物；不仅要求食物是有营养的，而且要求食物是形色香味俱全的；不仅要求食物是多样的，而且要求食物是变化的，如此等等。在此人们往往只是为吃而吃。这种美食的兴起直接导致了鉴赏趣味的发展和提升。由此人们不仅品谈食物，而且也品谈自然、人物和艺术。但吃最后还演化成为一种礼仪。这里吃的行为自身包含了许多吃之外的意义。中国人在春节时用食物祭祀先祖，让不在场的人和在场的人聚集在一起。西方基督教的圣餐中的葡萄酒和面饼是基督的血与肉，信徒们的领受不仅是对于基督的纪念，而且也是与上帝的共在。至于现代生活中各种私人的和公共的宴饮则具有许多不同的意义：聚会、庆祝、迎接和告别等。 如果说食欲是为了个人的身体不致死亡，那么性欲则是为了种族的身体不致消失。于是性首先便表现为生殖。人是要死的，但这个要死的人却在自己的子孙后代身上看到了自己的死而复生，且生生不息。在生殖行为中当然有性欲的要素存在，但真正的性欲及其满足的快乐是与生殖相对分离的。由此性行为不再作为生殖的中介，而是作为性欲本身，如此的性欲及其满足便以自身为目的。这时性表现为纯粹的肉体感官愉悦，它就是人们讲的色情之乐。但既不是生殖，也不是色情，而是唯有爱情才是性的最高升华。爱是给予，因此相爱就是给予与被给予。为什么? 个体在他的成长过程中意识到了自身的界限及其残缺，他只有在异性中才能使之达到完满。由此异性的存在便是自身渴望和追求的根据。它使人超出自身，在两性的合一中结束不完满并达到完满。在此过程中，每人对于他人而言都是给予者和被给予者。这种给予和被给予是全部身心的。异性不仅渴求精神的沟通，也渴求肉体的交媾，从而成为一体。但这个爱的一体是给予与被给予的统一。于是在爱中便开始了伟大的生成，男女成为了新人。他们既各自展开自身独特的个性，同时又丰富相互灵肉共生的关系。 这是食欲和性欲在人的身体成长的历史中展现出来的自然性和文化性意义。它当然也是身体自身审美化最突出的表现。但身体的审美化是多方面的。首先是作为被感觉的身体，如形体、容貌、气质、风度等。此外衣服特别是时装对于身体的美化具有重要的意义。就某一身体部位而言，衣服既是遮蔽，也是显露。其次是作为感觉的身体，如视觉、听觉和触觉等。除了对于身体之外的感觉，人还有对于身体之内的感觉，如心跳的快慢，呼吸的疾缓，体温的冷热以及一些不可言说的感觉。最后是作为感性活动的身体，它包括了由食欲和性欲所推动的人的身体的活动。这既表现在日常生活世界里人的衣食住行和人际交往，也表现在艺术、体育等专门领域的身体的表演。 但从审美的角度来看，身体在其历史中遇到了许多问题，它们是反审美的、非审美的和伪审美的。这首先是“无身体”的思想。人们在思考身体和它的相关物时，往往遗忘了身体自身。身体在此是缺席的和不重要的。特别是在“身心”和“内外”的二元模式中，人们重心轻身，重内轻外。于是心灵美高于身体美，内在美高于外在美。他们忽视了身心的互动及其统一。其次是对于欲望的误解。人们或者认为欲望是丑恶的，对它限制，主张禁欲主义；或者认为欲望是美好的，对它放纵，主张纵欲主义。但欲望本身只是欲望，无所谓美丑。欲望的问题在于它是否超出了其历史性的边界。因此关键是检查欲望给并予它一个历史性的度。再次是关于身体的技术化。在我们这个技术时代里，除了自然性的身体和文化性的身体，还出现了技术化的身体。人们不仅能够美容和美体，塑造“人造美人”，而且能够改变性别，重分男女。技术化在介入身体的生产的同时，也介入了身体的消费。借助于技术满足人的身体最自然的欲望在现代已是公开的秘密了。 鉴于时代的这种状况，关于身体的美育问题成为了一个越来越重要的问题。其核心是关于身体的审美塑造。实际上，人们早就在从事身体美育的工作。如关于被感觉的身体的美育有体育和健美；关于感觉的身体的美育就更为多样，对外在感觉的训练有绘画和音乐，对内在感觉的训练有静坐和瑜珈；关于活动的身体的美育有各种礼仪等。这种种美育类型的目标就是促使人的身体的自然性和文化性的同步生长。 当然，身体美学并不试图提出某种具体的美育理想。它的根本问题只是对于身体的审美现象的批判，由此思考身体的美学意义。从无原则批判出发的身体美学无非主张身体的自由和解放，同时主张感觉的自由和解放。审美化的身体既不是禁欲主义的囚徒，也不是纵欲主义的奴隶，而是欲望、技术和智慧三种话语的游戏之所。在这样的意义上，身体美学必须思考什么是我们这个时代的欲望、技术和智慧以及它们所构成的关系。 将身体当作众多审美客体之一并非新鲜的主张，这种意义上的身体美学的兴起并不意味着真正的美学革命。身体美学首要地指以身体为主体的美学，这种意义上的身体美学不是美学的一个学科，而是所有回到了其根基的美学本身。它的诞生意味着美学在漫长的迷途之后终于回归了身体之根。以身体为主体的美学迟至19世纪下半叶才由德国哲学家尼采提出来，并且在20世纪仍未在西方美学中占据主流地位，其中的原因是复杂的。

构建世界美学的契机———“美学与文化：东方与西方”国际学术研讨会综述 由中华美学学会与北京第二外国语学院合作主办的“美学与文化：东方与西方”国际学术研讨会，近日在北京举行。来自英、美、德、意、日、韩、加、印度、荷兰、芬兰、希腊、土耳其、斯洛文尼亚、澳大利亚和中国（包括台湾和香港）的近百名美学家参加会议。中华美学学会会长汝信、国际美学学会主席佐佐木健一及意大利美学学会主席马齐雅诺等亲莅此会，参与讨论。会议期间，与会代表对许多重要话题所展开讨论。其中几点，备受中外学者的关注。 东西方美学的比较。美国学者理查德·舒斯特曼认为：实用主义美学的基本特点在于通过“生活艺术”和“身体美学”（somaesthetics）等概念，坚持艺术对于改善人类生活所起的积极作用。艺术可以陶冶人的性情，强健人的体魄，提高整个群体的生活质量。因此，从伦理学和政治学的角度来看，美学与美育具有十分重要的意义。这些思想与中国传统儒家的诗教与乐教思想具有内在的联系，是一个需要根据跨文化视界进行深入探讨的领域。德国学者沃尔夫冈·韦尔施发现，近200年来的现代西方思想和艺术表现手法，具有一种强烈的人类中心主义特征，自然界的其他生灵与物种只是人类的陪衬而已。与此相反，亚洲的艺术则常常表现出一种非人类中心主义的态势，隐含一种由所有生物组成一个共同体的意识。这种东方式的独特意识，会启发人们产生新的智慧，打造一种能够克服人类中心主义的哲学。国外学者大卫·布鲁贝克在阐述梅洛－庞蒂与东亚美学的关系时，特别指出梅氏美学思想与老子哲学的相通之处。来自加拿大的印度裔教授雷维德拉·辛格在谈到叔本华哲学的生成因素时，探讨了叔氏与印度美学的关系。中国学者朱立元认为，当代西方的一些哲学家表现出一种超越主客二分的思想，这与传统中国的哲学具有共同之处。反映在艺术哲学或美学领域，也是如此。 在分析东西方美学相通的同时，有些学者也强调指出，中国与西方哲学的相通，并不等于一种观点具有普遍的适用性。中国社会科学院杨义研究员将中国诗歌的基本特性归纳为三种，即生命诗学、文化诗学和感悟诗学，其中对“感悟”的解释和翻译，引起了中外学者的争论。德国特利尔大学卜松山教授在论及中国诗歌的翻译问题时，重点指陈了语言和文化传统的差异与不可译性的互动关系。汉城国立大学的金明焕教授，用韩国面具舞剧作为一个文化上自我确证的实例，彰显了韩国美学的民族特色，但其内在意味的可传达性或可沟通性，则会超越文化的边界。可以说，中外美学虽在不同的文化语境中创生，但相互之间的影响与启发关系是客观存在的事实，尽管这并不构成一种一般与特殊或其他形态的主次关系。因此，当代美学家一方面需要坚持开放式的治学态度，深入了解和研究国外的美学，同时也应摒弃封闭式的态度，避免简单复归到古代或本土旧模式中去的惰性循环做法，要设法通过学通中外式的不懈努力，创设一种“和而不同”的、真正符合本民族和本文化特性的美学。 东方传统美学的当代意义。北京大学的叶朗教授介绍了近年来中国美学史研究方面的发展与主要成果，他在回答听众的问题时，阐述了中国美学在人生、教育、艺术创作、比较美学研究等方面的现代意义。来自香港的文洁华博士，着重探讨了儒家思想中有关人体表现的论述。来自山东大学的周来祥教授与国内的一批中青年学者，主要对中国古典美学中的和谐、人伦关系、自由精神、思维特征与主体间性等学说，进行了深入而具体的理论阐述和文本分析。美国学者杰克·斯佩克特用详尽而有说服力的例证和图片资料，形象地描述和展示了中国书法对20世纪早期的法国与英国现代主义诗歌和绘画的影响。另外，部分中外学者在讨论自然和生态美学与东方美学的关系时，特别强调了该课题在后现代语境中的理论意义及其在经济建设发展中的现实意义。 当代艺术的处境。在当代西方美学与艺术理论界，艺术终结论是热点话题之一。过去，黑格尔认为，随着理念的发展，艺术会被哲学所取代。马克思认为，资本主义的发展与艺术生产的某些部门相对立，因此会影响艺术本身。如今，艺术终结的命题，依然让人颇感困惑。阿瑟·丹托关于艺术终结的著作最近被译成了中文，引起了普遍的关注。上届国际美学学会主席艾尔雅维奇与该会现任秘书长柯提斯·卡特的文章，都涉及到这个问题。今天，艺术的存在方式发生了巨变，艺术在社会生活中的意义与已往不同，古典式的艺术观念也就显得陈旧而过时。有关艺术终结的种种论点，在一定程度上正好表明了这方面的疑虑。但这决不等于说我们将迎来一个没有艺术的时代。类似《艺术死了，艺术万岁》这样的论题，很能表达人们对艺术终结论的某些看法。要知道，“生生之谓易”，乃是世间万物变化衍生的永恒规律。一种艺术存在形式的消亡，并不等于艺术作为整体的消亡。实际上，这会引发新的艺术形式或新的艺术变异。可以说，只要人存在，其思想与情感的园地里，定会绽放出不同形式的艺术之花。 也许是基于上述理念，一些学者就当代艺术的困境表达了另外一种批判现实的古典式理想主义看法。譬如，中国台湾美学家史作柽认为，从古至今，艺术表现方式演化经历了3种形态：最早是声音的表现方式，其次是图像的表现方式，现今为文字的表现方式。这里所谓的“声音”、“图像”和“文字”，不仅表示不同的媒质，而且象征不同的审美方式。声音以聆听为主，图像以观看为主，文字以阅读为主。现代艺术的根本症结，一方面在于客观流行的“文网语阱”及其概念或文字游戏（如概念艺术），另一方面在于“话在说我”的主体审美敏感性的失落。所谓的艺术批评或艺术欣赏，大多缺乏更为直接的、专注的、深刻的或入乎其内的体验与个人的全身心感悟。因此，要设法超越文字的局限与束缚，设法静下心来，返回到人的本真状态，重启聆听的审美悟性，以此来促进艺术的新生。 举办本次国际美学研讨会的目的之一，是凭借学术交流的平台，向国际美学界介绍现代中国美学的发展历程。会前，中华美学会秘书长滕守尧委托高建平和王柯平两人，专门组织和编选了一个英文小册子，介绍现代中国美学与中华美学学会的发展情况。会议期间，又专门组织了现代中国美学圆桌，请国内学者分别介绍了王国维、朱光潜、宗白华、蔡仪和李泽厚等诸位名家的美学思想。来自欧美的一些学者，由于语言的障碍和翻译文本的欠缺，对中国学者的研究成果还比较陌生。但是，他们普遍认为，此番学术对话的确是一个受益匪浅的良好开端，并且殷切希望能加强彼此间的交流，能看到优秀的中国美学论著译本。

要打造世界美学机会 ---美学与文化：东方与西方“国际学术研讨会综述中国人的审美与北京第二外国语学院”美学学会共同主办的与文化：东方与西方“国际研讨会近日在北京举行，来自英国，美国，德国，意大利，日本，韩国，加拿大，印度，荷兰，芬兰，希腊，土耳其，斯洛文尼亚，澳大利亚，中国（包括台湾和香港），出席本次会议的近百名美学家汝信，中国美学，国际美学学会会长健一佐佐木和意大利美学学会主协会主席席马齐雅诺亲手将参加讨论。会议期间，代表们讨论了许多重要的课题。有几个人，多的中国和外国学者的关注。东方和西方美学的比较。美国学者理查德·舒斯特曼：“实用主义美学的基本特点“艺术的生活”和“身体美学”（somaesthetics）概念等作为，坚持了积极的作用，为改善人类生活的艺术发挥。艺术可以塑造一个人的气质，强健的体魄，提高的品质生活的整个组，因此，从点的道德观和政治，美学和审美教育具有非常重要的意义。这些思想和中国传统的儒家思想，通过诗歌和音乐教育有着内在的联系在该领域的深度在十字架上的文化视野。德国学者沃尔夫冈·韦尔施，近200年的现代西方思想和艺术表现力，强大的人类中心主义的特点，其他生物和物种的性质只是人的陪衬。相比之下，亚洲艺术往往表现出非人类中心主义的趋势，隐含了社区的所有生物的意识。这种独特的东方意识，激发人们产生新的智慧，创造一种克服人类中心主义的哲学。大卫·布鲁贝克，国外学者在描述之间的关系，梅洛 - 庞蒂和东亚美学，特别指出了美的审美思想和老子的相似性。教授的印度原产地加拿大利维DE LA辛格叔本华因素的产生讨论的叔 - “小号关系与印度美学。中国学者朱梨园，一些哲学家当代西方思潮，表现出一种超然的主客二分与中国传统哲学有共通之处体现在该领域的艺术或审美的理念，也是如此。同时连接东方和西方美学分析时间的推移，一些学者也强调，中国哲学和西方哲学的相似性，并不意味着视图具有普遍适用性。中国社会科学研究院研究员杨怡总结了中国诗歌的基本特征，分为三个，即生命诗学文化诗学和感悟诗学的，口译和笔译的“感知”，引起了中国和外国学者辩论。德国特里尔大学教授泊松山，讨论中国诗歌翻译，重点指陈的差异不可译性互动之间的语言和文化传统。首尔国立大学教授金名唤韩国面具舞蹈剧，作为一种文化的自我确认的一个实例，突出民族特色的朝鲜美学，但可以传达意义或交际，它会超越文化的界限，可以说，外国美学在不同的文化背景下创造，而是客观事实之间的关系的影响和启发，虽然这并不构成一般和特殊的或其他形式的主次关系。当代美学家，因此需要坚持以开放的态度研究，在深入了解和学习国外的美学也应该放弃封闭的态度，避免简单的回归古代的还是本地的惰性循环的做法，尝试通过不懈的努力，中国和外国学通“和而不同”的旧模式，创造一个真正的审美国家利益和文化特色。东方传统美学的当代意义。北京大学教授叶朗的发展和中国美学史研究的主要结果近几年，并回答了听众的提问，他阐述了中国美学的现代意义上的生活，教育，艺术创作，比较美学研究。香港洁华博士集中在关于人的表现的儒家话语。来自山东大学，莱舟翔教授，国内一批年轻学者，中国古典美学，和谐，人与人之间的关系，自由精神的理论，思维主体间性等特性，深入，具体的理论阐述和文本分析。美国学者杰克斯佩克特详细和有说服力的实例和图片的描述和说明了中国传统书法的20世纪，法国和英国早期现代主义诗歌和绘画。此外，一些中国和外国的学者在讨论的自然和生态美学之间的关系东方美学，特别强调在经济建设和发展的主题，在后现代语境的理论意义和现实意义。情况的当代艺术。艺术终结是在当今的热门话题之一过去，西方美学和艺术理论家。黑格尔认为，发展的理念，艺术哲学所取代。马克思认为，资本主义的发展，而不是在某些行业最先进的生产，会影响到艺术本身。今天，命题的艺术，人们仍然很困惑。阿瑟·丹托的艺术终结的著作最近被翻译成中文，引起了广泛的关注。最后，国际美感社会的主要席艾尔雅维奇的现任秘书长柯蒂斯·卡特的文章都涉及到这个问题。今天，存在的艺术，不同的艺术的巨大变化，过去在社会生活中的意义，经典的艺术概念，它显得陈旧过时。对于所有的参数的艺术，在一定程度上，只是在这方面的疑虑。但是，这并不意味着我们将迎来一个时代的艺术。这个话题，“艺术是的，艺术的非凡艺术终结表达一些看法。要知道，“生命和生活的所谓容易，但事情在世界上的变化来自永恒的规律。存在的一种艺术形式的消亡，并不意味着消亡的艺术作为一个整体。 ，这将导致一种新形式的艺术或艺术的变化，可以说，只要人存在，他们的思想和情感专栏将绽放不同形式的艺术之花。可能是基于以上概念，当代艺术表达的困境，一些学者对古典理想主义的观点的另一个重要的现实。例如，历史上中国台湾美学家红柳，古代的演变经历了三种形式的艺术表现：第一个声音表现，随后的形象，今天的表现的文字表现。所谓的“声音”，“图片”，“文本”，不仅是一个不同的介质，但也象征不同的审美。声音听主图像，查看文本阅读。现代艺术的根本症结，一方面，是流行的文字网络语言的目标，它的概念或文字游戏（如概念艺术），另一方面是“然后说：“主要的美感丢失。所谓的艺术批评和艺术欣赏，大多缺乏更为直接，突出重点，深，或进入心脏和灵魂，其经验与个人的见解。超越的局限性文本约束尝试，试图阻止和返回的人的真实状态，并重新启动监听审美感知，以促进艺术的新生儿。举行的国际美学研讨会的目的之一会议召开前，中国和美国学会秘书长滕收陶学术交流平台，介绍美国国际发展的现代中国美学的学术课程。委托高建平，王柯平两个专门机构和编制的英语小册子中国现代美学发展的现代中国美学和中国美学学会会议期间，专门组织圆桌会议，国内学者王国维，朱光潜，宗白华，蔡仪，李泽厚你著名的美学思想。有学者从欧洲和美国，由于语言障碍和缺乏翻译后的文本，中国学者的研究还比较陌生，但是，他们普遍认为，此番学术对话确实是一个良好的开端，一个有益的和真诚地希望加强交流，能够看到优秀的翻译美学。

得不到的永远在骚动。

人物简介　鲍姆嘉通不仅仅是美学学科的创名人，而且也在美学史上提出了一系列值得注意的美学问题。鲍姆嘉通提出建立美学学科并不是出于盲目创新的激情，而是他对莱布尼兹和沃尔夫理性主义哲学以及全人类全部知识体系进行深刻反思的成果，具有理性派美学的认识论意义。鲍姆嘉通的美学思想对当代实践美学的建构也有一定的启示。亚历山大·哥特利市·鲍姆嘉通（AlexanderGottlielBaumgarten,1714—1762），德国启蒙运动时期的哲学家、美学家。历来在美学史上形成共识的看法是他第一个采用“Aesthetica”的术语，提出并建立了美学这一特殊的哲学学科，被誉为“美学之父”。他的主要美学著作是博士学位论文《关于诗的哲学沉思录》（1735）和未完成的巨著《美学》（1750-1758），此外，在《形而上学》（1739）、《‘真理之友"的哲学书信》（1741）和《哲学百科全书纲要》（1769）中，也谈到了美学问题。他的思想对康德、谢林、黑格尔等德国古典唯心主义美学家发生过重大影响。 将美学定位为“感性认识的科学”在十八世纪三、四十年代，德国文学界苏黎世派和莱比锡派的大辩论中，鲍姆嘉通是站在苏黎世派一边的。同时作为莱布尼兹和沃尔夫的信徒，鲍姆嘉通已经不满意理性主义哲学对感性认识的贬低和轻视。追本溯源，莱布尼兹的理性主义承继自笛卡儿，不过是发展了笛卡儿唯心主义的方面。而洛克则发展了笛卡儿哲学的唯物主义方面。洛克否定一切先天的观念，莱布尼兹写了一部《关于知解力的新论文》从理性主义观点对洛克进行批评。他认为审美趣味或鉴赏力就是由所谓“混乱的认识”或“微小的感觉”组成的，因其“混乱”，我们对它就“不能充分说明道理”。究其实质，这其实是一种不可知论。值得注意的是莱布尼兹已经把审美限于感性的活动，和理性活动对立起来。从他关于音乐的一句话来看——“音乐，就它的基础来看，是数学的；就它的出现来看，是直觉的。他已经把审美活动看成一种直觉活动了。而沃尔夫又是莱布尼兹的忠实信徒，其主要成就在于对莱布尼兹的理性主义哲学加以系统化和通俗化。就美学思想来说，他的有关美的定义是把客观事物的完善和它在主观方面所产生的快感效果作为美的两个基本条件：在沃尔夫的哲学体系中，理性认识被看成是高级的，感性认识被看成是低级的。哲学往往被归结为研究高级的理性认识的逻辑学，感性认识被排斥在哲学研究之外。到了鲍姆嘉通，他已经不满意理性主义哲学对感性认识的贬低和轻视。他认为以往的以往的人类知识体系有个重大的缺陷：即缺乏对于感性认识，主要是审美意识和艺术问题的严肃的哲学沉思。理性认识有逻辑学在研究，意志有伦理学在研究，感性认识还没有一门专门的学科去研究。因此，他提出应当有一门新学科来专门研究感性认识。感性认识可以成为科学研究的对象，它和理性认识一样，也能够通向真理，提供知识。鲍姆嘉通在1735年发表的博士论文《关于诗的哲学沉思录》中就首次提出建立美学的建议，至1750年他特地从希腊文中找出了“埃斯特惕卡”来命名他的研究感性认识的一部专著。至此，美学作为一门西方近代人文科学诞生。当然，鲍姆嘉通的意义不仅在于命名和提出建议，而且为美学学科的建立付出毕生精力1742年开始在大学里讲授“美学”这门新课，在1750年和1758年正式出版《美学》第一卷和第二卷。在《美学》中他实现了学位论文中的建议，驳斥了十种反对设立美学的意见，初步规定了这门科学的对象、内容和任务，确定了它在哲学科学中的地位，使美学成为一门独立的学科。1750年常被看作美学成为正式学科的年代，鲍姆嘉通也由此获得了“美学之父”的称号。在一般的美学史著作中，往往只把鲍姆嘉通看成美学学科的创名人，似乎他并没有提出什么值得注意的美学问题。应该说，这种看法本身是不符合实际的，降低了鲍姆嘉通在美学史上的历史成就。鲍姆嘉通从根本上改变了美学学科有名无实的境况，他提出建立美学学科并不是出于盲目创新的激情，而是他对莱布尼兹和沃尔夫理性主义哲学以及全人类全部知识体系进行深刻反思的成果，同时这也是在此之前西方哲学发展的一个历史成果。 未完成的美学巨著《美学》中的主要美学思想鲍姆嘉通的《美学》原文是以拉丁文写成的，分为“理论美学”和“实践美学”两大部分，中译本只选其“理论美学”的重要章节，但是基本概括了他的主要美学主张。首先，鲍姆嘉通在《美学》第一章里这样界定了美学的对象：美学的对象就是感性认识的完善，这就是美；与此相反的就是感性认识的不完善，这就是丑教导怎样以正确的方式去思维，是作为研究高级认识方式的科学，即作为高级认识论的逻辑学的任务；美，指教导怎样以美的方式去思维，是作为研究低级认识方式的科学，即作为低级认识论的美学的任务。美学是以美的方式去思维的艺术，是美的艺术的理论。这一界定正是针对当时理性至上、排斥感性的情况提出的。作为感性认识的美学，目的是达到感性认识的完善。而完善这一概念，是鲍姆嘉通从沃尔夫那里继承而来，但是在沃尔夫那里，完善只涉及理性认识，与感性认识无关。而在鲍姆嘉通这里，完善既有理性认识的内容，又有感性认识的内容。要达到感性认识的完善，须有三个条件：思想内容的和谐、次序和安排的一致和表达的完美因此，他不像莱布尼兹、沃尔夫那样只在客体上寻找完善，而是要到人的主观认识中寻找美的根源。这种强调认识主体作用的倾向，成为鲍姆嘉通美学中的一种新的重要因素，预示了近代西方美学的新方向。其次，鲍姆嘉通认为，“认识的美”是“以美的方式进行思维的人所取得的成果”，所以主体先天的审美能力（也即以美的方式进行思维的天赋的能力）就显得特别重要。它主要包括：“敏锐的感受力”、“丰富的想象力”、“洞察一切的审视力”、“良好的记忆力”、“创作的天赋”、鉴赏力、预见力、表达力和“天赋的审美气质”等。这些先天的审美能力正是判断对象美丑的主要因素。值得注意的是，这些审美力并不完全是感性认识的范围，有些已经涉及到理性内容。由此可见，鲍姆嘉通并未一味提高感性，而贬低理性，而是试图把感性和理性统一起来。同时，鲍姆嘉通认为：先天的审美能力如不经常训练也会衰竭、消失的。由此，他提出要以“正规的艺术理论”为指导，以伟大的作家作为楷模进行正确的审美训练的理论。再次，在讨论了“审美的丰富性”和“审美的伟大”后，鲍姆嘉通提出了美的思维的第三个特征：审美的真实性。在当时，感性认识是作为一种模糊的、混乱的认识而存在的，很多人把它当作错误的根源加以排斥。而鲍姆嘉通则认为审美经验中同样包含着普遍的真理性，即“审美的真”。这种真实，不是通过理性的逻辑思维所能达到的，而是通过具体的形象感觉形成的。“美学家不直接追求需要用理智才能把握的真。”而是在对具体的感性形象的体验中领悟这种普遍性。从主观感性出发，鲍姆嘉通把真（美）或假（丑）与感性认识的完善与否联系起来，认为“并非所有的假在审美领域内也是假的”。假（丑）的事物如果符合“感性认识的真完善”，就是真（美）的，而真（美）的事物如果不符合这一标准，就是假（丑）的。真或假在这里似乎与事物本身的性质无关，而只关系到感性认知的方式。甚至，有些假例如文艺作品中的虚构，在审美领域里可能比现实生活中的事实更真、更美。审美的真不是流于表面的东西，人们不能一眼就看出它的内涵。它不是那种用条理清晰的语言表达出来的和用理性去掌握的一般的原理与规则，而是由“理性类似物”即感性感知的一种不太明确的东西。再次，鲍姆嘉通认为科学和艺术都追求真，但两者追求真的方式却是不一样的。科学的求真要求用完善的理性，通过个别事物具体的、生动的、表象的舍弃，抽象出具有高度概括力的一般概念；而审美的求真则正好和前者相反，它是运用“低级的感性认识”，尽量把握事物的完善，“在这个过程中尽可能地少让质料的完善蒙受损失，并在为了达到有趣味的表现而加以琢磨的过程中，尽可能少地磨掉真所具有的质料的完善”。审美的求真不同于科学家和哲学家们在逻辑方面的努力，也不同于历史学家严格地考证，还同人们的理性预见有关。 作为理性派美学的鲍姆嘉通美学的认识论意义理性派美学使其美学范畴趋于普遍化、概念化、理性化。理性派美学的主要概念是“和谐”、“完善”、“目的”、“模仿”、“真实”、“清晰”等，理性派强调以理性为依据、以概念为手段达于关于美的最实在的绝对知识和无须置疑的绝对真理体系，当然就对那些富于变化性、非绝对性和不稳定性的概念如“想象”、“情感”、“趣味”等没有兴趣。在他们看来，美应该精确、明晰、完善、真实，充满理性的光辉和典雅的格调，而一切模糊不清的东西、一切不可理解的东西都是不美的、不完善的。他们强调共性和类型，主张和谐与对称。作为十八世纪德国理性派美学的代表人物之一的鲍姆嘉通认为，意味着整体对部分的逻辑关系即多样性的统一的“完善”是美的最高的理性尺度，“美学的目的是感性认识本身的完善”，“感性认识的美和审美对象本身的雅致构成了复合的完善，而且是普遍有效的完善”。鲍姆嘉通主张用数学明晰性程度来衡量艺术诗意的多寡。他说：“在广延上明晰的表象通过感性途径所呈现的东西比在这方面不清晰的表象所呈现的东西要多，因此，更有助于诗的完善。正因为如此，广延度上比较清晰的表象更具有诗意……诗中呈现确定的事物越多，就越具有诗意”。毋庸讳言，在近代，美感的冲击力实在太大，理性派美学只好步步退守，这在鲍姆嘉通那里最明显地体现出来。他说，“如果情感被忽视，或者它完全遭到损毁……那么就到处都会充斥着情感的匮乏，这种匮乏会败坏一切能被想成美的东西”，“能激起最强烈的情感的就是最有诗意的”。鲍姆嘉通把客观主义依然浓烈的“美是感官认识到的完善”这个莱布尼茨—沃尔夫派的命题修定为“美是感性认识本身的完善”，从而赋予了美学更多的人本主义内涵。卡西尔认为，鲍姆嘉通“是最先克服了‘感觉论"和‘唯理论"之间的对立，并对‘理性"和‘感受性"作出新的富有成效的综合的思想家之一”，但他并不是要为人类的全部认识寻求最终的自明性根基，而只是要为感性直观保留一些地盘。所以卡西尔说：“鲍姆嘉通美学的目的就是要给心灵的低级能力以合法地位，而不是要压制和消灭它们”。因此，虽然他是最先把感觉论引入理性论从而在理性派美学内部造成动乱的重要美学家，但他并没走出理性主义和科学主义的门槛。从根本上看，在鲍姆嘉通那里，审美只不过是逻辑认识的一个低级形式，是“类似理性”或“理性的畸形变体”。鲍桑葵断言，鲍姆嘉通“总体上倾向于认为美的中心特点是认识而不是快感”。 鲍姆嘉通美学的当代意义初探强调审美的实践特性而不是解释或认识特性，是当代西方美学中的一股潮流。当我们在依据某种现代西方美学理论来改造实践美学的时候，也应该关注西方美学这种最新的变化。当然，这里并不是以追求西方最新的思想为最高目标和最大光荣，也不是在有意无意地抹杀当代西方美学中的实践与马克思哲学中的实践之间的区别。我们认为不是争论实践美学，而是要进行美学实践。当代美国美学家殊斯特曼尤其强调美学的实践特征。认为美学的实践意义至少可以体现为这样两个方面：作为一种艺术哲学，它不仅是对已经存在的艺术现象的总结，而且是对未来发生的艺术现象的理论规范；作为一种感性学，它不仅要求有关方面的理论知识，而且要求有关感性的训练，尤其是身体方面的训练，从而有所谓的“身体美学”。殊斯特曼尤其强调身体训练应该是美学中的一项重要内容。

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《身体意识与身体美学》（[美]理查德u2022舒斯特曼）电子书网盘下载免费在线阅读资源链接：链接：https://pan.baidu.com/s/1qsUvb2xoTyyHDxRnoYR90g 提取码：f205书名：身体意识与身体美学作者：[美]理查德u2022舒斯特曼译者：程相占豆瓣评分：7.3出版社：商务印书馆出版年份：2011-7页数：324内容简介：作者认为身体化是人类生活的普遍特征，身体意识也是如此。身体意识不仅是心灵对于作为对象的身体的意识，而且也包括“身体化的意识”：活生生的身体直接与世界接触、在世界之内体验它。通过这种意识，身体能够将它自身同时体验为主体和客体。身体美学课题的部分目标是探索锤炼或提高身体意识水平的原因和方法，目的是为了更好地使用自身，更好地促进哲学完成其传统目标，诸如获得知识，认识自我，追求德性、幸福和正义。身体意识的这些问题构成了本书的核心内容。作者简介：理查德u2022舒斯特曼为美国亚特兰大大学教授，国际知名哲学家、身体美学的开拓者。

应该进行合理的教育，而且也应该多学一下相关的内容，因为这样能够对孩子的大脑发育也有着更多的帮助。

在《行为的结构》一书中，梅洛-庞蒂（MauriceMerleau-Ponty）提到过一个悖论：“一方面，意识是身体的功能——因而是依赖外部事件的‘内部"事件；另一方面，这些外部事件只有通过意识才能被认识。” [1]这是一种意味深长的表述：身体很可能是精神活动的承担者，但它又似乎总是存在于意识的对面，只能显现自己的客体性。落实到审美活动中，身体也好像是观照-鉴赏的对象。然而，存在独立于身体的主体吗？如果“意识是身体的功能”，那么，被意识到的身体就是意识着的身体。撇开这个待证明的假说不谈，我们也可以证明身体的主体性：即便存在灵魂，部分感觉也必须属于身体——没有眼睛、鼻子、舌头、耳朵、手，就没有视觉、嗅觉、味觉、听觉、触觉；作为身体的构成，这些器官的主动性揭示了身体的意义。身体不是客体世界中的一个普通成员。它知觉而又被知觉，同时是主体和客体：“不解之谜源于此，我的身体同时是能见和所见。那注视着一切者也能注视自己，并在它所见之中认出它能见能力的‘另一边"。” [2] 身体可以注视自己的注视，在触摸时自我触摸，对自己可见可感。它是感觉着的被感觉者。至少在知觉层面，身体是活动的主体，是被置于一些事物中心的自我。就此而言，我们必须将“身体领受为一个主体-客体”。 [3]知觉属于整体性的身体体系。它的主体性是意义深远的重要线索。于是，巨大的逻辑诱惑出现于理论的地平线上：倘若身体还能承担“高级的”活动，那么，其主体性岂不超越知觉层面？这并非得寸进尺，而是收复失地：如果原本属于身体的东西被“剥夺”，那么，就应该将它们物归原主。人是会思想的动物，但也因此会犯很多错误。譬如，我们发明的许多概念并无真实的所指（如以太），真实的存在却会因它们被遮蔽。在专著《审美意识形态》（The Ideology of the Aesthetics）中，英国学者伊格尔顿（Terry Egaleton）曾经如此追问：“倘若理性的观念从身体中产生而非身体必须与已经在那里的理性联结，如果大胆地回溯并在身体的基础上重建一切——伦理、历史、政治、理性，情形又将如何？” [4]这番话道出了久被遮蔽的关键问题：身体是否能够进行“理性”思维？如果能，我们为何不承认它是“高级”活动的主体？按照伊格尔顿的思路，感性和理性均属于身体，但主流哲学却致力于分裂它的“事业”：其理性活动被剥离，被转让给神秘的灵魂；感性部分虽然未被完全掠夺，但却受到了持续的贬抑和排斥。于是，身体变得不完整。它被肢解和遮蔽。在主流话语体系中，作为整体的身体长期处于缺席状态。被允诺在场的仅仅是其碎片和残骸。从这个角度看，剩下的主要工作是清点理论对身体的“债务”，恢复它被掠夺的力量，标画完整的身体意象。事实上，到了20世纪，自然科学已经能够“从身体出发”解释思维活动：随着生命阶梯向上伸展，脊椎动物的大脑日益发达，可以进行相对复杂的内部操作，这就是“精神活动”的生物学起源。只要大脑复杂到一定程度，身体就可以思考。理性思考尽管“高级”，但同样离不开身体：没有大脑，我们用什么来思考？又何谈理性？是身体使精神经验成为可能，使人领受到欲望和满足、欢乐和苦痛、自豪和悔恨。它不是容器，不是质料，而是人的同义语。没有身体，就没有人。恰如法国现象学家比朗（Maine de Biran）所言，身体就是自我：“自我直接对世界行动。它不通过身体的居间性（intermediary）行动，不需要求助于任何手段去实现其运动。它自己就是身体，就是运动，就是手段。” [5] 自我、身体、运动、手段是同一个事物。它是在内在超越的经验中被给予的整体，它就是个体本身。另一位法国哲学家米歇尔·亨利继承了这个思路，强调：“我们应该用‘我是身体"这种更原初性的表述代替‘我拥有身体"这样的断言”。 [6] 从这样的立场出发，心理学家汤普森（Thompson）力图以非笛卡尔（non-Cartesian）的方式敞开人的秘密：不是预设有意识的心智（主体）和物理性的身体（客体），而是研究身体的两个身份——主动的生命（subjectively lives）和在世的有机体（organism in the world）——之间的辩证关系。 [7]根据他的考察，人自己喜欢将身体当作客体，原因在于注重身体意象（body image）而忽略了身体图式(body schema)：“一个人当然可以将他的身体感受为客体，直接观看或打量其境中之像。但在这种情况下，人在处理意识层面的‘身体意象"，这与无意识的身体图式形成了鲜明的对比。”[8]身体意象向视觉显现。它的生成说明身体已经成为被意识到的意向性客体（intentional object）。与它想成鲜明对照，身体图式则是动力性的感觉运动（sensorimotor）过程，整合感觉和行动，协调人与环境的关系。在它起作用时，身体可以展示自己的主体性。身体并非永远被动地接受审视，相反，活的身体（the lived body）总已经在感觉和行动，不断实现自己的目标，前反射(pre-reflective)地将自己经验为主体(body-as-subject)。依据这个逻辑，汤普森建议以身-身（body-body）问题取代身心(mind-body)问题。 [9]在如此说话时，他已经大体上敞开了“归还”的逻辑。随着“归还”的进程日渐深入，“债权”问题也逐渐浮出海面：属于身体的东西之所以会被“掠夺”，是因为人们假定世界上还存在更“高级”的主体。这就是灵魂。根据初人的想象，灵魂本来就是在人体内起推动作用的生命力，肉身消亡之后便“在空中游荡”。 [10] 如果把身体比作房屋、汽车、轮船，那么，灵魂就是住户、驾驶员、舵手：“魂魄在身，如室之有人。” [11]在这种语境中，身体显现为被动之物。它在本质上是惰性的存在，需要被驱动、引导、赋予意义。无人的房屋不过是了无生趣的空间。生趣来自居住者。对于身体来说，居住者就是灵魂。灵魂虽小，但却意味着活力。只有当灵魂进入身体时，它才具有活泼泼的生命。灵魂在，生命就延续。当灵魂飞走或消散时，身体就会立刻空心化，进入睡眠和死亡状态。犹如没有内容的空壳，它并非自己命运的主导者。倘若没有灵魂再次选中它，它就将永远沉没于虚无之中。与它相比，灵魂无疑地位更高。后者是人中的人，保证着个体的同一性。从远古时代起，“小人假设”就开始占据主导地位：“一个动物活着并且行动，是因为他(它)身体里面有一个小小的动物使得他（它）行动，如果人活着并且行动，也是因为人体里面有一个小人或小动物使得他行动。” [12] 这个动物体内的小动物，人体内的小人，就是灵魂。当灵魂存在于身体中，动物或人就拥有生命。如果灵魂离开了身体，人就处于睡眠和死亡状态。这就是最原始的灵魂观。根据弗雷泽（James G. Frazer）等人类学家的研究，原始部族的成员们敬畏这个神圣的小人。在后者看来，“我”有两个：一裸于外，一居于内；裸于外者虽然体积上占优，但金山后者的临时性住所：“在大的身躯死亡时，小的身体就飞走了。” [13] “小人”在身体中进进出出，身体则因此被抛入生和死的轮回之中。在这个过程中，被利用的身体并非关键角色。作为暂时的承载者，它不过是一座注定被遗弃的客舍。“我”归根结底是灵魂。灵魂即使丧失了原有的身体，也可以“借尸还魂”。只要灵魂还在，人就不会真正死去。身体和身体的交往不过是外部交往。真正的相互作用必然穿透躯体，触及更本质性的存在。它是灵魂与灵魂的对话，是内在性与内在性的相互渗透：在狩猎中打死熊时，猎人把长烟袋锅塞进它的嘴里，并从烟袋嘴吹气，以便让烟充满熊的嘴和喉咙，他们向熊的魂灵念咒，恳求它不要因为它的身死而对他怀恨在心，并且不要妨碍他今后的每次打猎。[14]当债权人和欠债者都是灵魂，身体便不过是个筹码。它是灵魂的财产，是精神主体谈判是资本。在身体死去之后，灵魂依然存活于世，照样可以听见声音，接受赠礼和赔偿。虽然初人眼中的灵魂也有胖有瘦、有高有矮、有重有轻，还不是纯粹的精神性存在，但贬抑身体的逻辑已经潜伏于其中：其一，既然灵魂能在身体中飞进飞出，那么，它显然比身体轻盈；其二，作为自我的标志，灵魂比身体更容易保持同一性，也更长久；其三，当灵魂在身体中时，人可以从事复杂的活动，这说明它具有管理、计划、统治的能力。如果继续强化对这种差别的想象和演绎，那么，灵魂就必然日益去物质化。这不是纯然的逻辑可能性，而是曾经展现并的世界性趋势。最终，精神性的灵魂被等同于人，肉身则是我们和动物都拥有的东西。前者给人以生命，后者则不过是被激活的对象：“人身如傀儡风筝等死物也，气如线索也。神运气而一身活泼，能动能静，如人用线索牵提风筝也。神运气，其运身，所以能行能止，能言能语。” [15] 于是，“小人假设”穿过了原始时代，进入后来的文明体系中，支配着一代又一代个体。在古代中国，人们常常以躯壳一词指代身体，视之为灵魂的暂时居所：“如今躯壳虽在泾河，精灵实归柳氏 。”（李渔《蜃中楼·传书》）与此类似，日语中的身体由“から”和“だ”组成，而“から”意为“壳”。 [16] 显然，有关“壳”的言说牵连出共同的信仰：当外在的躯壳消失了，但“内在的人”仍将继续生存下去。从古希腊开始，西方人给出的主要答案是：灵魂就是知行合一的自我(ego,self)，是经验的组织者。 [17] 作为雅典最重要的美学家，柏拉图曾这样阐释古希腊的主流灵魂观念：“如果我把此刻涌现在心中的想法说出来，那么我会想那些最先使用ψυχu03ae这个词的人想要说的意思是，灵魂在肉体的时候是生命之源，提供了呼吸和再生的力量，如果这种力量失败了，那么肉体就会衰亡，如果我没弄错的话，他们把这种力量称作灵魂。”（《克拉底鲁篇》399E-400A） [18] 这种表述几乎逐字逐句地重复了原始的灵魂观。当然，他眼中的灵魂已经不再是缩微的身体，而是具有管理、统治、计划能力的精神主体：“灵魂的工作是你不能用世上其他任何东西来完成的，比如管理、统治、计划等等，对吗？除了灵魂，你还能把这些工作指定给其他事物，称之为这些事物的专门工作吗？”（《国家篇》353D）。（《柏拉图全集》，第二卷,第311页。）在《伊庇诺米篇》(Epinomis)中，柏拉图清晰地提出了身心二分法：“有两类存在，一类是灵魂，一类是物体，两类存在都有无穷多个，相互之间各不相同，两类存在之间也各不相同，没有共同的中介，灵魂比物体优秀。当然了，我们认为第一类存在是理智的，第二类存在是不理智的；第一类存在是主人，第二类存在是仆人；第一类存在是普遍的原因，第二类存在不能作为任何事物的原因。（《伊庇诺米篇》983D）”[19] 面对这个近乎全能的精神主体，肉身至多只能起辅助作用。在希腊文中，身体写作σu03ceμα，意为灵魂的容纳者。容纳者为所容纳的东西存在。对身体来说，它容纳的东西远比它重要。这就是灵魂——主动、不可分、代表人本质的实体。后者虽然“藏于内”，但总是起支配作用。相对于灵魂，身体被动而卑微。它即便有资格与灵魂联合，也似乎注定是永远的配角。作为二元论者，亚里士多德就展示了以灵魂为主体的身心观：虽然人是“身魂综体”（the union of body and soul），但“躯体之运动实有赖灵魂为之做主” [20] 。具体来说，就是：“生物的灵魂是凭两种功能为之界说的，（甲）审辨机制，承担思想（理知）和感觉的联合功能，以及（乙）在空间运动的机制。” [21] 留给身体的功能实际上只剩下两个：外部感觉，按照心灵的指令行动。除此之外，它不能有别的作为。由此形成了一种新的二分法：心灵——思想；身体——感觉。这实际上排除了下面的可能性：身体也能进行精神活动，承担完整的生命功能。一旦涉及思想等“高级”活动，联合论者心目中的主体就只剩下灵魂。显然，这种假定暗含着分裂身心的原初立场：如果身体只能感觉而不能思想，心灵可以思想却无法感觉，那么，它们就应该是两种完全不同的实体，当然可以分离。对此，亚里士多德进行过精准的分析：“如果某些功能或感受专属于灵魂，那么，它就可以离开身体，但倘若无此专属功能，则它不能与身体分开。” [22] 然而，身心是究竟否可以分离呢？他本人的答案前后矛盾：一方面，强调灵魂的“所有感觉都结合于身体”，二者是同一个存在的两个方面（潜能-现实）；另一方面，他又认为存在纯形式(pure form)、第一推动者、唯一神（God），假定绝对精神主体不需要质料。在阐释前一个主张时，他主要聚焦于感受层面：“但就灵魂而言，它的所有感受都结合于身体，如愤怒、平和、恐惧、怜悯、希望乃至快乐、爱、恨。因为在这些事例中，身体都以某种方式受影响。” [23] 结合于身体不等于受制于它。灵魂是生命活动的承担者。譬如，快乐和痛苦都属于灵魂的运动：“快感可以假定为灵魂整体的一种运动，它使灵魂被有意识地恢复到自然状态；快乐的反面是痛苦。” [24] 从逻辑上讲，身体受灵魂影响并不意味着二者不可分。只要存在专属于灵魂的功能，那么，它就完全可以单独存在：“无论是在何种情况下，灵魂的部分都先于动物综合体（animal composite）及其特定部分……身体和身体的构成则后于灵魂所是的实体……。” [25] 既然二者有“先”有“后”，那么，它们必然可以分离：（1）存在不动的第一推动者，不依赖于惰性的质料。（2）第一推动者是最美好的事物，是永恒的自我实现的客体。（3）它既是被向往和思想的对象，又是思想着的精神实体，因此，脱离了质料的思想才是发动世界的力量。 [26]倘若“永恒的、不被推动的（思想）实体”可以与“感性事物”分离，灵魂与身体的联合也就没有必然性可言——亚里士多德所设想的思想实体没有体积、没有部分、不可分，并不一定非得与肉身结对出现。 [27] 具体来讲，他心目中的灵魂分为两部分：其一，智识和沉思功能由高级的灵魂承担，后者可以与身体分离：其二，承担营养、感觉、运动等功能的那部分灵魂则必须与肉体结合。[28] 作为亚里士多德的门徒，托马斯·阿奎那就将生物分为三类：“下面，我们思考肉身性生物（corporeal creatures）和精神性生物(spiritual creatures)的区别：首先，在《圣经》中，纯粹的精神性生物叫做天使；其次，完全肉身性的生物；第三，肉身和精神性的组合物，这就是人。”[29] 按照这种分类，世界上存在三种重要生物：（1）纯粹精神性生物——天使；（2）肉身和精神的结合物——人；（3）纯粹的肉身性生物。虽然人是肉身和精神的结合物，但他并非总是需要肉身。只有当他处于尘世时，他才需要能够感觉和摄入外物的身体。荣升天国后，肉身则已经灵性化为不朽的存在，无法穿透，不能接受外部信息，当然也不再具有感觉功能，因此，灵魂与之结合的实用意义已经丧失。在这种情况下，它之所以仍带着身体这个老伙伴，仅仅是因为“（与身体）分离的灵魂显然不那么完美。” [30] 也就是说，恰如天使没有身体一样，人的灵魂也完全可以脱离身体而独自生存。正因为意识到了这个逻辑，经过六番深思的笛卡尔才最终断定身心完全有别：“尽管我或许拥有一个身体并与它紧密地结合在一起，但我同时也有一个清晰而且分明的观念，即，我仅仅是一个思维而无广延的东西，肉体则只是有广延的东西而无法思维，所以，可以肯定的是：这个我（也就是说灵魂，也就是我之所以为我的东西），全然而绝对地与身体有别，可以没有肉体而存在。” [31] 既然“这个我”可以完全离开肉体，那么，人归根结底就是灵魂，肉体不过是可有可无的附属物。没有了灵魂，我将立刻消亡，但身体之死仅仅意味着前者暂时失去了住所。恰如吉波斯（Raymond W. Gibbs）所说，这种观点的实质是：“我们将身体看作物质实体，将自我和思想当作超凡（ethereal）的存在，认为前者以神秘的方式穿透身体。” [32] 涉及推理等高级功能时，论述者总是将身体悬搁起来。最终剩下的是心，是精神实体，是思想。到了笛卡尔这里，身心分离的逻辑已经彻底敞开。从表面上看，这似乎无懈可击：既然灵魂可以担当身体欠缺的功能，它就最终不需要这个低级之物。相比于可朽的身体，想象中的灵魂更适合代表人格的同一性：作为非物质性的“我”，它具备有意识的经验，掌控激情、欲望、行动，维持从出生（或之前）到死亡（或以后）的完美同一性。

题主是否想询问“身体美学的倡导者是当代著名美学家谁”？舒斯特曼。身体美学不仅从理论资源上为审美教育提供了有益的开拓，而且随着越来越多的身体美学逐渐向实用性倾斜。身体没血的倡导者是当代著名美学家舒斯特曼，这个名字已经成为“身体美学”的象征符号。

本文分析了哲学史关于身体的不同理论，强调任何一个现实给予的身体都是话语建构的身体。这些话语就是欲望、技术和智慧的游戏活动。同时它还探讨了美学对于身体的思考，指出古典美学遗忘了身体，现代和后现代美学突出了身体。在此基础上，本文试图提出身体美学的基本问题，即在历史中的自然和文化的相互生成。最后身体美学的任务是身体与感觉的解放。 1．关于身体的谈论不仅是人们最一般的日常话语之一，而且也是当前最重要的文化现象之一。为什么要谈论身体？人们日常性的谈论比较简单，它主要相关于身体的疾病、健康和快乐等；人们文化性的谈论则比较复杂，它不仅批评历史上身体的缺席，而且追求现实中身体的解放。这在身体写作（包括文学、美术和哲学等）中已成为了一个口号。如此种种关于身体的谈论意味着什么？它表明身体是一个问题，而且是相关于每一个人的问题。但它究竟是一个什么样的问题？ 毫无疑问，个体在时空中的存在就是身体。它似乎是直接、简单的且不证自明的。但事实上身体在我们的语言中却缺少一个同一的意义，而具有多重的边界。与动物的躯体相对，它是人体；与死去的尸体相对，它是活体；与精神相对，它是肉体，如是等等。同时不能确定的是：身体是自然遗传基因所给予的，还是历史话语所建构的？这都给关于身体的谈论带来各种困难。 在谈论身体的时候，我们其实已经被卷入问题之中了。“谈论身体”这一现象至少包括了两个要素：谈论和身体。谈论是思想和语言行为，身体是所思考和所言说的。这就在哲学上形成了所谓的身心关系，亦即身体和思想的关系。身体和思想不是如二元论那样所设想的是分离的，前者是广延性的，后者是思维性的。但也不能简单地统一到物质或者精神那里去，如同传统的唯物主义和唯心主义所做的那样。思想和身体关系的复杂性表现为：对身体来说，思想不是身体自身，但思想是既内在又超越的。思想是内在于身体的。这是因为思维是人的大脑的机能。一块石头不思维，一棵树不思维，一个动物也不能在理性的意义上思维，惟有人思维。因此人是思维的动物和理性的动物。但思想也是超越于身体的。这是因为身体的界限并不是思想的界限。思想不仅思考身体及其相关物，而且思考身外之物，甚至思考天下万物。 “谈论身体” 的完整表达式应为：“人谈论身体”。这还可以更具体化为：“人谈论他的身体”。在这样一个表达式中，除了谈论和身体两个要素之外，还有一个第三者：人。但人是如何确立的？人在现实的语言关系中总是我、你、他。从语言学上说，作为人称代词的我、你和他只有在相互区分时才获得了自身的意义。因此我始终相关于与我之外的他者的关系。但在人谈论人的身体时，人回到了自身，同时人分裂成言说之人和身体之人。作为言说者，人在谈论人的身体，人和身体都在谈论中显示出来。但这种显示出来的人和身体又是一种什么关系呢？ 一种可能的关系是：人是身体。在这种论断中，人与身体是同一的。一方面，人被身体所规定。人不是身体之外的其它什么东西，如心灵、语言等，而是身体自身。不仅如此，而且心灵和语言也只是附属于身体，是服务于身体的工具。身体就是人的生死爱欲。这要求不要把人理解为没有肉身的漂浮的灵魂和语言的符号，不要追求死亡之后的永垂不朽或者是死而复活，而是回到身体所处的现实世界。另一方面，身体也被人所规定。作为被人所规定的身体，它既不是动物性的，遭到嘲笑和唾弃，也不是神圣性的，受到推崇和膜拜，而是人性的，是合乎人的本性和生活的，因此是得以理解和尊重的。 另一种可能的关系是：人有身体。这种论断设定人拥有很多东西，其中也拥有身体。按照一般的观点，人除了拥有身体之外，还拥有与身体不同的思想和语言。人不仅拥有这些身内之物，而且还拥有一些身外之物，如权利，名声和财产等。这意味着身体不是人的全部，而是人的部分。它只是人的必要条件，而不是充分条件。与身体比较，也许其它部分对于人更为重要，如思想和语言等。由此人可以控制身体，即让身体按照人的思想和语言所设定的目标锻炼和成长。在这样的意义上，人不仅拥有身体，而且可以制造身体。 上述两种关于人和身体的关系的论断支配了人们的相关谈论模式。但在历史上，它们却具有不同的形态。 中国的传统思想对于身体持有独特的观念。它强调身体的整体性，认为“形与神俱”，“形神合一”，同时认为天人同构，身体是一小宇宙，宇宙是一大身体。在此基础上，道家给予身体以自然的规定，身体从属自然并要回归自然。与此不同，儒家给予身体以社会的规定，身体必须合于礼的尺度。正是礼说明了身体哪些是可做的，哪些是不可做的。但中国的思想在思考自然和社会对于身体规定的时候，忽略了身体自身的特性，即它是个体的、差异的、并且是充满无限欲望的。 西方人虽然在其不同的历史时期表达了关于身体的不同观念，但长期以来身体被理性所规定。在存在者整体中，矿物、植物和动物是非理性的存在。上帝是理性的，但不是理性的动物，而是理性的存在。惟有人是理性的动物。人一方面凭借理性区分于动物，另一方面凭借于动物性不同于上帝。作为理性的动物，人是身体和思想的统一体。对此人们当然还可以作更细致的划分：肉体、灵魂和精神，但其中灵魂只是肉体和精神的过度要素。因此人主要被描述为肉体和精神的二元性。肉体是人的动物性，是其欲望和冲动。精神就是人的理性，它作为思想的最高的要素，是原则的能力，建立根据和说明根据。鉴于肉体和精神的差异和对立，肉体是邪恶的和肮脏的，精神是美好的和纯洁的。于是不是肉体规定精神，而是精神规定肉体。由此肉体要被控制，肉体的欲望要被禁止。这是柏拉图主义和基督教思想的基本原则。 随着现代思想对于传统思想的反叛，身体的意义得到了重新的理解和解释。不再是理性，而是存在或生命规定人的身体。在存在和理性的关系上，存在是更本源和更基础的，因此不是理性决定存在，而是存在决定理性。同时在理性和思想的关系上也发生了根本性的变化。理性不能等同于思想，甚至也不是思想的原则，而是思想的一个部分，并且要置身于思想的经验之中。这个规定了理性的存在在不同的思想那里得到了不同的表达。如马克思的存在是“物质生产实践”，尼采的存在是作为生命的保持和上升的“创造力意志”，海德格尔则是“天地人神”的四元世界。在这种种关于存在的规定中，身体都获得了新的内涵。马克思的身体是吃喝性行为，它推进了物质生产和人自身的再生产；尼采的身体是生命力的同义语，并且在与灵魂的关系中颠覆了柏拉图主义和基督教思想的传统，而成为了哲学的中心和思想的原则；海德格尔的身体是在天地人神的世界中形成的，因此它相关于人居住在此大地上的存在方式。这里我们看到一方面存在赋予了身体非常重要的意义，另一方面身体也给予存在独特的形态。存在不再只是抽象的、一般的概念，而是具有肉身性，富有生命力的冲动。 但在后现代思想的眼里，现代思想中的身体仍然没有回到身体自身。虽然身体不再被理性而是被存在所规定，但存在依然是身体之外的一个设定。回到身体自身，就是回到身体直接的肉体性。在这样的意义上，人的身体就是其肉体性，而不是这个肉体性之外的其他什么。作为肉体性的存在，人的身体是其基本本能的冲动和实现。因此人的身体实际上是一个欲望机器，是由欲望而来的不断的生产和消费。基于对于身体的这种设定，身体欲望的生物学基础、生理学的机制和心理学的奥秘得到了前所未有揭示，并获得了哲学的意义。 我们考察了关于身体的种种言谈，身体是自然、社会的，身体的规定者是理性、存在或者欲望，如此等等。但在这种种谈论中，人们对于身体有两种设定：身体或者是现实给予的，如同自然物一样，或者是话语建构的，是历史的作品。从现实出发形成了所谓的基础主义的视角，从话语出发则构成了所谓的反基础主义的视角。当然这两种视角都有其合理性，但任何一个身体都是一个被话语建构的活生生的身体。身体是欲望的、工具的和智慧的三种话语的游戏活动。它不仅是这三种话语游戏之所，而且就是这三种话语自身。 关于身体的欲望的话语是最自然的、日常的和普遍的话语形态。欲望作为潜意识借助符号、隐喻和形象等起作用。在此意义上，它就象一种语言。但拉康认为，潜意识惟有获得语言之后，才开始真正的存在。因此欲望在根本上不是非语言性的，而是语言性的。欲望的话语不是“我”在言说，而是“它”在言说。于是没有主体、没有自我意识、没有理性。欲望的言说就是要或者不要。这在于欲望自身就是匮乏、需要和不足，它总是指向欲望之外的人和物。身体的欲望可谓多矣，但主要是食欲和性欲。这样欲望的话语主要是关于食欲和性欲的言说。当然人的欲望是无边的。这不仅意味着基本的欲望永远得不到满足，而且意味着在此之外还会衍生出其它种种欲望。在我们的时代里，基本欲望依然存在，但一些新的欲望不断产生，如虚拟世界中的种种愿望。欲望最后还会成为只是欲望，即对于欲望的欲望。在这种种欲望话语的言说中，身体将自身显示出来，并指向世界内的其它存在者。 欲望的实现必须通过工具。工具一向被理解为是人所制造的并使用的，且服务于人的目的。从远古的石斧到现代的计算机都是如此。但事实上人自身的身体就是工具，如手和脚的活动，因此工具就是“手段”。同时人说的语言也是工具，是“媒介”。对于身体而言，工具性的话语是关于身体自身成为工具而训练的话语。这主要包括了四肢和五官等的训练，它或者是为了劳作，或者是为了健身和自卫，或者是为了表演而提供消费。 对于身体的建构起着关键性作用的是智慧性的话语。它是身体的大脑和心灵，因此它对于身体的活动具有指引性。智慧作为关于人的规定，不仅是对于存在和虚无、真理和谎言的区分，而且也是对其的选择和决定，让人走在真理之途上。关于人身体的智慧性的话语一方面给人的欲望划界，哪些欲望是可以实现的，哪些欲望是不可以实现的，另一方面给人的手段划界，哪些手段是可以使用的，哪些手段是不可以使用的。历史上形成了种种关于身体的智慧。道家要合于自然，儒家要合于礼制。天主教则要求禁欲，通过节食和独身亲近上帝。但后现代的口号则主张强健和性感的身体，成为可消费物。消费就是享受，让自己享乐，也让他人享乐。 虽然智慧性的话语对于人的身体的建构是规定的，但它必须进入与欲望性的话语和工具性的话语的游戏之中才能发挥作用。因此人的身体的建构是这三种话语的游戏活动。每种话语都是不同的、差异的，具有自身的边界。但每一方都指向它方，并冲击它方，形成了斗争。由于自身力的大小，各方会成为主导者或者被主导者，从而构成不同的话语格局，由此也塑造了智慧性的、欲望性和工具性的身体。但话语力的大小是在游戏中生成的，变化的，因此也是不确定的和偶然性的。 2．不管人们在历史上如何解读身体，也不管人们试图压抑它或者是解放它，它都是一个哲学问题。但身体也是一个美学问题吗？如果美学是哲学的一个分支的话，那么它当然要思考身体现象；如果美学还宣称自身还是感性学的话，那么它更应该突显身体的主题。这在于身体自身是感性的，而且是最感性的。但美学是否真正地思考过身体呢？特别是思考过身体的美呢？ 现在人们一般将美学看成是研究美的科学。对于中国来说，虽然古代汉语里有“美”和“学”的语词，但却没有美学这一语词。这表明对于美的思考尚未进入到一个知识学的系统中去，同时也表明各种学也没有将美作为一个独立的主题纳入其中。汉语的“美学”是产生于现代。它是日本人对于德语的“感性学”的汉语翻译。随着西学东渐，它也逐渐为中国现代学界所接受。作为现代汉语的“美学”一词其基本语义为“美的科学”、“美的学问”、或者是“美的学说”。但“美的科学”绝非是在自然科学或者是技术的意义上使用的，而是意味着“美的知识学”，即关于美的知识的系统表达。 虽然中国古代并没有西方近代意义的独立的美学，但它仍然具有类似的思考。一方面是是关于美的本性的一般哲学沉思。哲学的基本主题是真善美，是感性和理性的关系等。于是任何一种哲学都或多或少地关涉于美与感性的问题。特别是在中国哲学中，关于美与感性的片断似的沉思便成为了中国美学历史的主要依据。这散见于儒家、道家和禅宗的思想性文献中。另一方面是对于各种艺术现象的鉴赏理论，如诗论、文论、画论和乐论等。它们是对于主要的艺术门类的论说。它或者是感悟的，或者是分析的。这些论说在中国美学历史中极为丰富和复杂。它们展示了在语言、视觉和听觉的世界里人和万物的审美关系。 在如此广阔的领域里，身体也会在它与万物的相关性中被提及，但从来没有被主题化过。这在于中国古代对于美的观念的限度。一般认为，汉语“美”的原始语义是“羊大为美”和“羊人为美”。“羊大为美”不仅指羊自身肥大健硕，而且指这种羊给人的味美感觉。美在这里和人身体的感觉特别是味觉建立了关系。味觉是品味，是区分和比较。它不仅是对于对象进行感觉，而且也是对于感觉进行感觉。如果说“羊大为美”偏重于美的生理性和自然性意义的话，那么“羊人为美” 则突显了美的宗教性和社会性意义。它主要指人戴着作为图腾的羊头跳舞，娱人娱神，达到人神相通。在此舞蹈自身所带来的身心快乐是重要的。但如此理解的美不仅要从人那里获得规定，而且要从神那里获得规定。如果我们只是鉴于“羊大为美”和“羊人为美”来解释中国人的美的观念，那么这无疑是片面的。事实上中国人美的观念主要表达在儒家、道家和禅宗的思想之中。儒家认为美在礼乐，道家主张美在自然，禅宗提出美在意境，如此等等。在这种种关于美的规定之中，我们看到它们都不是从身体及其本性出发的。相反如果身体自身要具有审美的特性的话，那么它必须获得这些规定。 与中国古典美学相似，西方的传统美学也遗忘了身体现象。对于美学基本问题的探讨的学科在古希腊是诗学。诗学和哲学的其它学科一样，都是对于人的不同理性区域的研究。亚里斯多德将人类的理性分为三个方面：理论理性、实践理性和诗意理性。理论理性相关于认识，实践理性相关于行为，诗意理性相关于创造。所谓诗学就是关于诗意或者创造理性的科学。其基本内容包括了诗歌的一般本性，它的创作和欣赏等。诗歌在根本上被理解为对于世界的模仿，而模仿本身是人求知的本能，由此它最后被理论理性，亦即被洞见所规定。基于这样的思想，身体问题根本不在诗学的考察之列。 作为感性学的美学在近代才得以建立。美学学科的命名者鲍姆嘉通认为人的心理活动分为知意情三个方面，相对于认识的有逻辑学，相对于意志的有伦理学，而相对于情感或者是感性认识的却没有一门学科。为此他创立了美学，并认为美学的对象是感性认识的完善，亦即美。因此美学不仅是感性认识的科学，而且是作为完善感性认识的系统学科。身体在感性学中是以矛盾的形态出现的。一方面感性的完善包括了身体的完善，另一方面美学必须否定身体，要控制、改善和引导身体。基于这种特性，美学不仅是理论的，而且也是实践的。 自近代以来，美学作为感性学一直关联于人的感性、感官和感觉。感觉有快感和不快感之分，而在快感之内又有肉体的快感和精神的快感之别。美学研究人的精神的快感，它主要是对于美和艺术的感觉。但感性自身除了感觉之外，它还包括了感性对象，亦即可感觉之物。最后感性还表现为感性活动，也就是人的生活世界本身。于是美学作为感性学，作为一门关于美的科学，研究美、美感和艺术，具有非常开阔的视野。因此关于美学的一般理解包括了美的理论、美感的理论和艺术理论等。但在美学中，艺术哲学具有独特的位置，以致人们用它来替代美学。作为对于艺术现象的哲学思考，它主要兴起于德意志唯心主义时期。此时的哲学作为主体性哲学的典型形态，设定了主客体的二元思维模式，并因此成为了世界观和方法论的哲学。艺术被理解为人所创造的感性的精神世界。 不管人们在近代如何理解美学，它都始终置于理性哲学的框架内并被理性所规定。对此我们看到了几种不同的思想体系的设定。康德的批判哲学分为理论理性、实践理性和判断力的批判。其中，包括了美学的判断力批判是其哲学的拱心石，是自然与自由的过渡。美在此被描述为具有普遍性和必然性的无利害的快感。谢林则认为美和艺术是哲学的最高官能。因为艺术是一种理智直观，所以它能达到主客观的同一。与此不同，黑格尔主张美和艺术是绝对理念的感性显现。与作为表象的宗教和作为概念的哲学相比，作为直观的艺术处于绝对理念发展的初级阶段，而且要被宗教和哲学所克服。在这些理论体系之中，美和艺术被理解为感性的，并相关于理性。在这种感性被理性所规定的意义上，德国唯心主义美学和一切近代美学一样是理性主义的美学。它们当然是没有身体和身体性的美学。 身体的美学意义是在现代思想中被发现的。因为现代思想的主流是思考存在的不同意义，所以它们都是“非”理性主义和“反”理性主义的，并由此是广义的感性主义和审美主义。所谓的美和艺术都置于存在之中。马克思认为美是人的物质生产劳动实践的产物，艺术作为意识形态依赖于经济基础。尼采强调美是“创造力意志”的直接表达，并因此是人的生命力的实现。海德格尔主张美和艺术是存在的真理自身设入作品，诗意是人在此大地上的居住方式。在这些现代美学思想中，人的形象突显出来，他或者是马克思劳动的人，或者是尼采生命冲动的人，或者是海德格尔立于林中空地中的人。特别是在尼采的人形象中，身体的肉身性获得了一种前所未有的审美意义。这在于尼采关于美和艺术的本原的探讨在根本上是身体性的。美和艺术首先是人类学的，它是人的生命的冲动；其次是生理学的，它是身体的力量，是肉体和血液的作用；最后是心理学的，它是创造力的感觉。尼采的身体美学具有非凡的意义，它一方面是对于西方传统古典理性美学的反叛，另一方面是给予后现代美学的遗产。 在后现代，正如没有传统意义的哲学一样，也没有传统意义的美学。因此后现代的美学是“非美学”和“反美学”。基于反本质主义和反基础主义的立场，后现代在根本上反对传统美学的霸权主义对于美的本质、美感的本质和艺术的本质的思想追求。美和艺术的意义就是无规定性的和非确定性的，是复杂的、多元的和断裂的。于是美学问题就是语言和文本的解释问题，是话语分析的一个独特的领域。从此出发，后现代也打破了现实和艺术的界限，消解了原本和摹本的二元模式。在后现代美学的多元话语中，关于身体及其欲望的话语成为了主导性的话语之一。这在于它自身是无规定性的和非确定性的。但后现代的身体美学不同于现代的身体美学。现代的身体是现实给予的，后现代的身体是话语构建的；现代的身体是被存在所规定的，后现代的身体是被欲望所规定的。 从身体的视角来审视美学的历史，我们发现，传统美学一方面忽略了身体的意义，另一方面包含了思考身体的可能性。这在于感性总是作为身体的感性，它是一个在已思考中尚未思考的问题。现代对于作为存在的身体和后现代对于作为欲望的身体为身体美学则提供了许多思想的资源。 当然，我们也有必要将从身体射出的眼光来看看当代审美的现实和思考它的美学界。众所周知，美的现象在当代世界中变得越来越普遍和重要。自然美更直接地进入人的日常生活领域。人们不仅要求居住的空间的满足，而且强调其生态环境。不再只是具有特权的文人雅士，而且一般的民众也向往大自然，旅游到高山和海边，亲身体验山水之美。至于社会生活本身，人们正在倡导一种审美文化，让社会生活的各个方面充满审美的情趣。当然各种形态的艺术通过现代的信息技术走出了象牙之塔，它已不是少数人的专利。同时大众文化的兴起使每一个人在工作之余不仅被动地享受艺术，而且主动地创造艺术，如同一位歌唱家和舞蹈家那样。 当代生活世界中的美的现象一个特殊的标志就是所谓的生活的审美化和审美的生活化。生活是人的衣食住行，是劳作与交往，它是功利性的。而审美是非功利性的。生活中当然包括了审美的因素，但只有艺术才是纯粹的审美活动。因此生活和审美之间存在一定的距离。不过这种历史上产生的疏远在现代社会走向了相互关联，亦即生活审美化和审美生活化。这不是某种生活态度和审美态度的变化，而是一种历史的生成，也就是生活变成美的，而美变成了生活的。 由于美的现象在当代生活中的特性，对于它的言谈成为了日常语言的一个熟悉的言语事实，对于它的思考的“美学”现在成为了哲学学科中最为人所知的学科之一。比起传统学科的认识论和伦理学所关注的问题，也许惟有美学思考的“什么是美”这样的问题对于人们更具有吸引力。美学一方面是形而上的思辩，如对于所谓美的本质、美感的本质和艺术的本质的追寻等；另一方面是形而下的分析，如一些审美现象的描述、审美经验的归纳等。一般而论，人们将美学分为哲学美学，心理学美学和社会学美学等。哲学美学是关于美学基本问题的哲学思考，它将美学的基本问题置于哲学的基本问题之中。如同心理学美学是从心理学的角度研究审美现象一样，社会学美学则是分析审美现象的社会学意义。现代还不断产生了许多美学的新兴学科，如生态美学、环境美学和景观美学等。 但身体美学呢？它对于中国当代美学来说仍只是一个问题，还不是一个主题。 3． 身体美学当然主张身体成为美学的主题之一。人们对于美的范围有许多分类。传统美学将它划分为自然美、社会美和艺术美等，现代美学则将自身的触角伸向了日常生活世界和科学技术领域，关注生活美和科技美。但身体不仅与它们相关，而且就是它们的聚集点。我们可以说，身体美是自然美的顶峰，是社会美的载体，是艺术美尤其是造型艺术和表演艺术美的中心。日常生活的美和科学技术的美也与身体美学建立了直接和间接的联系。因此身体美学的构建不仅突显了身体美的独特意义，而且能导致审美领域的某种交叉和重构。 基于身体美的这种特性，身体美学不仅要求身体作为美学的主题之一，而且重申从身体的本性出发探讨身体和与之相关的审美现象。这首先要让身体成为身体自身。它不能再被分割，变为不同的美的领域中的一个碎片，而是要独立出来，显示为完整的有机的身体。其次要从身体自身出发来理解身体。因此我们不能只是从自然、社会和艺术等不同的角度来解释身体，而是要从身体的角度来透视身体自身。最后以此为基础去观看身体在自然、社会和艺术中的相应的审美表现。 这里关键的问题是，如何让身体自身作为自身显示出来。我们关于身体及其审美表现有各种各样的观念，这些观念既可能是日常的，也可能是理论的和逻辑的。它们作为思想的原则规定我们去描述、理解和解释身体，如同开辟了各种思想的道路。但它也许是迷津，阻碍了我们思考身体自身。因此在此需要的是无原则的批判，即抛弃各种作为原则的关于身体的先见和偏见。 让我们思考身体自身。任何一个存在于此的身体当然是自然给予的，是父母生育和基因遗传的；但同时也是文化塑造的，是社会和历史的成果。因此身体是自然与文化的双重产物，而且是一个始终自身更新的作品。 这一作品的直接呈现是肉身，即血肉之躯。它表明，身体是活的生命的存在。这往往导致将人理解为动物或者具有动物性。其实这只是一种似是而非的判断。人与动物无疑具有相似性，但他们之间存在着不可逾越的缝隙，即人的肉体不是动物的肉体可以置换的。这就是说，人的肉体从一开始就是人的肉体，而不是动物的肉体，因此人最初并不是一般的动物或者只是具有动物性。同时人的身体是有感觉、意识和语言的，这充分地标划了人的身体的独特性。人感觉和意识到自己的身体，并且说出自己的身体。于是人的身体不仅现实地存在于此，而且在感觉和意识领域里呈现出来。由于语言，身体既是自然的，又是文化的，成为了自然和文化相互生成的本原性的场所。我们看到身体一方面是现实给予的，另一方面是被话语建构的。

本雅明的"光晕"思想指人们对于某个对象的看待并不是仅仅集中在对象本身，而是对于这个对象所承载的历史、文化等因素的一种体验。例如，在观看一幅画作时，我们并不仅仅关注画作本身，而是会思考艺术家的创作背景、它所代表的时代背景等。而舒斯特曼的"身体美学"理论强调了身体作为一种感性的存在，在体验美的时候，身体的感觉和经验比单纯的视觉感受更加重要。拓展这两个理论，我们可以尝试将光晕和身体美学结合起来，对于美的理解更加全面。步骤上，我们可以通过对事物所代表的背景和历史进行了解，同时强调身体感官的体验。举例来说，在欣赏建筑时，我们可以通过了解建筑背后的历史文化来感受它的魅力，同时也可以感受建筑的大小、纹理等身体感知。

脸部和身体。1、脸部美学搭配：脸部是人体最具有表情特征和美感的部位，脸部美学搭配涉及到眼睛、鼻子、嘴唇、下巴和脸型特征的和谐与平衡。2、身体美学搭配：身体美学搭配强调整体身材和比例的协调与平衡，在身体美学搭配中，追求身体线条的流畅与匀称，体现健康、自信和美感。

舒斯特曼人体美 physical beauty亦译“形体美”。人的形体结构、姿态、色泽的美。自然美之一。古希腊称为“身体美”。毕达哥拉斯学派认为身体美在于各部分之间的比例、对称。柏拉图认为身体的优美与心灵的优美谐和一致是最美的境界。中世纪崇拜神，贬抑人和人体美。欧洲文艺复兴后，人体美重新受到重视，意大利塔索认为人体美在于四肢五官具有一定的比例，加上适当的身材的美好悦目的色泽。至19世纪，德国叔本华把人体美视为人类理式在可视形式上的最充分表现。人体美首先表现在身体样貌的美。人体美属于形式美、自然美范畴，但带有社会性。人体的自然性因素来自先天的遗传禀赋，是自然美的最高形态;人体又是人类在改造客观世界，同时也改造自身的社会劳动实践过程中形成和演变的，体现了人的本质力量和特定时代，民族的审美观念、审美态度。人体美包括两方面，就人的形体、体态、容貌而言，由形式美法则决定，要求人体线条挺拔，富于变化，匀称，有魅力，各部分的比例以及肤色、动作、姿态符合人类的普遍尺度。就人体美的本质而言，它是健、力、美的统一，展现出人的活泼、勇敢、热情、蓬勃向上的精神状态。人体美的发展同社会条件密切相关，不同时代、民族的人对人体美的审美标准有同又有异，文明的社会环境、美好的社会生活和长期的锻炼、保养为人体的日益美化提供了可能性。人体美是人的重要的审美对象，能使人愉悦，坚定对人的本质力量的自信。

　　艺术作为审美主客体关系的最高形式，艺术美包含着两个方面的内容，一方面艺术是对客观社会生活反映，另一方面艺术又凝聚着艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说，艺术美既有客观的因素，又有主观的因素，这两方面通过艺术家的创造性劳动互相渗透、彼此融合，并物化为具有艺术形象的艺术作品。因此，艺术美的主要特征便集中表现为：形象性、主体性、审美性等基本特征。 　（一）艺术美的形象性 　　艺术美的基本特征之一是形象性。或者换句话说，艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。所谓形象性，是指任何艺术作品都必须具有生动、具体、具有一定观赏价值的艺术形象。普列汉诺夫曾经讲过，艺术“既表现人们的感情，也表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象来表现。这就是艺术的最主要的特点”。各个具体的艺术门类，它们所塑造的形象具有各自不同的特点，如绘画、雕塑、摄影、书法等塑造视觉形象，音乐塑造听觉形象，戏剧、影视塑造综合形象，语言艺术塑造不能直接感受到的文学形象等。但无论如何，形象性是任何艺术种类都不可缺少的，是艺术美的基本特征。 　　艺术形象是内容与形式的统一。艺术美应当具有深刻的思想内涵和完美的艺术形式，二者有机统一，才能具有令人惊叹的艺术魅力。19世纪末叶，法国著名雕塑家罗丹应邀为去世的大文豪巴尔扎克创作雕像，罗丹为此亲自到巴尔扎克的故乡采访，翻阅了大量有关资料，甚至专程去找当年为巴尔扎克制衣的裁缝，经过这样艰苦的创作准备，罗丹终于有了创作的冲动和灵感，选择了巴尔扎克在深夜穿着睡袍写作的形象作为雕像的外形轮廓，摈弃了一切细枝末节，将大文豪的手和脚都掩盖在长袍之中，使观众的注意力集中到雕像的头部，尤其是巴尔扎克那双炯炯有神、气宇不凡的眼睛，突出表现了这位伟大的批判现实主义作家与众不同的气质。罗丹的《巴尔扎克像》以朴实、简洁的艺术手法，来突出这位大文豪内在的精神气质，通过内容和形式的完美统一，真正在形似的基础上达到了神似的高峰，使这座雕像成为世界名作。 　　艺术形象是个性与共性的统一。综观中外艺术宝库中浩如烟海的艺术作品，凡是成功的艺术形象，无不具有鲜明而独特的个性，同时又具有丰富而广泛的共性，从而使得艺术美具有不朽的生命力。艺术美中这种个性与共性的统一，最集中地体现为艺术典型。所谓艺术典型，就是艺术家运用典型化的方法，创造出来的具有鲜明个性和普遍意义的典型形象。例如鲁迅先生塑造的阿Q这一艺术形象，就是中国现代文学宝库中一个不可多得的艺术典型。阿Q这个人物身上，不仅具有活生生的个性，还有反映他所处的特定时代整个民族的国民性特点。在阿Q这个典型人物形象面前，任何人都不可能无动于衷，他会使人震惊，使人猛醒。 　　（二）艺术美的主体性 　　艺术美还有一个基本特征，就是主体性。如前所述，艺术作为一种特殊的社会意识形态，艺术生产作为一种特殊的精神生产，决定了艺术美必然具有主体性的特征。毫无疑问，艺术美来源于现实生活并反映现实生活，但是，这种反映绝不是简单的“模仿”或“再现”，而是融入了创作主体乃至欣赏主体的思想情感，体现出十分鲜明的创造性和创新性。所以，主体性作为艺术美的基本特征之一，不但体现在艺术创作上，而且体现在艺术欣赏中。 　　一方面，艺术创作具有主体性特点。艺术生产是一种特殊的精神生产，艺术创作更是一种创造性的劳动，艺术家作为创作主体对于艺术创作起着决定性的作用。艺术创作的主体性，集中体现在艺术家的创作活动具有能动性和独创性。艺术家面对大千世界浩瀚的生活素材，必须进行选择、提炼、加工、改造，并且将自己强烈的思想、情感、愿望、理想等等主观因素“物化”到自己的艺术作品之中。正是艺术创作的这种能动性，使得每一件艺术作品必然打上艺术家作为创作主体的烙印。艺术创作更具有独创性的特点，任何优秀的艺术作品都应当是独一无二、不可重复的。或许这正是艺术生产的产品和物质生产的产品二者之间最根本的区别特征。每一件优秀的作品，总是凝聚着艺术家个人的主观色彩和独特的艺术追求，体现出艺术家鲜明的创作风格和艺术个性，具有强烈的创造性与创新性特色。由于艺术的独创性，甚至面对同一个题材，作家艺术家们也完全可以创作出不同的作品来。20世纪20年代，朱自清和俞平伯两位散文家同游秦淮河之后，各自写出一篇同名散文《桨声灯影里的秦淮河》，这两篇散文不但取材范围相同，时间地点相同，甚至命题也完全相同，但这两篇散文却有各自鲜明的艺术特色，都成为中国现代散文的名篇。正是由于两位作家面对同一景物时，由于不同主体的审美感受不同，艺术风格上的追求不同，才使得这两篇打上了创作主体烙印的散文具有了各自不同的艺术特色。 　　另一方面。艺术欣赏也具有主体性特点。美感既有共同性，又有差异性；既有社会功利性，又有个人直觉性，具有千差万别的个性特征。尤其是艺术鉴赏，不是消极被动地接受，而是读者、观众、听众凭借艺术作品而展开的一种积极主动的审美再创造活动。由于欣赏者的生活经验与人生阅历不同，审美能力和艺术修养不同，使得审美感受形成了鲜明的个性差异，使艺术欣赏也打上了欣赏主体的烙印。正因为如此，西方人常说“有一千个读者，就有一千个哈姆雷特”，我们经常说“有一千个读者，就有一千个林黛玉”。 　　（三）艺术美的审美性 　　艺术美的第三个基本特征就是审美性。从艺术生产的角度来看，任何艺术作品都必须具有以下两个条件：其一，它必须是人类艺术生产的产品；其二，它必须具有审美价值，即审美性。正是这两点，使得艺术品和其他一切非艺术品区分开来，也使得艺术美与自然美区分开来。 　　艺术美作为艺术家创造性劳动的产物，它比现实生活中的美更加集中、更加典型，能够更加充分地满足人的审美需求。艺术美注重形式，但并不脱离内容，艺术的审美性是内容美和形式美的有机统一。艺术贵在创新，随着艺术实践的不断发展，形式美的法则也在不断变化和发展，然而，不管怎么变化，艺术的形式美都不能脱离艺术的内容美，因为艺术的形式美正在于它鲜明生动地体现出内容。就拿举世闻名的悉尼歌剧院来讲，这座历时15年、耗资巨大的建筑，设计十分独特，刻意追求造型美和形式美。它远看像是一支迎风扬帆的船队，近看又像一组巨大的贝壳，从空中飞机上望下去又像是一朵巨大的白荷花，真是具有独特的形式美和别具匠心的造型美。与此同时，作为当代艺术与现代科技相结合的产物，悉尼歌剧院又体现出具有当代色彩的建筑理念，成为著名的环境艺术或有机建筑的典型作品。它的设计师、丹麦建筑学家伍重认为，现代建筑应当从属于自然环境，推崇“有机建筑”理论，认为建筑应与周围环境有机融合在一起，仿佛是自然而然地“生长”出来的一样。在海滩上设计建造悉尼歌剧院，不管像帆船、贝壳，还是白莲花，都与大海的万顷波涛融为一体，展现出“有机建筑”的魅力。悉尼歌剧院这个例子充分证明，艺术的审美性是内容美与形式美的有机统一。 　　与此同时，艺术美的审美性又体现为真、善、美的结晶。艺术美之所以高于现实美，正是由于通过艺术家的创造性劳动，把现实生活中的真善美凝聚到艺术作品中了。艺术中的“真”并不等于生活真实，而是需要通过艺术家的创造性劳动，通过提炼和加工，使生活真实升华为艺术真实，也就是“化真为美”。艺术中的“善”更不是什么道德说教，而是要通过有血有肉的艺术形象来以情感人，以情动人，也就是“化善为美”。好莱坞大片《泰坦尼克号》并不拘泥于生活中真实发生过的冰海沉船事件，而是将在巨型游轮上邂逅的一对青年男女之间的爱情作为主要线索，重点表现在即将沉船之时，男主人公将生的希望留给了恋人，自己却不幸遇难的故事。这部影片正是通过爱情片与灾难片的结合，并且充分运用了现代高科技的成果，努力打动人们的心灵深处对于真善美的渴求，从而在全世界赢得了亿万观众，取得了巨大的票房收益。显而易见，艺术的审美性是艺术作品具有巨大魅力的根源。 　　经过长期的人类艺术活动实践，人类创造了多种多样的艺术形式和丰富无比的艺术作品。中外许多美学家、艺术理论家等都对艺术进行过体裁和分类研究，根据当时的艺术实践，提出了各种各样的分类原则或具体分类，如中国古代文论《毛诗序》对中国古典艺术区分为诗、歌、舞三种不同艺术种类，古希腊亚理斯多德根据艺术的媒介、对象、方式的不同区分了绘画与音乐、悲剧与喜剧、史诗与戏剧等。到近现代，艺术分类理论已较为成熟，形成了从不同方面、为不同目的的艺术分类体系。我们认为，从本质上讲，艺术作品就是以物态化的方式传达出艺术家的审美经验和审美意识，因此，根据艺术分类的美学原则，应当把艺术形态的物质存在方式与审美意识物态化的内容特征作为根本的依。据此我们可以将艺术分为五大类别：即造型艺术（绘画、雕塑、摄影、书法）、实用艺术（建筑、园林、实用工艺）、表情艺术（音乐、舞蹈）、文学艺术（诗歌、散文、小说）、综合艺术（戏剧、戏曲、电影、电视）。

美学鉴赏包括以下几方面：美学鉴赏是一项涉及艺术、哲学、文学、音乐和社会科学等多个领域的学术研究，主要通过理性分析和心理体验的方式，探讨人类美感；此外，美学鉴赏也具有一定的实用价值，可以提高人们对艺术、文化、审美和人生的意识与素养。美学鉴赏的主要内容包括以下几个方面：美学基础理论：美学鉴赏的基础是一些美学理论，如美的概念、美的规律、审美经验等。艺术品的鉴赏：美学鉴赏主要研究艺术作品的艺术性质、风格、史学价值等，包括文学、绘画、雕塑、音乐、戏剧、电影等各种形式的艺术。艺术史的研究：美学鉴赏者还需要研究艺术发展的历史过程以及应用史学的方法来理解和评价艺术作品。文艺批评与评论：美学鉴赏者需要掌握一定的文艺批评和评论方法，分析艺术作品在审美和文化发展中的地位，并作出相应的评论和评价。社会与文化环境因素：最后，美学鉴赏还需要注意社会和文化环境因素的影响，在整体的社会和文化结构中探讨艺术的地位和意义。总之，美学鉴赏是一项综合性学科，包括了很多方面的研究。美学鉴赏者需要了解各种美学观点和核心理论，具有一定的艺术领域的知识和对不同艺术品的欣赏和理解力，以及对整体文化和社会环境的了解。美学鉴赏的意义提高审美水平：通过学习美学鉴赏，可以提高一个人的审美水平，了解艺术作品的内涵和艺术语言的表现形式，掌握欣赏艺术作品的方法和技巧，提高艺术作品的鉴赏能力。丰富文化内涵：美学鉴赏是一种文化修养，可以帮助人们对艺术、文化、历史等方面有更深刻的认识理解，了解不同文化背景下艺术的特点和成就。提高人文素质：研究美学鉴赏也是一种涵养人文素质的过程，使人们逐渐摆脱功利的思维方式，以更加开放和理性的态度与审美角度看待世界。增强自我情感：欣赏艺术作品，可以让人沉浸于作品中所表现的情感和情境之中，引发愉悦、感动等积极的情感体验，增强自我情感体验和内心感受力。开拓人才视野：美学鉴赏还可以为人才培养开拓视野，增加学生们对知识领域之外的视角和想象力，培养综合性、跨学科、面向未来、创新型人才。总之，美学鉴赏不仅有利于丰富人们的审美体验，同时也是一种提高文化素质、开拓人才的视野的有效途径。通过美学鉴赏的学习和实践，人们可以提升个人品位、内涵和境界，增加人生的精神富足感和人文情怀。

先锋美学，澎湃而至丨全新EQA＆EQB纯电SUV芜湖区上市发布会圆满落幕新世代，点亮新灯塔新次元，激发新动力1月16日下午，全新EQA & EQB纯电SUV芜湖地区上市发布会圆满落幕先锋美学，澎湃而至当设计被先锋重塑当电动出行成为一门艺术当智能主导潮流这就是电动全新世代的开始重构美学，满电而发芜湖鹏龙伟恒销售经理孙君先生致辞,孙君先生称，我们一直重视“心豪华主义”的客户服务体验，全新EQA和EQB凭借着设计的豪华、电动的豪华和数字化的豪华，一定能给消费者带来纯粹的电动驾驶乐趣与先锋豪华体验。新车亮相，为你，先型伴随着潮酷的乐声，全新EQA&EQB在聚光灯下隆重出场，鹏龙伟恒内训师刘浩先生向嘉宾们介绍了这两款集电动潮流与智能豪华于一身的纯电SUV，并公布了指导价格。新能源，为你，而来活动现场，鹏龙伟恒邀请了高科技动能产业深耕的各位专家学者，而秦岚女士也作为代表为大家分享了她眼中先锋美学的模样。自由品鉴，驾驭浪潮精准电池管理，64 色环境氛围照明系统，搭配星云流光饰件，先锋潮流美感一键拉满。奔驰电动车全新EQA纯电SUV为先锋一族而来，以潮流之道重塑设计、电动与智能，开启全新驾驭浪潮时光机盲盒本场活动，鹏龙伟恒精选了奔驰原厂新出的精品盲盒作为伴手礼。每一款盲盒的设计灵感都是源自一个里程碑车型的诞生。精美茶歇为了迎合“先锋美学”的活动主题，鹏龙伟恒精心准备了精致美味的茶歇，为在场的嘉宾送上多层次的感官体验。【心驰所向 鹏龙伟恒—您身边的奔驰专家】

区别在于色彩和装饰不同。梧林建筑注重自然的色彩，常以淡雅的灰、白、蓝等色调为主，注重建筑与自然环境的融合；而闽南传统建筑则注重色彩的对比和装饰的细节，常使用红、黄、绿等鲜艳的颜色，并在建筑上雕刻精美的花纹和图案。

古代建筑美学中房子是自然景物的一部分，多了可以住人这个功能而已。古代人这个思想决定建筑美得很多东西，材料选择，布局等

建筑，是时代的镜子，更是城市价值的高度、人居的封面。在人居进阶的时代，更具现代感、艺术感的建筑，才能打动具有国际视野前瞻力的高净值人群。 香开万里精研建筑美学，部分楼栋采用公建化外立面，以现代简约的建筑设计语言，提取简约灵动的建筑线条，结合映射流光岁月的建筑材料，营造出奢华、大气的空间秩序，让建筑在绿轴的中芯之上熠熠生辉，筑就时代人居封面新标准。 在设计表达上，盛邀美国贝氏建筑事务所主刀，传承自世界建筑大师贝聿铭的建筑精神，一脉卢浮宫玻璃金字塔、苏州博物馆、肯尼迪图书馆等地标建筑匠心，以不容更改的艺术坚持和极度苛求的匠心执念，构筑极具国际审美辨识度的现代地标。 从区域、配套，到户型、景观，香开万里处处充满着不可取代的热销基因。随着越来越多的归国华侨、政务精英、商界大佬等，都将人生进阶的关键节点选择在了香开万里。所有当红不让的背后，都直指香开万里的价值所在。

亚里士多德与柏拉图“模仿说”之异同“模仿说”是古希腊早期流行的观点，它是研究文艺与现实的关系，即文艺反映现实生活的学说。其主要代表人物是柏拉图和亚里士多德。从苏格拉底到柏拉图和亚里士多德，“模仿说”已趋于全面和完整。亚里土多德的“模仿说”是在继承和发展老师柏拉图的观点基础上形成的，更具有唯物主义的性质，但他们关于“模仿说”的观点还是有区别的。柏拉图为了维护奴隶主阶级的统治，从客观唯心主义的哲学思想出发，认为“文艺是自然的模仿”，这个“自然”是以“理式”为蓝本的“自然”，“理式”是第一性的，“自然”是第二性的，“自然”只是“理式”的“摹本”和“影子”。文艺模仿自然，只能模仿事物的“外形”和“影像”，而不能表现事物的“本质”。模仿只是对现实世界的简单模拟，是不真实的。柏拉图的贵族身份注定他会站在贵族阶级一方，这无疑会表现在他的文艺思想上。他希望文艺能为贵族统治阶级服务，反对现实主义，否定文艺的真实性，因此，他的“模仿说”带有一定的政治色彩。柏拉图的文艺观是建立在客观唯心主义基础上的，认为现实世界的不真实决定了对现实世界的模仿也是不真实的。在他看来，感性世界才是真实的，现实世界是感性世界的摹本，艺术作为现实世界的摹本，自然也就离真实的感性世界更远，是“摹本的摹本”，当然无真实性可言。与柏拉图相比，亚里士多德的“模仿说”更全面、更准确，符合现实主义的特点。他批判地继承了柏拉图的观点，认为文艺对现实世界的反映，但他认为现实世界本身是真实的，由此肯定文艺的认识作用和教育作用。同时，他也抛弃了“模仿自然”的“自然”意义含混的一面，直截了当地提出，艺术模仿的对象是“行动中的人”，是人的性格、感受和行动。亚里士多德抛弃了柏拉图虚幻的“理式”概念，认为只有具体存在的事物才是“第一实体”，“除第一实体之外，任何其他的东西或者是被用来述说第一实体，或者是存在于第一实体里面，因而如果没有第一实体存在，那就不可能有其他的东西存在”。也就是说根本不存在离开具体存在的所谓“理式”，他强调现实世界是真实的，模仿现实世界的艺术必然也是真实的，这与柏拉图的观点正好相反。而且，他认为艺术比现实更真实，艺术所模仿的决不是柏拉图所说的现实世界的表象，而是现实世界的必然性和普遍性，即反映内在的本质和规律。亚里士多德给予模仿很高的评价，它可以使人们从客观世界中获得知识，产生快感，这是艺术的效用之一，比如音乐的教育作用，以及悲剧模仿现实所产生的净化作用。此外，他还认为现实世界本质规律的概括就是艺术创造，这种创造不仅会使现实中美的东西更美，而且会使丑的东西变美，也就是说，现实中的美丑皆可模仿，只要模仿能揭示出事物的内在本质和规律。而亚里士多德对美学思想的最大贡献是提出诗要表现出人物在特定情境中的言行，这是人物、情节典型化的萌芽。与柏拉图不同，他很重视艺术主体的作用，指出艺术模仿的对象是现实生活中的人，艺术的目的是反映现实生活，这突破了艺术模仿自然的传统观点。他强调艺术主体的能动作用，艺术创造取决于创造者，而不是创造对象。照事物应有的样子去模仿是他推崇的方法，但艺术主体的作用不在于忠实地临摹对象，而在于创造艺术形象，通过特殊的具体事物表现本质，艺术形象比现实生活更具普遍性。

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江南园林在园中叠山理水,种植花木,体现哪种中国古典建筑美学思想？“叠山理水”在中国古典园林中占有重要的地位。以此为锲入点，从历史沿革、审美 　　层次等方面浅析中国古典园林的审美特征。 　　中国古典园林是由建筑、山水、花木组合的具有诗情画意的综合艺术品。以博大精深的艺术称誉于世界，她不仅涉及建筑、生物、文学等学科知识，还包含着丰富的哲学、美学思想。自然界的山岳，以其丰富的外貌和广博的内涵而成为大地景观的最重要的组成部分，所以中国人历来都用“山水”作为自然风景的代称。而中国古典园林亦常被称为“山水园”。“叠山”和“理水”不仅成为造园的专门技艺，而且两者之间相辅相成的关系也是十分密切的。如宋郭熙在(林泉高致》中所写“山以水为血脉……故山得水而活，水以山为面……故水得山而媚”。现以中国古典园林中的“叠山理水”为例来分析其中的美学内涵。 　　苏州园林 　　1 历史沿革 　　中国古典园林初期的“叠山理水”充满了原始崇拜的意味。在商周时代的苑囿中就建有土筑的高台，即“鹿台”、“灵台”等，此时的台线条简单，体量庞大，是园林中非常重要的景观，具有通神、望气、游观之功用。而周文王的灵沼不仅被称为“神池”，而且它围绕着灵台，就象征了“昆仑之丘，其下有弱水之渊环之”之意。 　　秦汉时期，蓬莱神话盛行，宫苑中普遍存在模仿三山的表现形式。此时的水体规模庞大，数量众多，并且水体开始作为联系其他构图因素的纽带，如张衡在(西京赋》中所记述的“乃有昆明、灵沼、黑水、玄址，周以金堤，树以柳杞，豫章珍馆，揭焉中峙”。 　　魏晋南北朝时期由于士人文化的影响，造园风气为之一变，“老庄告退，山水方滋”，以凿池构山的自然山水为本色，以返朴归真、山居岩栖为高雅，初步确立了园林美学思想，莫定了中国风景式园林大发展的基础。 　　唐宋时期，经济发达，文化繁荣，文人学士将山水文化推上了历史高峰，山水审美所产生的影响已不在宗教文化之下。由于文人直接参与造园活动，从而把造园艺术与诗、画相联系，有助于在园林中创造出诗情画意的境界。宋徽宗的“艮岳”以“左山右水”为格局，山体“雄拔峭峙，巧夺天工”，水系完整，包罗了内陆天然水体的全部形态。 　　元明清时代，造园活动无论在数量、规划。、或类型方面都达到了空前的水平。造园艺术、技术日趋完善，出现了以山水局部来象征山水整体的更为深化的写意创作方法以及专业匠师和造园著作。可见，中国古典园林审美经过了从原始崇拜到宗教崇拜，再到世俗的以自然为独立的审美对象的过程。

Now the building great master indeed many and all of their evaluation also mixed.Like an delu "egg", with Chinese architects say an delu is nine flow architects, have real estate developers say this is France and China"s political alliances product of -Also has the Chinese architects say very good -Later found the masses or like it, after all is money the heaped, always have some of the novel thing make people happy.My favorite should be barragan and siza, their structure is simple and pure -------------（建筑师）第二个太难了 只能帮到你这个了、、、 求采纳

欧尚Z6设计灵感来源于“棱·境设计美学”，设计师在创想初期是从棱镜折射找到了的灵感，设计目标就是让欧尚Z6能够形成璀璨夺目的梦幻效果。通俗的翻译就是讲棱镜所折射的光学美感发挥到极致，通过不同的界面和闪射而发散出动态的光影美学效果。欧尚Z6在设计风格上是脱胎于欧尚X5、X7所开创的锐利风格，通过刚毅的直线切面塑造出干练的动感之美。在欧尚Z6身上，可以看到设计师驾驭锋锐线条的能力愈发成熟，以一种洗练、富有冲击感的设计手法塑造出新潮运动型SUV的战斗气焰。欧尚Z6新车亮点：1、采用无边界设计，外观造型更具科技感。车身尺寸出色，轴距达到2795mm。2、配备FACE ID、车外语音交互、灯光秀等科技配置。3、内饰将配备三块大屏（10.25寸仪表屏＋12.3寸中控屏＋9.1寸小欧屏）和HUD抬头显示，车机系统和驾驶辅助也会提升，值得期待。4、搭载蓝鲸iDD插电混动、蓝鲸2.0T+8AT、蓝鲸NE 1.5T+7DCT三套动力组合，选择更丰富。

从哲学的高度对建筑美学的发展历史进行分析；阐明建筑观念、美学观念及美学研究的革命性转变，归纳出当代建筑美学的基本特征。关键词：本质，功能，特征，误区，艺术规律 ·前言对着一栋栋拔地而起的高楼大厦和千姿百态的高档酒店，它们形体都其特殊的意义 从中你能了解他们的历史、领悟它们的意味、读懂他们的语言、欣赏他们的美吗？请你认真阅读本文，它将引导你从中国走向世界，尽情的欣赏那人类创造的各种各样的高档酒店，领略多姿多彩的建筑物那美妙的趣味，读解形形色色建筑物那沉默的形体、缤纷的色彩和多样的质地，了解建筑美的本质、功能、特征及艺术规律，认识建筑在人类精神生活中的地位。同时，还将告诉你如何将自己居住、学习、工作、交际、活动的场所装饰的舒适、惬意。 ·建筑美学的本质建筑美学是艺术美学和建筑学的重要分支。是建立在建筑学和美学的基础上，研究建筑领域里的美和审美问题的一门新兴学科。建筑美学以如何按照美的规律从事建筑美的创造以及创作主体、客体、本体、受体之间的关系和交互作用为基本任务，其具体内容是：建筑艺术的审美本质和审美特征；建筑艺术的审美创造与现实生活关系；建筑艺术的发展历程和建筑观念、流派、风格的发展嬗变过程；建筑艺术的形式美法则；建筑艺术的创造规律和应具有的美学品格；建筑艺术的审美价值和功能；鉴赏建筑艺术的心理机制、过程、特点、意义、方法等。根据当前建筑美学的发展趋势，重点是研究建筑美与城乡环境的关系、建筑美的审美效应、建筑美与山水园林的关系等。·建筑美学的功能虽然建筑伴随人类走过了漫长的道路，但建筑美学的出现却是20世纪的事情。英国美学家罗杰斯·思克拉顿运用美学理论，从审美的角度论述了建筑具有实用性、地区性、技术性、总效性、公共性等基本特征，可看成是建筑美学的创始人。美国现代建筑学家托伯特·哈姆林，提出了现代建筑技术美的10大法则，即：统一、均衡、比例、尺度、韵律、布局中的序列、规则的和不规则的序列设计、性格、风格、色彩等，较全面地概括了建筑美学的基本内容。此外，包豪斯的建筑美学理论与现代主义联系较多，美国建筑大师文丘里则从符号学的角度来探讨建筑的美和审美问题。建筑美学以如何按照美的规律从事建筑美的创造以及创作主体、客体、本体、受体之间的关系和交互作用为基本任务，其具体内容是：建筑艺术的审美本质和审美特征；建筑艺术的审美创造与现实生活关系；建筑艺术的发展历程和建筑观念、流派、风格的发展嬗变过程；建筑艺术的形式美法则；建筑艺术的创造规律和应具有的美学品格；建筑艺术的审美价值和功能；鉴赏建筑艺术的心理机制、过程、特点、意义、方法等。根据当前建筑美学的发展趋势，重点是研究建筑美与城乡环境的关系、建筑美的审美效应、建筑美与山水园林的关系等。·建筑美学的特征建筑之美在于其根植于自然环境，又服从于自然环境。多样的建筑形式，各异的建筑风格适宜于不同的自然环境，与风景林木地形溶为一体，形成了各种建筑文化自己的美的语言。不同的地域，不同的自然环境，作为人与自然总结的建筑，向植物一样落地生根。合天时，合地利，适宜于各种地区自然环境的要求，与大自然融为一体。 建筑之美在于其诗情画意，中国古典园林的建筑就是卓有代表的一例。尽管他不间断地以借景，对景，框景等诸多视觉手法向人们展示着如画般的意境,然而仅以视觉冲击，他还无以有如此撼人的魅力。除了中国古典园林自身所蕴含的文化底蕴，哲学思想外，他的深意还在于调动了人的其他感官知觉。“凤篁类长笛，流水当鸣笛”表现其声；“竹院金风细，荷塘花气香”表现其味；“聚拳石为山，环斗水为池”又体现了他的尺度，更不用说“幽闭以独处，登高以畅怀”表达的情绪了。中国建筑之美包罗万象：竹影婆娑，风舞幽篁，菏香苒苒，香远益清；池景赏心，亭榭宜人等等等等。正是这耳声目色，月圆花好，造就了中国古典园林的知觉意象，体现了他的诗情画意。建筑之美是一个多轴的坐标系。在不同的历史时期，不同地域文化，不同民族背景下都不尽相同。中国古代人们心中的美学标准则是统一的，正如当时的中央集权，几乎动员了全部当时的建筑手段共同创造出完整的艺术形式。因此，中国的建筑体现了儒家思想，正统而有气魄;中国园林蕴含着道家思想，极力效法自然，极度自由，变化多端。而古希腊在哲学与艺术等等的一切知识，都是在追求永恒的完美，所以在精神层次上他们追求灵性的完美，在自然界中他们则追求一种永恒的形象美，在某种程度上，他们的美是一元的。建筑之美在于其随意之处竟显精致，虽由人做宛自天成的艺术创作。无论是拼贴，是变异，抑或是残缺，奇险，当代建筑设计中的“非和谐”意识引人注目的一种倾向。建筑之美在于其是情理交织的。建筑的演进，在某种意义上是情感与理性的交织发展过程。情感与理性的关系，从曾经相互抵触，逐渐发展到相互融合的阶段。建筑之美在于科学技术对艺术和建筑创作的影响，这是20世纪艺术和建筑发展中，最鲜明的有益于以往时代的特征。技术的进步使得建筑师的梦想成为可能。艺术的作用表现与人与自然，社会的关系，使生活的爆满，从感性上体验自然和人生的韵律和诗意。这时候的建筑界逐渐形成了“反形式美学”“高技美学”“生态美学”和“可维持发展的美学”为代表的新兴建筑美学体系。就相我们上面谈到的重复性，如果间隔永远一成不变，获得的韵律感有一致性而形成的统一的局面。但我们并不满足于恒常的统一的原则，我们会同样在统一的重复中寻求些许的变化，这种统一中的变化，除了减少单调乏味的可能性外，经常能引起人们的注意力和愉悦。统一和变化之间的取舍与拿捏，有时仅是一线之隔，虽然我们都希望统一中有变化，而变化中求统一的口诀和法则，但实际创作的时候并不容易，因为太多统一会导致乏味，太过变化却引起混乱。总之，孕育着一个文化背景的建筑，积淀着丰富的文化内涵的建筑，既可以折射出所处环境的文化传统，人文精神，同时也以其自诠释着美的概念，建筑丰富的语言中裹着的是让人无尽的回味。·对建筑美学的误区建筑形象和建筑美学是城市战略研究的领域之一，也是众多房地产开发商所必须关心的问题。道理很简单，如果投资开发的房子，外表不美观，那么就不容易为市场所接受，销路受影响之外，更会使得今后的项目开发能力受到市场质疑。在中国当今的不动产项目开发市场中，建筑形象与建筑美学在绝大多数时候，被认为是仅仅来自于人们的感觉。在北京，曾经要求主要建筑的设计，必须要有个大屋顶；在南方很多城市引为自豪的项目，在专家的眼中，其实不值一提；而更为常见的是，行政官员的干预，他们根据自己的审美观来确定项目的立面和造型，……。 在北京，亚运村曾经被人们广为赞誉，认为“很美”，但现在没过多少年，即使主要建筑经历了三次大翻修之后，大家也都承认，这其实仅仅是一堆垃圾，北京开奥运会也只能再建所谓“更漂亮”的、新的奥运村了。 其实，凭感觉确定“建筑的美”，是很大的一个错误。在国际上，建筑形象与建筑美学是一个专门的研究领域，在英国的几个著名大学中，都有这样的专业设置。其主要运用的研究理论是分形几何，通过分维值的计算，来定量评估建筑的美。事实上，建筑美与人的感觉是有关系，但它与数学的应用也有很大的关系。客观的说，这些来自国际上的专家，对我们很多人认为已经很漂亮的上海建筑评价很低。他们认为，上海的建筑依然单调乏味，如果计算的话，建筑的分维值不会太高，缺乏细部表现，而上海这样长期发展下去，尤其是大面积地搞这样的建筑，最终将会影响城市的活力。 客观的说，中国的房地产市场依然是一个原始的市场，行业也是原始的行业，其专业化分工以及专业水准，尚未达到一个理想的水平。在这种时候，我们很难确保现在的“城市美”，能够在数十年之后依然会被人赞叹为美。·建筑美学的艺术规律建筑美学的规律主要体现在各种美学元素中，概括起来大致有：主题、重点、比例、尺度、韵律、和谐、对比、衬托、对称、均衡、隐喻、虚实、质感，等等。这些抽象的美学元素如果使用得当，就有可能创造出令人欣赏的优美建筑。比例 模数 古希腊人大概是最专注与探究美感来源的民族。他们仔细观察自然界的种种事物后，发现一个原理：没的物体在形式是上都具备了一定的比例关系，所谓的比例，简单地说就是物体的每一个部分或构件与整体之间，存在一种数字关系，而且每一个部分也与其他部分存在一种数字关系。比例关系给我们的最大的启发便是，任何物体只要具备一定的比例关系，它便初具视觉上的美感；而且绝大多数我们觉得美的形式，都具有和谐的比例，希腊人份在追求形式美感上最伟大的贡献就是，详细观察自然界的他们觉得美的物体，分析出他们的比例关系，并建立在数字关系上，从此影响了整个西方建筑的发展，直到今天。另一个与比例有关的，就是柯布西耶在19世纪40年代所发展起来的模数关系，它的概念就好像日本传统家屋中以“榻榻米”形成的割据一样，由于榻榻米的长边是短边的两倍，不论如何组合都具备某种固定的比例关系。这样的基准关系更能使得家具的大小，有一定系统可言，而不会发生不同家具摆设时，而摆不正的矛盾现象。比例 尺度与空间感我们前面谈到的比例是以自然界及人体的美感为基础，发展而得到的一套秩序关系。它可以说是建筑物自身所具备的绝对性关系，但另外有一种美感要素，就是尺度。它是在建筑美感上的考量，也和比例一样，是为了建立和谐的视觉秩序，比例是要达成建筑物本身的和谐关系，而尺度要追求的是建筑物与周围环境的和谐关系。尺度所关照的美感层面就是建筑物与人的相对关系。建筑师面临许多挑战中的主要项目之一，就是要营造空间，使人们处在不同空间中，有特定的空间感。例如为了营造一个另人敬畏的空间感，来阐扬神的伟大和人的渺小，位于土耳其的圣索菲亚教堂所具有的巨大空间，和所有哥特教堂高耸的主殿，相对于人在里面的尺度，都是非常成功的例子。而建筑师赖特在其流水别墅中的空间的高矮与大小，为业主提供了亲切宜人的尺度。有上面的几个例子，尺度上的拿捏与空间感的塑造，要随着不同的自然环境，不同的区域，不同的使用功能，甚至是不同的高低胖瘦使用者而从事不同的深思熟虑，绝非一成不变。平衡 对称 不对称 放射所有没的事物之所以能感动人，必须先透过我们的视觉系统，对物体做一番打量，我们才能有下一个阶段心灵上的感受。因此这些美感的要素就是为了满足大部分人的视觉系统。这样的特性反映在建筑美感因素上就是视觉上的平衡。追求平衡的形式，一直出现在建筑历史之中，不论从埃及，希腊，罗马以来的建筑发展，以及我们耳熟能详的中国传统建筑——故宫建筑群，这些建筑形式大都遵循对称的平衡，历代的建筑理论家经常以人体的对称性，来类比建筑物应具有的庄严而优雅的对称美。 重复与韵律我们经常听到这样一句话“建筑是凝固的音乐”当提出这个再恰当不过的观点时，最能解释音乐与建筑的共通性的桥梁，除了两者都有来自希腊时代便开始探讨的比例关系之外（音乐中的几度音程与建筑的特定比例，得自同一套数学关系），便是他们都讲求因重复性而产生的美感。统一 变化 对比 张力就相我们上面谈到的重复性，如果间隔永远一成不变，获得的韵律感有一致性而形成的统一的局面。但我们并不满足于恒常的统一的原则，我们会同样在统一的重复中寻求些许的变化，这种统一中的变化，除了减少单调乏味的可能性外，经常能引起人们的注意力和愉悦。统一和变化之间的取舍与拿捏，有时仅是一线之隔，虽然我们都希望统一。当代建筑随着时代的发展，审美观也在变化，今天，除了上述的比例、尺度、对比、均衡等美学元素之外，已更注重空间的处理和建筑艺术的隐喻效果，并强调主观的审美见解和建筑构图规律的结合，这就促成当今建筑艺术领域里出现了流派纷呈的局面。有时，审美的效果也会被误认为是实际的需要。例如现代玻璃幕墙建筑，看起来好像是为了争取更多的采光，实际上室内完全不需要那么大的采光面积，这完全是现代审美的需要。相反，过多的玻璃不仅要设法遮阳，还将增加空调的能耗。又如一些高技派的作品，那些表面上的构架好像是结构和设备的需要，实际上是为了表达某种艺术主张，为了增加空间层次，与结构设备的需要无关。

艺术美学和建筑学的重要分支。是建立在建筑学和美学的基础上，研究建筑领域里的美和审美问题的一门新兴学科。虽然建筑伴随人类走过了漫长的道路，但建筑美学的出现却是20世纪的事情。英国美学家罗杰斯·思克拉顿运用美学理论，从审美的角度论述了建筑具有实用性、地区性、技术性、总效性、公共性等基本特征，可看成是建筑美学的创始人。美国现代建筑学家托伯特·哈姆林，提出了现代建筑技术美的10大法则，即：统一、均衡、比例、尺度、韵律、布局中的序列、规则的和不规则的序列设计、性格、风格、色彩等，较全面地概括了建筑美学的基本内容。此外，包豪斯的建筑美学理论与现代主义联系较多，美国建筑大师文丘里则从符号学的角度来探讨建筑的美和审美问题。建筑美学以如何按照美的规律从事建筑美的创造以及创作主体、客体、本体、受体之间的关系和交互作用为基本任务，其具体内容是：建筑艺术的审美本质和审美特征；建筑艺术的审美创造与现实生活关系；建筑艺术的发展历程和建筑观念、流派、风格的发展嬗变过程；建筑艺术的形式美法则；建筑艺术的创造规律和应具有的美学品格；建筑艺术的审美价值和功能；鉴赏建筑艺术的心理机制、过程、特点、意义、方法等。根据当前建筑美学的发展趋势，重点是研究建筑美与城乡环境的关系、建筑美的审美效应、建筑美与山水园林的关系等。

中国建筑在世界上分布地域最广，有着独特的传统风格，各兄弟民族的建筑都有自己的传统和特色，其中汉族的建筑是中华民族建筑的主流。它的美学特征主要表现在3个方面：①　建筑的审美价值和它的伦事价值密切相关。建筑的审美标准不仅要求使人感官愉悦，更重要的是恰当地表现形象本身所包涵的伦理的、政治的内容。例如都城的构图表现出体象乎天地，经纬乎阴阳，据坤灵之正位，放太紫之圆方的威仪；宫殿表现天子以四海为家,非壮丽无以重威的气派。从周秦以来,凡城市规制、宫殿、坛庙、陵墓、住宅、祠堂的体量、形式、色彩、用材都有详细的等级规定和礼制理论；有时细微到彩画、雕刻的题材手法，门窗的格纹、瓦饰的式样。这类礼制法规又往往和成熟的形式美法则结合在一起，形成了特定社会时代的内容与形式相统一的和谐感、节奏感以及不同类型建筑的性格和风格。②　建筑艺术的形式美直接来源于功能内容和工程实践。中国建筑的形式美首先是它的群体美、序列美。这种总体的艺术气氛又都以满足礼仪和生活实用的要求为基础。即使是一所四合院住宅，它的布局和体量也都体现了封建家族中尊卑、长幼、内外、嫡庶、期服等不同等级人的生活地位和待遇。如北京紫禁城宫殿、天坛、十三陵、颐和园、苏州园林、峨嵋山寺等，它们的艺术形式都体现了它们的功能内容。中国建筑经过长期实践，至少从春秋战国开始，就注意在保持结构牢固、施工迅速的前提下,寻求各个结构部件之间的比例关系,进而使群体与单体、结构与造型之间呈现出和谐与稳定。《考工记》最先记述了一些比例法则,其中使用最多的是2:3。到唐代，结构构件的比例关系更趋完整划一。北宋崇宁二年(1103)由朝廷颁发的《营造法式》对比例法则作了更细微的规定，要求确切使用10:15分，即2:3的基本度量单位设计建筑。2:3不仅接近黄金分割,是公认的美的比例，而且也是材料力学最佳的参数之一，因此称之为材。③　重视环境的内在意境甚于单纯的造型美观。中国传统建筑运用序列设计和环境气氛，获得巨大的审美效果，对世界建筑美学思想作出了重要的贡献。北京的明清宫殿,在长达3.5公里的笔直的中轴线上布置了20多座殿宇楼阁，组成10多个不同气氛的空间，通过节奏的变化，取得了雄伟、震慑的浓重气氛。天坛以苍翠的松柏林海为基调，将洁白的圆丘和湛蓝的祈年殿衬托得突入晴空，形象极为圣洁肃穆。为了深化环境意境，还很重视运用象征手法，以布局、造型形式、形象模拟、匾联题字等，激发人的联想，如天坛的造型、色彩和布局以及许多与天（阳）有关的数字，突出地象征了古代人们对天的认识。承德避暑山庄和外八庙，模拟国内著名风景名胜和蒙、藏地区著名寺院，象征着统一的多民族国家的巩固与发展。建筑美学虽然已经有了很长的历史，但迄今为止的著作远远没有达到与实际存在的艺术现象、审美趣味相适应的程度，特别是关于审美心理学方面的研究更是非常薄弱。

中国建筑在世界上分布地域最广，有着独特的传统风格，各兄弟民族的建筑都有自己的传统和特色，其中汉族的建筑是中华民族建筑的主流。它的美学特征主要表现在3个方面： 　①　建筑的审美价值和它的伦事价值密切相关。建筑的审美标准不仅要求使人感官愉悦，更重要的是恰当地表现形象本身所包涵的伦理的、政治的内容。例如都城的构图表现出体象乎天地，经纬乎阴阳，据坤灵之正位，放太紫之圆方的威仪；宫殿表现天子以四海为家,非壮丽无以重威的气派。从周秦以来,凡城市规制、宫殿、坛庙、陵墓、住宅、祠堂的体量、形式、色彩、用材都有详细的等级规定和礼制理论；有时细微到彩画、雕刻的题材手法，门窗的格纹、瓦饰的式样。这类礼制法规又往往和成熟的形式美法则结合在一起，形成了特定社会时代的内容与形式相统一的和谐感、节奏感以及不同类型建筑的性格和风格。 　②　建筑艺术的形式美直接来源于功能内容和工程实践。中国建筑的形式美首先是它的群体美、序列美。这种总体的艺术气氛又都以满足礼仪和生活实用的要求为基础。即使是一所四合院住宅，它的布局和体量也都体现了封建家族中尊卑、长幼、内外、嫡庶、期服等不同等级人的生活地位和待遇。如北京紫禁城宫殿、天坛、十三陵、颐和园、苏州园林、峨嵋山寺等，它们的艺术形式都体现了它们的功能内容。中国建筑经过长期实践，至少从春秋战国开始，就注意在保持结构牢固、施工迅速的前提下,寻求各个结构部件之间的比例关系,进而使群体与单体、结构与造型之间呈现出和谐与稳定。《考工记》最先记述了一些比例法则,其中使用最多的是2:3。到唐代，结构构件的比例关系更趋完整划一。北宋崇宁二年(1103)由朝廷颁发的《营造法式》对比例法则作了更细微的规定，要求确切使用10:15分，即2:3的基本度量单位设计建筑。2:3不仅接近黄金分割,是公认的美的比例，而且也是材料力学最佳的参数之一，因此称之为材。 　③　重视环境的内在意境甚于单纯的造型美观。中国传统建筑运用序列设计和环境气氛，获得巨大的审美效果，对世界建筑美学思想作出了重要的贡献。北京的明清宫殿,在长达3.5公里的笔直的中轴线上布置了20多座殿宇楼阁，组成10多个不同气氛的空间，通过节奏的变化，取得了雄伟、震慑的浓重气氛。天坛以苍翠的松柏林海为基调，将洁白的圆丘和湛蓝的祈年殿衬托得突入晴空，形象极为圣洁肃穆。为了深化环境意境，还很重视运用象征手法，以布局、造型形式、形象模拟、匾联题字等，激发人的联想，如天坛的造型、色彩和布局以及许多与天（阳）有关的数字，突出地象征了古代人们对天的认识。承德避暑山庄和外八庙，模拟国内著名风景名胜和蒙、藏地区著名寺院，象征着统一的多民族国家的巩固与发展。 　建筑美学虽然已经有了很长的历史，但迄今为止的著作远远没有达到与实际存在的艺术现象、审美趣味相适应的程度，特别是关于审美心理学方面的研究更是非常薄弱。

筑美学(建筑学概念)简介艺术美学和建筑学的重要分支。是建立在建筑学和美学的基础上，研究建筑领域里的美和审美问题的一门新兴学科。虽然建筑伴随人类走过了漫长的道路，但建筑美学的出现却是20世纪的事情。建筑美学以如何按照美的规律从事建筑美的创造以及创作主体、客体、本体、受体之间的关系和交互作用为基本任务，其具体内容是：建筑艺术的审美本质和审美特征;建筑艺术的审美创造与现实生活关系;建筑艺术的发展历程和建筑观念、流派、风格的发展嬗变过程;建筑艺术的形式美法则;建筑艺术的创造规律和应具有的美学品格;建筑艺术的审美价值和功能;鉴赏建筑艺术的心理机制、过程、特点、意义、方法等。根据当前建筑美学的发展趋势，重点是研究建筑美与城乡环境的关系、建筑美的审美效应、建筑美与山水园林的关系等。

　　建筑美学（建筑学概念）简介 艺术美学和建筑学的重要分支。是建立在建筑学和美学的基础上，研究建筑领域里的美和审美问题的一门新兴学科。虽然建筑伴随人类走过了漫长的道路，但建筑美学的出现却是20世纪的事情。　　建筑美学以如何按照美的规律从事建筑美的创造以及创作主体、客体、本体、受体之间的关系和交互作用为基本任务，其具体内容是：建筑艺术的审美本质和审美特征；建筑艺术的审美创造与现实生活关系；建筑艺术的发展历程和建筑观念、流派、风格的发展嬗变过程；建筑艺术的形式美法则；建筑艺术的创造规律和应具有的美学品格；建筑艺术的审美价值和功能；鉴赏建筑艺术的心理机制、过程、特点、意义、方法等。根据当前建筑美学的发展趋势，重点是研究建筑美与城乡环境的关系、建筑美的审美效应、建筑美与山水园林的关系等。

艺术美学和建筑学的重要分支。是建立在建筑学和美学的基础上，研究建筑领域里的美和审美问题的一门新兴学科。虽然建筑伴随人类走过了漫长的道路，但建筑美学的出现却是20世纪的事情。英国美学家罗杰斯·思克拉顿运用美学理论，从审美的角度论述了建筑具有实用性、地区性、技术性、总效性、公共性等基本特征，可看成是建筑美学的创始人。美国现代建筑学家托伯特·哈姆林，提出了现代建筑技术美的10大法则，即：统一、均衡、比例、尺度、韵律、布局中的序列、规则的和不规则的序列设计、性格、风格、色彩等，较全面地概括了建筑美学的基本内容。此外，包豪斯的建筑美学理论与现代主义联系较多，美国建筑大师文丘里则从符号学的角度来探讨建筑的美和审美问题。建筑美学以如何按照美的规律从事建筑美的创造以及创作主体、客体、本体、受体之间的关系和交互作用为基本任务，其具体内容是：建筑艺术的审美本质和审美特征；建筑艺术的审美创造与现实生活关系；建筑艺术的发展历程和建筑观念、流派、风格的发展嬗变过程；建筑艺术的形式美法则；建筑艺术的创造规律和应具有的美学品格；建筑艺术的审美价值和功能；鉴赏建筑艺术的心理机制、过程、特点、意义、方法等。根据当前建筑美学的发展趋势，重点是研究建筑美与城乡环境的关系、建筑美的审美效应、建筑美与山水园林的关系等。

俄罗斯民族早先居住在森林周围，就地取材搭建居所，木材资源又取之不尽，传统建筑是以木造为主。自10世纪末接受基督教后受了拜占庭影响开始出现石造建筑，但多用於公共建筑。然而，俄罗斯人传统的木造建筑技术仍保留下来，混用於石造建筑上。 木造建筑只要用很简单的技术（如接榫、栓合等），较少的人力，即可搭出美观实用的居所，且灵活变化出繁复的造型。在图片中的小型木造教堂位於苏兹达里，可以藉此想像木造建筑的一些特色。撇开最上面的宗教性缀饰不看，它陡峭的斜顶主要是因应寒冷气候的积雪。这座小屋的形式较简单，但木材容易推砌层次，方便增建额外的附属建物，如两侧的翼廊，在其他地方就可以看到从这种基础样式发展出更复杂的外观，如诺夫哥罗城佩列德基村的圣母诞生教堂（→图片连结）。 吸收——石造建筑兴起 988年，基辅罗斯公国的弗拉基米尔大公命令全罗斯人受洗为基督教徒（东正教）。拜占庭的建筑形式随著基督教传入而全面影响占据东欧大半部的罗斯。建材是石造建筑，形式上则是典雅大方高阔端正，这样的主建筑结构搭配多个矗立上端的半圆形顶盖。最早一座典型拜占庭形式的建筑位於基辅的索菲亚大教堂（Sofijskij sobor, 1037年建），它模仿君士坦丁堡的索菲亚大教堂设计。其上方有13个圆顶，后来的建筑逐渐将圆顶减少。初期的圆顶通常较大较扁，后来渐渐往上拉长拉尖，也往旁发展趋饱满；诺夫哥罗城（Novgorod）的索菲亚大教堂是俄罗斯第一个洋葱顶的教堂。 这种建筑形式最主要目的，就是一切以神为依归，塑造庄重典雅伟大高尚的气氛，让信徒心生崇敬之感。在那个多神信仰的时代，对於一般老百姓，的确有此神胜过一切的感受。 拜占庭的建筑形式影响深远，直到18世纪初彼得大帝西化政策之前，都是大型宗教建筑的主流形式。在莫斯科的克里姆林宫内的主要教堂圣母安息大教堂（Uspenskij sobor, 1475-1479年建），就可以看到这个影响力。 蜕变——塔形式样结构与民俗浮雕 早先，宗教建筑是一个民族部落或国家集会议事的地方，凝聚共识的标志。随著执政当权者的人事更替，宗教建筑的形式亦跟著新政权的意识型态调整。1132年，基辅罗斯公国分裂，基辅的政治地位没落，取而代之的是东北方的弗拉基米尔-苏兹达里公国。位於於弗拉基米尔城郊外的涅尔利河圣母代祷教堂（tserkov Pokrova na Nerli, 1165年建），从中已经可以看出俄罗斯宗教建筑渐渐摆脱拜占庭的拘谨形式。首先，很明显的，它的独立塔形建筑样式是一大突破。下半部结构缩小了，但维持了拜占庭的优点，是近乎完美均衡的正立方体，每个立面的三等份切割是典型的基督教数字观念，代表圣父、圣子、圣灵；其上跳脱而起的塔楼则象徵三位一体至高无上唯一的神，让信徒望之崇敬。其次，教堂外墙的浮雕则是将俄罗斯木造建筑的雕刻装饰手法体现在石造建筑上，它不同於罗马的浮雕注重宗教意义浓厚的纹饰图案，而采用俄罗斯民间木造房舍广为流传的雕刻母题，如花草、鸟、兽等来点缀墙面。 社会的经济变化也影响了宗教建筑的形式。以往多半由社会上层的统治者与贵族兴建教堂，社会富裕后，商人与一般平民也能集资兴建；也因此，教堂体型变小，装饰趋平民化。这座涅尔利河圣母代祷教堂小巧可爱又不失端庄，圆顶饱满比例完美的程度是我所见过最难以抗拒的轮廓之一，彷佛青春洋溢健康自信的女人。不相信的话，各位可以比较一下每座教堂的圆顶，事实上都同中有异，有的扁扁垮垮似露水落地将溢出（过气了），有的尖尖翘上宛如拔丝洋葱（过头了），有的线条刚毅得像一团烈焰（过火了）。这座建筑融合了拜占庭的端正气度与俄罗斯活泼的民族气质，它也成为塔形建筑的模范样式，从此俄罗斯宗教建筑乐於仿效之。此外，教堂位於小溪流旁，大片草原上，如此悠然清新的情境，使它成为我最喜爱的教堂之一。 位於弗拉基米尔城中心的德米特里耶夫斯基大教堂（Dmitrievskij sobor, 1197年建），结构造型与涅尔利河代祷教堂几乎一样，只是体态轮廓线条稍大稍粗。外墙浮雕装饰则是此建筑最大特色，它比以往的教堂更多样丰富，且几乎占满了整个外墙；上面除了宗教人像外，还有花草鱼虫鸟兽，甚至还出现类似人面兽身图纹，如此初民社会的泛神观图腾并不符合基督教义中禁止偶像崇拜的教条。基督教圣徒像穿插其中甚是突兀，但也充分显示俄罗斯正教走向自我风格的趋势。这样大胆夸饰的外墙，使它成为中世纪俄罗斯教堂建筑的一个经典作品。我个人是觉得它太花俏了一点。 实现自我——木造建筑形式的发扬光大 木造建筑或许有一百个优点，但是抵不住唯一的致命缺点——易遭焚毁。因此，后来的公共建筑，多改用石造。而俄罗斯民族长久以来擅长的木造建筑技术是他们引以自豪的，因此俄罗斯工匠们巧思运用於石造建筑。他们不仅在形式上找出俄罗斯建筑的特点，更在思想内涵上追求俄罗斯的精神。 1480年，俄罗斯正式脱离蒙古鞑靼的统治。俄罗斯人民刚获得自主权的心理，正好酝酿出新建筑形式的气氛，而且是能够提升俄罗斯民族自信的那种形式。甫兴起的莫斯科公国利用这个情势，推展了俄罗斯传统的建筑形式。 最鲜明的例子是莫斯科郊外的科洛缅斯科伊村（Kolomenskoye selo）的基督升天教堂（tserkov Vosneseniya, 1532年建)，其帐幕式顶盖的主塔楼高60公尺，耸立於莫斯科河畔，俯瞰来往车船人潮。八角形主塔楼腰部的外围，层层叠砌著洋葱形剖面的壁龛——这些由木结构概念演变来的多层次扁平化壁龛，使塔楼看起来不仅显得有向上攀升的崇高美感，且兼有稳固坚实之力量。这样的装饰对俄罗斯还有另一层意涵——它远远望去就像是一个个战士的头盔，将主塔楼团团围住护卫著。这个主塔楼不仅是宗教上唯一真理的象徵，美学上崇尚高雅的理想，还有俄罗斯民族团结合一抵御外敌的意义。 那个时代正值莫斯科公国的瓦西里三世执政，迎合人民企盼统一团结的意识强烈，建此俄罗斯民族意识十足的教堂，其政治意义大於宗教。 教堂下半部基座呈十字型，由两层的连续曲折回廊组成，发挥了木造建筑的特点，以曲折繁复堆叠镂空的手法，使它的样貌看起来像是巨树基部的盘根错节，将信徒与土地牢牢地结合在一起。总体看来，它一方面揣摩传统乡村房舍的样貌，有亲近感；另一方面试探了人民对美与真理的崇高梦想，吸引俄罗斯大众团结在一起，透过共同信仰与神通达，创造繁荣生活。 这样的形式完全违反以前圆顶教堂的平和流畅风格，却开展了俄罗斯建筑的新局面。编年纪中关於这座教堂的记载：「它实在是高耸、美丽、明亮得太神奇了，罗斯从未有如此的式样。」 成熟——攀至颠峰 说到俄罗斯建筑，不论你是远从国外至莫斯科的游客或只是在家里电视杂志上，相信一定都看过红场上的圣瓦西里大教堂。它那挺拔耸立、色彩缤纷、外形多变、缀饰繁复的外观，几乎已经成了俄罗斯建筑的刻板印象。伊凡四世为庆祝攻下喀山汗国，於1555-1561年间建此教堂以资纪念，夸耀自己的成就，贯彻了中央集权的君主威信。它与上面的基督升天教堂一样，作为政治纪念碑的意义大於宗教意义。 这座教堂是16世纪俄罗斯建筑的代表作，不论在艺术形式或思想内涵上，它都达到了创作的极至表现。建筑师为俄罗斯工匠。整个建筑由九个塔形结构组成，分三层次坐落於米字形平面上，中央最粗大的塔覆以帐幕式顶盖，纵横十字轴上的四个次大，对角线ㄨ形的四个最小最低。下面的基座有回廊，但较简单。这个建筑概念可以说是从基督升天教堂的原型发展而来的，只是更丰富了些。 教堂看起来，空间层次丰富，每个塔造型互异、装饰繁复，上端的洋葱顶色彩更迭多变，营造出欢乐快活的胜利气氛。外面八个围绕中央高耸的主塔楼，象徵俄罗斯的统一大业，各地区民族拥护中央至高无上的地位。而中央的帐幕式塔楼领导外围的圆顶式塔楼也意味著俄罗斯传统建筑美学的自信。事实上，这座教堂的多塔式建筑形式是个异数，在俄罗斯本土也甚少有类似的造型。 归纳下来，可以发现俄罗斯传统建筑的几个特色：从木结构发展出来的技巧，如层次叠砌架构与大斜面帐幕式尖顶，还有衍生而来的外墙民俗浮雕；另外，独立的塔形结构与堆砌成团的战盔形剖面装饰则是时代背景下的产物。 18世纪初，彼得大帝彻底实施西化政策，此后，俄罗斯建筑渐渐跟上欧洲的脚步，发展出的风格样式也都与欧洲类似。然而，或多或少，都可以在其中找到上述建筑特色的踪迹。

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建筑学是比较专业的，他们应该是从建筑学的角度结合古典审美来理解

国传统建筑文化历经数千年不辍的发展，形成了内涵丰富、成就辉煌、风格独具的体系。从世界建筑文化的背景来比较，我国传统建筑文化的一个极为显著的特点是，各种建筑活动，无论是都邑、村镇、聚落、宫宅、园囿、寺观、陵墓，以至道路、桥梁等等，从选址、规划、设计及营造，几乎无不受到所谓风水理论的深刻影响。 　　近代以来，中国学术大都借助西学方法来整理研究，很长一个时期，凡与当时西方科学技术抵触的传统学术而被人们鄙薄和摒弃。在中国古代建筑历史的研究中，直至2005年中国成立官方研究机构（中国建筑风水文化专家委员会）以前，从未有过这方面的深入探索，以致风水理论的渊源、沿革、宗旨、内涵及其对我国古代建筑实践与理论的影响、价值，都因此成了未曾揭示的学术空白。 　　近几十年来，我国古代建筑历史的研究，虽然在很多方面，都有长足的进展，成就瞩目，但也明显地存在着空白和缺环。在营造学与造园学之外，有关中国古代建筑美学、设计思想、理论与方法等方面，就一直缺乏深层次的系统理论揭示。 　　中国古代建筑在空间环境的整体处理方面，其中包括人文景观同自然景观的有机结合、大规模建筑群的空间布局组织，有着与古代及近代西方建筑完全异趣的的极高艺术造诣和成就，这种实践成理论指导就是传统风水理论。 　　自本世纪50年代以来，西方工业发达国家经历了所谓“人口爆炸”（Population）、“环境污染”（Pollution）、“资源枯竭”（Poverty）的“三P危机”，同时由于自然科学与社会科学的巨大进展，从“信息论”、“控制论”、“系统论”，到“环境工程”、“生态工程”等等，整个学术思潮，较之以往，发生了重大转折，盖因重视人与自然的有机关系。当代建筑思潮也随之发生了显著变革，规划设计思想、理论、方法及实践由以往注重单体艺术处理，注重形式美，趋向于注重群体及整体环境的处理，包括生态及自然景观;注重人与自然的和谐而不是对立;注重建筑作为文化载体及传播媒介的精神功能，包括符号机制、历史文脉等等。 　　在这种学术思潮影响下，不少西方学者注目于中国传统文化，用来比较西方文化，进行反思，探索未来发展趋势。当代耗散结构理论创始人普里高津（I·Prigogine）指出：“西方的科学家和艺术家习惯于从分析的角度和个体的关系角度来研究现实，而当代演化发展的一个难题恰恰是如何从整体的角度来理解世界多样性的发展。中国传统的学术思想是着重研究整体性和自发性，研究协调与协同。现代科学的发展，……更符合中国的哲学思想。”他预言：西方科学和中国文化对整体性、协同性理解的很好结合，将导致新的自然哲学和自然观。 　　在建筑历史与理论的研究中，不少西方学者也因此更为注重中国传统建筑文化，从早期对于风格独异、情趣别具的古代中国建筑艺术的研究，转向其传统理论的探索。人们看到，“欧洲艺术界在艺术中背弃大自然的根本概念，已有千百年之久了。西方人想象他们自己与自然是对立的。东方显示给他的真理是，他自己本身，并非同自然及其伙伴分离，而是与之一体。在西方，人与环境间的交互感应是抽象的；在东方，人与环境间的关系是具体的、直接的，是以彼此之间的关系作基础的。在东方，经过四千年连绵不断的传统，土地规划与组合的艺术与科学，业已发展到有力而微妙的程度，而这种程度，在欧美实验开拓计划中，均属罕见。当代杰出的科学史家、英国学者李约瑟（Joseph Needham），则据此直言不讳地指出，风水理论对于中国人民是有益的。他强调说：风水理论包含着显著的美学成分和深刻哲理，中国传统建筑同自然环境完美和谐地有机结合而美不胜收，皆可据以得到说明。他论及“中国建筑的精神”，特别对风水在中国传统建筑文化中引起的显著现象作了概括，认为：“再没有其它地方表现得像中国人那样热心体现他们伟大的设想‘人不能离开自然"的原则……。皇宫、庙宇等重大建筑自然不在话下，城乡中无论集中的，或是散布在田园中的房舍，也都经常地呈现一种对‘宇宙图案"的感觉，以及作为方向、节令、风向和星宿的象征主义。”风水理论的“重新发现”，在英、美、法、德、日等很多国家，引起了学者们浓厚研究兴趣，深入探索，取得不少成果。重新考虑它的本质思想和它研究具体问题的技术，对我们今天来说，是很有意义的”。 　　风水又称堪舆，或称卜宅、相宅、图宅、青乌、青囊、形法、地理、阴阳、山水之术，等等。探析它的渊源沿革，正如古代许多学者以及风水家考证的那样，最早的“卜宅之文”在商周之际或更早即已出现，见载中国最早文献如《尚书》、《诗经》等若干篇章，都是有关古代先民选址和规划经营城邑宫宅活动的史实性记述。分析这些被历代风水家奉为风水“经旨”的史实记载，对照风水理论及其实践，则后者虽因历经长期发展变革而趋于繁复纷杂，但其宗旨即基本追求，却与前者一致，就是审慎周密地考察自然环境，顺应自然，有节制地利用和改造自然，创造良好的居住环境而臻于天时、地利、人和诸吉咸备，达于天人合一的至善境界。 　　正是基于这一基本追求，在风水理论及其实践的长期发展过程中，积累了丰富实际经验，也通过理论思维，并汲收融汇了古代科学、哲学、美学、伦理学，以及宗教、民俗等等方面的众多智慧，最终形成内涵丰富、综合性和系统性很强的独特理论体系，集中而典型地代表和反映了中国传统建筑环境科学与艺术的历史真知，非其它学术可以取代。这一理论体系，更以其世俗化，深深植根于古代社会的各个层面，因此实际上能对传统建筑的选址、规划布局和经营建设，起到指导作用，以至于上至京都、皇家宫苑、陵寝，下至山村、民舍、坟茔，都曾统一在风水观念下，一气呵出，与传统的营造学、造园学互为表里，相辅为用，对中国传统建筑文化产生了普遍而深刻的影响，形成了迎别于其他各国建筑文化的鲜明特色，取得很高成就。 　　风水理论及其实践与中国传统建筑文化结下不解之缘，首先在于风水理论具有一定的科学性。 　　比如微地形对小气候及生态环境的影响，就极为风水所重，概括成有利的选址模式，比喻为“穴”，如针灸中人体上的穴，一般是三面或四周山峦环护，地势北高南低，背阴向阳的内敛型盆地或台地；甚至人工经营的地形，也准此模式。这种“穴”的典型模式，被认为是“藏风聚气”、利于生态的最佳风水格局，论谓：“内气萌生，外气成形，内外相乘，风水自成”；注云：“内气萌生，言穴暖而生万物也；外气成形，言山川融结而成形象也。生气萌于内，形象成于外，实相乘也。”实际阐明了微地形、小气候、生态和自然景观的依从关系。这种认识，是完全科学的。如我国近几十年来探索在亚热带种植橡胶树，在海南、云南西双版纳等地所发现适宜橡胶树生长的微地形、小气候特征，就正与风水所谓“穴”的典型格局，在性质上完全一致。而值得指出的是，这种发现，还是在经历了无数失败与成功的比较，经过分析研究，才认知的。如果风水理论研究不被摒弃在现代科学研究大门之外，或许，这种探索过程将会大大缩短。 　　又如类似的实例，即地方病与水土、地形地貌及地质构成的关系。我国东北、西北、西南有克山病、大骨节病等地方病多发，长期未能发现其病因;最后转而研究地理生态环境，发现，虽在同一地区，因地形地貌及水土物理化学性质上有差别，竟会有重病区、轻病区和非病区的明显不同。而把大量的调查结果同传统风水理论比较，则可发现，如果按照风水关于相土尝水、地形地貌、水文地质各方面选择标准来权衡，其吉利者，恰恰在非病区;而病区，尤其是重病区居住基地的水土环境条件，却也正是风水视为诸多不吉的地方。由此一斑，也可看出，风水长期为古人倚重，是有道理的。这方面的丰富经验和理知，无疑也应如对待传统医学即中医一样，是应当加以认真发掘整理和研究运用的。 　　值得重视的是，由于风水注重人与自然的有机联系及交互感应，因而注重人与自然种种关系的整体把握，即整体思维，虽然往往有失粗略，却不乏天才直觉，很早就能引出堪与当代诸如生物圈或生态学等综合性、系统性科学的理论相契合的真知灼见。例如风水之注重“水”、“风”、“土”、“气”，种种有关论述，以至其模式化的表达形式，同当代科学注重地球生物圈中水循环、大气循环、土壤岩石圈及动物植被等生态关系，以及一些重要概念或理论的模式表达相比较，就往往表现出惊人一致。　　风水在科学上的价值，不仅涉及古代中国，而且惠及整个人类文明进程的，无疑要属指南针的发明和磁偏角的发现。已有的研究业已清晰揭示，这一伟大的历史贡献，正是中国古代的风水家，在他们体国经野、辨方正位，即在建筑选址规划及经营时，为选择最佳方位，以臻天时地利人和的完善统一，在这职业活动中通过不懈地追求和探索而完成的。风水功不可灭，应当发掘研究，仅此一斑，也是有价值的。事实上，已有的研究成果，正需要进一步深入和完善，尤其需要对大量载录了指南针发明应用史料的传世风水著述，进行严肃审慎的考证研究。 　　风水深深植根于中国传统文化，在对建筑环境的选址规划中，还极为重视自然景观的审美，讲究建筑人文美与环境自然美能达到和谐有机的统一，在理论和实践方面，表现出很强的美学性质，显示出中国传统文化的鲜明特色。实际上，和西方文化比较，发现自然美，研究自然美，在西方是迟至文艺复兴之后的事;而在中国，由于农业文明的早熟，自然美很早就被发现并被重视。在古代文人那里，对山川自然的审美观照，远在春秋战国时期，就发展成为“知者乐山，仁者乐水”，寄情山水的审美理想和艺术哲学。而风水家自诩为“山水之士”，秉承这种文化传统，并在其理论和实践中应用发挥，成为传统美学与建筑实践的中介，观照山川自然美而巧加人工裁成，赋予中国传统建筑及其整体环境以深永的美学气质。正因风水的这一追求与古代士人“山水之乐”的审美情趣相为表里，而风水更能以其娴熟细腻的实际处理技巧，使对自然的审美观照，得到细致入微的表现，因此，不少文人青睐风水，虽则大儒也推崇此道：“世有选择之法，不能不用之”，也就并不是什么奇怪的事了。 　　风水的明显美学成分，最易为人注目，所以在有关风水理论的研究中，往往揭示也较多，后面不少论文，也在这方面有很多具体论述，这里不妨补引几阙古代文人的卜居诗，既可见风水意向，更可明了风水为很多士人倚重的原因。 　　例如谢灵运《山居赋》：“抗北顶以葺馆，瞰南峰以启轩。罗曾崖于户里，列镜澜于窗前。因丹霞以赤眉，附碧云以翠椽。视奔星之情驰，顾飞埃之未牵”。又谢灵运《田南树园激流植援》：“中国屏氛杂，清旷招远风。卜室比北阜，启扉面南江。激涧代汲井，插槿当列塘群木既罗户，众山亦对窗。靡迤趋下田，迢递瞰远峰。……赏心不可忘，妙善异能同。”再如杨万里《东园醉望暮山》：“我居北山下，南山横我前。北山似怀抱，南山如髻鬟。怀抱冬独暧，髻鬟春最先。松鬈沐初净，山葩插更妍。我来犹斜阳，我望忽夕烟。一望便应去，不合久凭栏。山意本自借，如何许人看。急将白锦障，小隔青鬓颜。近翠成远淡，缥缈天外仙。谁知奇绝处，正在有无间。倾刻万姿态，可玩不可传。” 　　模式的“龙”、“砂”、“穴”、“水”种种意向，都有相当明晰的反映。应当指出的是，风水理论注重实践，以其理论指导山水选择，因“山川之情性不一，龙穴之位置各陈”，故“因形立名，顾名思义，不在标奇，贵乎近理”，俾能“相江山而择吉，晓人有法”。所谓龙、穴、砂、水等等术语名词，实际都是引类譬喻，赋形以象，寓象以情，原其本始，洞其化分，巧其配合，致用于千态万状的山川自然环境及景观构成的实用分析方法。而这种审辨山水的模式化方法，对古代山水美学的发展，曾作出了有益贡献，并产生了深刻影响。 　　例如现存较早的风水名著《管氏地理指蒙》指出，风水之审辨山水，靡不“以人之意逆山水之意，以人之情逆山水之情”。这与宋邵雍“山水之情亦由人之情也”；清李渔“才情者，人心之山水；山水者，天地之才情”等等常为今天美学家引微的名言相比较，前后一脉，是相当清楚的。此外，由于缺乏对风水理论的研究，很多有关传统风景园林理论的研究，常常不得不转而借用古代画论、文论的诸多论说。殊不知，传统画论、文论，恰恰从风水理论汲取了不少营养。典型如宋代郭熙《山水训》，其山水审美理论最受今人重视，但事实上，郭熙“少从道家之学”，明显汲收了传统风水理论的有关成果。诸如《山水训》中“真山水之川谷，远望之以取其势，近看之以取其质”;“大山堂堂，为众山之主……为远近大小之宗主也”，“如君臣上下也”;“山以水为血脉，以草木为毛发”;等等审辨山水之法及譬喻，都显然来自风水理论。 　　在另一方面，也不能排除风水理论从画论、文论中汲取智慧的事实。例如风水名著《青囊海角经》有谓“结穴”：“如画工丹青妙手，须是几处浓，几处淡，彼此掩映，方成佳景”，就明确显示了风水从绘画寻得借鉴的事实。从古代传统看，著名建筑哲匠往往既精绘画，也通风水，而很多文人则诗文、绘画、建筑、风水，皆有雅志，因此，画论、文论与风水理论互为表里，也是情理中事。例如清代乾隆时曾在圆明园内作画的法国传教士韩国英（P·Pierre Martial Cibot），就曾指出当时设计营造皇家宫苑的中国建筑师或园艺师，往往富于艺术家、哲学家的很高修养。而他引徽一位哲匠刘舟关于园林选址意向的叙述，则清晰显示了风水的美学情趣：“他们首先追求的是空气新鲜，朝向良好。土地肥沃;浅冈长阜，平坂深壑，澄湖急湍，都要搭配得好;他们希望北面有一座山可以挡风，夏季招来凉意，有泉脉下注，天际远景有个悦目的收束，一年四季都可以返照第一道和末一道光线。”参照清代著名建筑世家样式雷的事迹及遗存图档，可以看到，韩国英关于当时建筑师的记述，是相当真实的。见载清代档案，世代供役于皇家建筑规划设计事务的样式雷，每有宫苑、陵寝等设计规划，实际都要与钦派风水官员同赴实地相度风水，还要绘制专门的风水地势画样;至其家传、抄录或自编的风水著作，也至今遗存（北京图书馆样式雷图档）。 　　从上述种种事实看，研究中国古代建筑，探讨其美学思想、理论及方法，包括风景园林理论在内，是不能不深入研究风水理论的。山水自然景观的评价与选择，是风水理论的重要内容。毫无疑义，深入发掘研究，对丰富、深化和完善中国古代建筑史的有关课题，是可以取得丰硕成果的，也可以澄清迄今建筑史界一向多属推测的问题。 　　例如人们注意到，明十三陵神道婉蜒在山峦环抱的盆地中，略偏向体量小的山峦而距大者稍远，以使左右远山的体量在视觉上感到大致均衡。人们认为，这种细腻处理，显然是从现场潜心观察琢磨出来的;重视直观效果，这是古代建筑艺术的宝贵经验。这种判断，当然合理，但却无视了古代实践是有严密详缜的理论指导的历史事实。在风水理论中，对峰峦延展、远近、大小、离合，及至方圆曲直锐不同形象及视觉感受效果和布局处理，都有相应的系统理论阐析。十三陵神道与山水相称的意向也是如此，无庸赘引，只是“左崇而有实，右胜而左殷”，言简意赅的一句，问题即可了然。又如南京明孝陵与中山陵的环境设计，包括生态小气候及自然景观，也全可以由风水的有关理论得到明确阐释。北障陵寝为底景的后龙能挡风，迎纳阳光，夏季招来凉意，使天际远景有个悦目的收束，等等，自不必言。左右阜丘环护，称为青龙、白虎二砂山，论谓：“以其护卫区穴，不使风吹，环抱有情，不逼不压，不折不窜，故云青龙蜿蜒，白虎驯俯。”而居于陵寝南面为对景的岗峦，近称案，远称朝，有论;“穴前无山测一望无际为前空”;“易野一望无际，有近案测易野之气为之一收”。这些论说，具有理论价值，是不言而喻的。 　　在古代，风水理论又被称为“理义之术”，实际是因为风水理论妥善观照了古代社会的伦理道德观念，并在建筑实践活动中贯彻始终，能契合并满足世俗观念及现实生活的种种需要。这也是风水理论及其实践能长期生存发展的基本原因。 　　风水理论注重宅居，视宅为“阴阳之枢纽，人伦之轨模”。从当代居住现象学的理论来观照，前句概括了居住的自然属性，即自然居住的定向与认同，表现为风水审辨自然环境的科学性与艺术性;而后句即“人伦之轨模”则包涵了社会居住定向与认同的意义。所谓定向，就是在自然或社会存在中确定自身的存在、自身的位置，获得“存在的立足点”，亦即“住所”;所谓认同，即人赋予环境以意义，人与环境相同一，人对环境有“归所感”。汉代刘熙《释名》论“宅”：“宅，择也，择吉处而营之也。”其“择”、“吉”，就指有自然居住与社会居住的定向与认同意义。 　　重要的是，风水理论有关社会居住定向，观照“修身、齐家、治国、平天下”的传统社会定向观念，强调“宅者，人之本。人以宅为家，居若安，则家代昌吉”。由这“正家，而天下定矣”的定向，于是有宅居模式的普适性：“坟墓川岗并同兹说，上之军国，次及川郡县邑乃至山居，但人所处，皆其例焉”。中国传统建筑文化最大特色之一，即各类建筑均表现出与宅居模式的同构现象，固然可以从封建社会家国同构的社会形态中揭示原因所在，但在传统建筑理论中得到反映，像风水理论这样明晰的阐释，对直接揭示这一建筑文化现象的底蕴，也是十分难能可贵的。 　　此外，传统的社会定向观念，强调;“礼，序也”，“礼别异，卑尊有分，上下有等，谓之礼”，并视宅舍宫室为“礼之具也”。而风水理论对此不无观照，以其论门庭。比屋、截路分房、穿宅之法、三要六事及造屋次第诸说，具体而微地将社会居住秩序的礼制伦常观念同建筑实践结合起来，因此形成了中国传统民居以至宫廷内苑浓郁的礼制伦理色彩。有关社会居住的认同，风水理论观照“非宅是卜，惟邻是卜”的传统观念，在宅居邻里关系的处理上，也有缜密细腻的考虑，既兼及宅居的私密性、识别性，也以“忌背众”，以及“阳宅外形”论诸如座向、门户、墙垣、屋角、放水等种种细致讲究，有效调节了居住聚落建筑空间环境的和谐性。这种社会认同，也表现为社会性审美，“约定俗成谓之宜”，风水理论强调“治宅极宜壮实”，“位次重叠，深远浓厚”，又讲究“适形而止”，“充实”、“清净”为美，还大量采用了为世俗观念认可和喜闻乐见的各种象征、隐喻乃至禁忌的艺术形式，很多工匠民俗也融汇其中。这种社会认同，实际上乃使风水理论及其实践，是在公众参与的背景下，得以创造出遍及中国城乡，饱浸着乡风民俗，新鲜活泼、丰富多彩，并历来为世人喜闻乐见的民居艺术，并以各种形式脐身于上层社会以至宫廷建筑之列，成为中国传统建筑文化中的重要内容。至于陵墓，即风水所谓的阴宅，作为理义之术的风水理论，出于“养生送死”，“慎修追远”，“事死如生”的传统观念，也备极重视。除观照阳宅即生人宅居的种种意向外，作为传统文化中的纪念性建筑，也有其独特的讲究与处理。而应当着重指出的是，中国古代陵寝有筑陵以象山，因山为陵，或依山为陵的传统，概称山陵;山陵艺术的创作，实际是“总以地臻全美为重，不在宫殿壮丽以侈观瞻”，“遵照典礼之规制，配合山川之胜势”，“陵制与山水相称，难概同”，等等，一言以蔽之，建筑是居于从属地位的，而以自然山水为创作主体。为何如此？观照历代陵寝遗存，多可从实际体验中获得理解，并据以推测分析，引出合理结论。例如唐高宗李治及武则天的乾陵，至今建筑荡然无存，而身临其境的中外建筑师、建筑史家，仍莫不为其犹存艺术意境的极大媚力所强烈感染，甚至抚膺叹绝。而这种意境，其创作思想理论和方法，不是出自推测，而是出于本原，从风水理论的研究中得到明确揭示。 　　风水理论在人的生死观上，不过认为人是自然生态链上的一环，有谓：“万物不能越土而生，人亦万物中一物”;“人由五土而生，气之用也;气息而死，必归葬五上，返本还原之道也”。故“葬者，乃五行之反本还原，归根复命，而教化之变达也”。至于孝亲法祖，敬把先贤，以其立功、立德、立言于后人，风水理论观照“比德山水”的传统艺术哲学，则追求“葬者，反本而归藏也，奉先以配五土，而一体于青山”;“配祀者，遗骨与青山相配，从而祀之”;“附享必致其归依，虽形骸之已化，配江山之莫违”。简言之，就是青山埋忠骨，青山长在，英灵不灭，以锦绣山川的永恒崇宏，生生不息，来寄托后人对于先贤的缅怀和景仰。这种追求，与荫福后人的迷信不可同日而语，是一种高级的审美境界，也正因此，才产生了中国古代陵寝永具媚力的成就。 　　在有关传统建筑设计思想、理论和方法的揭示方面，这本专辑里还有论文对古代城市规划、外部空间设计、建筑心理场等等问题，从风水理论的研究中，引出了可以很好地弥补以往学术空白的重要成果，说明了风水理论研究的价值。例如具有外部空间设计理论性质的风水“形势”说，以其观照我国古代大规模建筑群，如北京城，其中即使具有轮廓线性质的高大城楼，亦或位居九五之尊的太和殿，为何尺度往往未逾百尺？如广场尺度一般又少逾千尺？还有单体、群体的组合关系，建筑景观近、中、远的视觉感受效果及其艺术处理，等等，对这些以往研究多属惑然或推测的问题，都可得到明晰阐释。观照于当代建筑理论与相关科学的成果进行比较，可以确信，风水形势说的理论，既具有严密精审的科学性，更具有表述精炼、富于辩证观的特质，并不稍逊于当代相关理论。 　　总之，已有的研究成果，是令人欣慰的，也是引人入胜的。风水理论应当研究，也值得研究，是不言而喻的。当然，应该着重指出的是，风水理论不乏迷信色彩，和一切传统文化一样，更不乏糟粕，尤其在风水的一大流派理气宗，在民间流行的风水术中，更其如此。但历史上，风水从来就有流派之分，如形势宗和理气宗;也有雅俗之分，正同中国古代历来有土文化与民俗传承，有宗教迷信和无神论一样。素有“子不语怪力乱神”、“敬鬼神而远之”优良传统的中国古代士人，事实上也每每涉入风水理论，一面无情批判其迷信无稽之说，一面也弘扬其合理内涵，促进了它的发展。自汉以来，如张衡、王景、郭璞、萧吉、李淳风、吕才、一行、王诛、朱熹、蔡元定、刘基，及至晚清的魏源、翁同和等等大学者、大文人致力于风水，就是典型。　　由于社会发展水平和科学水平的限制，风水理论也同一切传统学术一样，没有发展成为完全科学的理论体系。此外，在专制的封建时代，为维护职业生存及尊严，往往也不得不披上神秘外衣。同时，在风水所观照人与自然环境交互感应的很多事象，也未尝没有如中医之经络或气功一类的天才直觉或潜科学成分，以至于以今天的科学也未必全能揭示其真缔。这些，当然都是今天研究风水理论应当正视的问题。重要的是我们应当尊重古人而不苛求古人，以今天的科学认识论为武器，去发掘和揭示传统建筑文化的奥秘，去粗取精，去伪存真，以发展具有中国特色的现代建筑理论及实际创作，为崭新的当代中国建筑文化走向世界作出贡献。

0 概述 　　建筑是人造世界的一个组成部分，因此，它既要满足一定的使用功能，又要满足一定的审美要求。中国传统文化讲求“天人合一”，崇高自然，与自然相融相生，所以，几千年来，中国建筑一直以木构架建筑房舍宫府，形成了我国独特的木建筑文化。而西方古典建筑的特点是：建筑功能比较简单，建筑类型不多， 从建造手段看主要是石结构，人们常把建筑看成是石头的史书。我们可以看到，由于传统建筑文化和历史发展的差异，造成了中外建筑审美观念上的差异。 　　1 中西方建筑美学差异 　　中国古代的单体建筑形式比较简单，大部分是定型化的式样，孤立的单体建筑不构成完整的艺术形象，建筑的艺术效果主要依靠群体序列来取得。以孔子为代表的儒家创立了一整套等级森严的伦理规范，直接影响了中国传统建筑的型制和布局，传统建筑讲究中轴对称的平面布局和秩序井然的伦理营构，以组群布局的方式在平面上开也体现了“儒家”的尚大精神，进而形成中华传统建筑的尚大性格。从古代都城、宫殿、寺庙、还是皇家园林以至居民的组群建筑莫不如此。从群体到个体，从整体到局部，都十分关注尺度、体量的合理搭配，讲究空间秩序的巧妙组合，营造出一种和谐圆融之美。使组群既能在远观时给人以整体性的恢宏气势和魄力，又能在近观时予人以局部的审美情趣与亲和感。 　　西方古典建筑，无论是埃及的金字塔、希腊的帕提侬神庙、罗马的凯旋门、印度的泰姬陵，还是西班牙最著名的吉拉尔达塔、君士坦丁堡的圣索菲亚大教堂、法国的巴黎圣母院、意大利的比萨主教堂钟塔，则更注重于单体的外部造型和体量上的巨硕突兀。它们往往以超人的尺度，极力渲染那种对于宗教的迷狂和敬畏之感。 　　2 中西建筑美学差异缘由 　　中西方建筑的差异主要是中西文化的差异所决定的，文化传统的不同反映在建筑风格上有着不同的和谐之美，也就是中西建筑文化的差异，中西不同的文化造就了中西名族不同的价值观，在建筑上就体现出不同的建筑风格：中国的建筑文化重人，中国文化重道德和艺术，中国文化重融合，同时，中国的名族风格是含蓄、和善、仁慈等多种人文风格；西方文化重物，较重视科学与宗教，重视不同时代或多种流派的独特精神。 　　精神现象总是与空间意识紧密联系的，大多数学者认为西方文化浓厚的空间意识，与最早发源于其特定的自然地理背景有关。作为西方文化重要发祥地的古希腊，代表了地中海文明的灿烂辉煌。浩瀚的地中海上散布着众多岛屿，互不连续，互相分立，其农耕混合制经济与渔业活动使生活在这里的西方民族对地理方位、空间布局的感受较强，极容易产生强烈的空间感受。古希腊众多的岛屿相对隔离，无形中孕育了古希腊民族的空间观念，积淀了其“纯空间”的潜意识。多变的地形，客观上在西方人观念上造成了“空间是可以被限定的、有限的”思维定势与认识模式。而生活在农耕地理环境的东方人，在平缓绵延的冲积平原上，日出而作，日落而息，生活很有规律，劳作相当有序，过着日复一日、年复一年的循环往复的田园生活。其单一农耕型的经济结构，对四季变化依赖较大，人们容易产生强烈的时间意识。 这种不同的时空观自然影响到建筑风格的差异，中国传统（古典）建筑文化偏重于建筑群体的时间因素，西方传统（古典）建筑文化则强调建筑单体的空间因素。由于东方各民族多生息于大河流域，生活环境比较优越且相对稳定，生存环境又处于同外部世界相对隔绝状态，因此东方民族多养成清静淡泊、自然无为、温顺好养、追求和谐等文化特点。西方民族生活的地理环境较差，且生活方式不稳定，时常要与自然抗争，与外敌斗争，故形成拼搏、竞争、重实、求真等文化特点。同时，东方民族生活的地理环境属于季风气候，雨热同季，大河冲积平原土壤肥沃疏松，灌溉便利，光热水土诸自然因子组合良好，农耕生活节奏稳定而有序，遂产生“天人合一”、“中庸”等思想；希腊等地中海地区欧洲民族，气候属夏干冬雨的地中海式气候，土地贫瘠，光热水土自然因子组合不谐调（西欧的自然因子亦欠谐调），加之海上生活常常与狂风恶浪搏斗，故产生“天人相分”、“人定胜天”等思想。这种文化观念反映在建筑风格上，中国传统建筑比西方传统建筑更加注重与自然环境的和谐，风格上也相对平和、含蓄一些。 　　3 小结 　　在建筑研究中应该运用整体思维，进行纵横的比较分析。中西方传统建筑在各自思想、文化的基础上形成了不同形态，在本体认识的差异上， 中国人重视整体的和谐，西方人重视分析的差异。中国哲学讲究事物的对立统一，强调人与自然、人与人之间和谐的关系。而西方哲学主张客观世界的独立性，主客观分离，相反而不相成；对待自然也有着不同的态度，西方的叫作机械的自然主义，中国的叫作有机的自然主义。 　　在21 世纪全球化的环境中，通过比较中西文化之间的差异对建筑造成的影响，即对中西文化的差异的脉络有了基本了解，也更加明确了中西建筑在各个方面的差别和造成这些差别的原因，我们应继续加强各种文化范畴间的交流，各种民族文化之间的交流，同时要保护好自己的民族和地域文化，坚持优势互补的原则，维护文化的多样性，有效避免文化的趋同性，才能实现文化的可持续发展。

　　、自然条件与中国古代建筑　　中国位于亚洲东部，滨临太平洋。疆域南起曾母暗沙，北至漠河的黑龙江上，西始帕米尔，东到黑龙江与乌苏里江汇流处。全国面积960万平方公里，地势西高东低。西部山地由西向东分为三个台阶：西南部为青藏高原，海拔4000公尺以上，是第一阶梯；昆仑山、祁连山、横断山以东，海拔1000～2000公尺的高原与盆地，是第二阶梯；大兴安岭、太行山、巫山、云贵高原以东，为海拔1000公尺以下的丘陵地与海拔200公尺以下的平原，是第三阶梯。中国大部份地区位于北温带和亚热带，属东亚季风区。东南沿海年降水达1500公厘以上，而内陆的西北部地区，只在50公厘以下。湿度随地势升高而明显降低。　　生活在这些不同自然条件下的古代人们，因地制宜，因材致用，运用不同材料，不同做法，创造出不同结构方式和不同艺术风格的古代建筑。黄河中游为黄土地带，土层厚，土质松，雨量比现在多，气候温暖而湿润，曾遍布森林。这就使古代人得以定居下来，用简陋的工具从事农耕，用木材和黄土架构房屋来抵御寒冷与风雨。这些房屋大多以木材为构架，以黄土为墙壁，屋顶敷以草泥或茅草。房屋朝向南方，是为了采光和冬季避风、取暖。在中国的南方，房屋多为南向或东南向，是为了接纳从东南方吹来的海风。有的地方为了空气流通与减少潮湿，房屋下部采用杆栏式构造。建筑材料除土木以外，南方多采用竹子与芦苇。山区则广泛运用石材，以条石筑壁，片石敷顶，达到了就地取材之能事。森林地区则常使用井干式建筑。总之，中国古代建筑是古代人们因依自然条件的产物。　　[编辑本段]二、中国古代建筑发展概况　　（一）中国古代建筑发展的几个历史阶段　　(1) 原始住居与建筑雏形的形成　　早在五十万年前的旧石器时代，中国原始人就已经知道利用天然的洞穴作为栖身之所，北京、辽宁、贵州、广东、湖北、浙江等地均发现有原始人居住过的崖洞。到了新石器时代，黄河中游的氏族部落，利用黄土层为墙壁，用木构架、草泥建造半穴居住所，进而发展为地面上的建筑，并形成聚落。长江流域，因潮湿多雨，常有水患兽害，因而发展为杆栏式建筑。对此，古代文献中也多有「构木为巢，以避群害」、「上者为巢，下者营窟」的记载。据考古发掘，约在距今六、七千年前，中国古代人已知使用榫卯构筑木架房屋（如浙江余姚河姆渡遗址），黄河流域也发现有不少原始聚落（如西安半坡遗址、临潼姜寨遗址）。这些聚落，居住区、墓葬区、制陶场，分区明确，布局有致。木构架的形制已经出现，房屋平面形式也因造做与功用不同而有圆形、方形、吕字形等。这是中国古建筑的草创阶段。　　西元前二十一世纪夏朝建立，标志着原始社会结束，经过夏、商、周三代，而春秋、战国，在中国的大地上先后营建了许多都邑，夯土技术已广泛使用于筑墙造台。如河南偃师二里头早商都城遗址，有长、宽均为百米的夯土台，台上建有八开间的殿堂，周围以廊。此时木构技术较之原始社会已有很大提高，已有斧、刀、锯、凿、钻、铲等加工木构件的专用工具。木构架和夯土技术均已经形成，并取得了一定的进步。西周兴建了丰京、镐京和洛阳的王城、成周；春秋、战国的各诸侯国均各自营造了以宫室为中心的都城。这些都城均为夯土版筑，墙外周以城濠，辟有高大的城门。宫殿布置在城内，建在夯土台之上，木构架已成为主要的结构方式，屋顶已开始使用陶瓦，而且木构架上饰用彩绘。这标志着中国古代建筑已经具备了雏形，不论夯土技术、木构技术还是建筑的立面造型、平面布局，以及建筑材料的制造与运用，色彩、装饰的使用，都达到了雏形阶段。这是中国古代建筑以后历代发展的基础。　　(2) 中国古代建筑发展史上的第一个高潮　　西元前221年，秦始皇吞并了韩、赵、魏、楚、燕、齐六国之后，建立起中央集权的大帝国，并且动用全国的人力、物力在咸阳修筑都城、宫殿、陵墓。今人从阿房宫遗址和始皇陵东侧大规模的兵马俑列队埋坑，可以想见当时建筑之宏大雄伟。此外，又修筑通达全国的驰道，筑长城以防匈奴南下，凿灵渠以通水运。这些巨大工程，动辄调用民力几十万，几乎都是同时并进，秦帝国终以奢欲过甚，穷用民力，二世而亡。　　汉代继秦，经过约半个多世纪的休养生息之后，又进入大规模营造建筑时期。汉武帝刘彻先后五次大规模修筑长城，开拓通往西亚的丝绸之路；又兴建长安城内的桂宫、光明宫和西南郊的建章宫、上林苑。西汉末年还在长安南郊建造明堂、辟雍。东汉光武帝刘秀依东周都城故址营建了洛阳城及其宫殿。　　总秦、汉五百年间，由于国家统一，国力富强，中国古建筑在自己的历史上出现了第一次发展高潮。其结构主体的木构架已趋于成熟，重要建筑物上普遍使用斗栱。屋顶形式多样化，庑殿、歇山、悬山、攒尖、囤顶均已出现，有的被广泛采用。制砖及砖石结构和拱券结构有了新的发展。　　(3) 传统建筑持续发展和佛教建筑传入　　两晋、南北朝是中国历史上一次民族大融合时期，此期间，传统建筑持续发展，并有佛教建筑传入。西晋统一中国不久，就爆发了「八王之乱」，处于西北部边境的几个少数民族领袖，率部进入中原，先后建立了十几个政权，史称十六国时期。到了西元460年，北魏才统一了中国北方，继而又分裂。在南方，晋室南迁建立了东晋政权，接着先后出现了宋、齐、梁、陈四个朝代。这就是历史上的南北朝时期。自此，中国南北两方社会经济才逐渐复苏，北朝营建了都城洛阳，南朝营建了建康城。这些都城、宫殿均系在前代基础上持续营造，规模气势远逊于秦、汉。　　东汉时传入中国的佛教此时发展起来，南北政权广建佛寺，一时间佛教寺塔盛行。据记载，北魏建有佛寺三万多所，仅洛阳就建有一千三百六十七寺。南朝都城建康也建有佛寺五百多所。在不少地区还开凿石窟寺，雕造佛像。重要石窟寺有大同云冈石窟、敦煌莫高窟、天水麦积山石窟、洛阳龙门石窟、太原天龙山石窟、峰峰南响堂山和北响堂山石窟等。这就使这一时期的中国建筑，融进了许多传自印度（天竺）、西亚的建筑形制与风格。　　(4) 中国古代建筑发展史上的第二个高潮　　隋、唐时期的建筑，既继承了前代成就，又融合了外来影响，形成为一个独立而完整的建筑体系，把中国古代建筑推到了成熟阶段，并远播影响于朝鲜、日本。　　隋朝虽然是一个不足四十年的短命王朝，但在建筑上颇有作为。它修建了都城大兴城，营造了东都洛阳，经营了长江下游的江都（扬州）。开凿了南起余杭（杭州），北达涿郡（北京），东始江都，西抵长安（西安），长约2500公里的大运河。还动用百万人力，修筑万里长城。炀帝大业年间（605～618年），名匠李春在现今河北赵县修建了一座世界上最早的敞肩券大石桥安济桥。　　唐代前期，经过一百多年的稳定发展，经济繁荣，国力富强，疆域远拓，于开元年间（714～741年）达到鼎盛时期。在首都长安与东都洛阳继续修建规模巨大的宫殿、苑囿、官署。在全国，出现了许多着名地方城、商业和手工业城，如广陵（扬州）、泉州、洪州（南昌）、明州（宁波）、益州（成都）、幽州（北京）、荆州（江陵）、广州等。由于工商业的发展，这些城市的布局出现了许多新的变化。　　唐代在都城和地方城镇兴建了大量寺塔、道观，并继承前代续凿石窟佛寺，遗留至今的有着名的五台山佛光寺大殿、南禅寺佛殿、西安慈恩寺大雁塔、荐福寺小雁塔、兴教寺玄奘塔、大理千寻塔，以及一些石窟寺等。此期间，建筑技术更有新的发展，木构架已能正确地运用材料性能，建筑设计中已知运用以「材」为木构架设计的标准，朝廷制定了营缮的法令，设置有掌握绳墨、绘制图样和管理营造的官员。　　(5) 宋、辽、金时期建筑的发展与《营造法式》的颁行　　从晚唐开始，中国又进入三百多年分裂战乱时期，先是梁、唐、晋、汉、周五个朝代的更替和十个地方政权的割据，接着又是宋与辽、金南北对峙，因而中国社会经济遭到巨大的破坏，建筑也从唐代的高峰上跌落下来，再没有长安那么大规模的都城与宫殿了。由于商业、手工业的发展，城市布局、建筑技术与艺术，都有不少提高与突破。譬如城市渐由前代的里坊制演变为临街设店、按行成街的布局。在建筑技术方面，前期的辽代较多的继承了唐代的特点，而后期的金代，建筑上则继承辽、宋两朝的特点而有所发展。在建筑艺术方面，自北宋起，就一变唐代宏大雄浑的气势，而向细腻、纤巧方面发展，建筑装饰也更加讲究。　　北宋崇宁二年（1103年），朝廷颁布并刊行了《营造法式》。这是一部有关建筑设计和施工的规范书，是一部完善的建筑技术专书。颁刊的目的是为了加强对宫殿、寺庙、官署、府第等官式建筑的管理。书中总结历代以来建筑技术的经验，制定了「以材为祖」的建筑模数制。对建筑的功限、料例作了严密的限定，以作为编制预算和施工组织的准绳。这部书的颁行，反映出中国古代建筑到了宋代，在工程技术与施工管理方面已达到了一个新的历史水平。

　　中外建筑文化的异同　　一、文化意念上的差异 文化意念上的差异是建筑文化的首要形成原因。众所周知，建筑是为人构筑的，这就决定了建筑的人文性，研究中外建筑文化上的建筑首先应从物质现实和观念形态、文化崇尚出发，看建筑是崇人、为人还是崇神；其次，看建筑反映的生活方式和审美情趣；最后看建筑的技艺、传统和变革精神。由于建筑与人类生活的密切联系，其巨大的艺术表现力量以及它与人类文化的深刻的同构对应关系，体现着人类的文化思想观念。简言之，中国古代建筑始终是以现世的君权为核心的，渗透着中国人的伦理观念；而西方古代建筑是宗教的、神权的。 中国传统美学神韵在于重视现实人生，讲究人伦次序，淡化宗教信仰，始终灌注着重生知礼的现世精神，体现着传统儒家重视人的群体生命意识。故而，中国古代都城尤为强调礼制秩序，并在住宅布局上体现儒家上下、男女之礼的基本思想，从而构成了人际关系的建筑空间模式。从建筑文化的角度而言，中国古代建筑既体现了重视现实人生具有实用理性的倾向，也溶入了中国的人生观与宇宙观。中国以原始农业为主的经济方式，造就了原始文明中重选择，重采集，重储存的活动方式。由此衍生发展起来的中国传统哲学，所宣扬的是“天人合一”的宇宙观。“天人合一”是对人与自然关系的揭示，自然与人乃息息相通的整体，人是自然界的一个环节，中国人将木材选作基本建材，正是重视了它与生命之亲和关系，重视了它的性状与人生关系的结果。 如果说儒家哲学是统治中国封建社会的总的理论，与此相对，基督教神学则是欧洲封建社会的总的理论，是它包罗万象的纲领。教会成了社会的中心，从而导致西方的文明对神灵的崇拜、对宗教的敬畏，并深深地影响着他们的建筑艺术，以致突出建筑本体、风格多样变化和直指苍穹的艺术造型等个性特征。因此说，欧洲古典建筑具有个体“崇高”的美学特征，在文化上，可以看做是张扬个性、崇尚个体形象的表现。西方以狩猎方式为主的原始经济，　　造就出重物的原始心态。从西方人对石材的肯定，可以看出西方人求智求真的理性精神，在人与自然的关系中强调人是世界的主人，人的力量和智慧能够战胜一切。 综上所述，中国建筑在气质上更重精神，重意境；西方建筑则重物质，重外观。前者是群体的统一，内在而含蓄；后者是单体的突出，外在而暴露。也正如梁思成先生说的：一般地说，一座欧洲建筑，如同欧洲的画一样，是可以一览无遗的；中国的任何一处建筑，都像一幅中国的手卷画，手卷画必须一端端地逐渐展开过去，不可能同时全部看到。走进一所中国房屋，也只能从一个庭园走近另一个庭园，必须全部走完，才能全部看完。” 中西建筑形式上的差别，是文化差别的表现，它反映了物质和自然环境的差别，社会结构形态的差别，人的思维方法的差别以及审美境界的差别　　二、建筑材料的不同，体现了中西方物质文化、哲学理念的差异。 从建筑材料来看，在现代建筑未产生之前，世界上所有已经发展成熟的建筑体系中，包括属于东方建筑的印度建筑在内，基本上，都是以砖石为主要建筑材料来营造的，属于砖石结构系统。诸如埃及的金字塔，古希腊的神庙，古罗马的斗兽场、输水道，中世纪欧洲的教堂u201eu201e无一不是用石材筑成，无一不是这部“石头史书”中留下的历史见证。唯有我国古典建筑(包括邻近的日本、朝鲜等地区)是以木材来做房屋的主要构架，属于木结构系统，因而被誉为“木头的史书”。中西方的建筑对于材料的选择，除由于自然因素不同外，更重要的是由不同文化，不同理念导致的结果，是不同心性在建筑中的普遍反映。西方以狩猎方式为主的原始经济，造就出重物的原始心态。从西方人对石材的肯定，可以看出西方人求智求真的理性精神，在人与自然的关系中强调人是世界的主人，人的力量和智慧能够战胜一切。中国以原始农业为主的经济方式，造就了原始文明中重选择，重采集，重储存的活动方式。由此衍生发展起来的中国传统哲学，所宣扬的是“天人合一”的宇宙观。“天人合一”是对人与自然关系的揭示，自然与人乃息息相通的整体，人是自然界的一个环节，中国人将木材选作基本建材，正是重视了它与生命之亲和关系，重视了它的性状与人生关系的结果。 　　三、建筑空间的布局不同，反映了中西方制度文化、性格特征的区别。 从建筑的空间布局来看，中国建筑是封闭的群体的空间格局，在地面平面铺开。中国无论何种建筑，从住宅到宫殿，几乎都是一个格局，类似于“四合院”模式。中国建筑的美又是一种“集体”的美。例如；北京明清宫殿，明十三陵，曲阜孔庙即是以重重院落相套而构成规模巨大的建筑群，各种建筑前后左右有主有宾合乎规律地排列着，体现了中国古代社会结构形态的内向性特征，宗法思想和礼教制度。与中国相反，西方建筑是开放的单体的空间格局向高空发展。以相近年代建造、扩建的北京故宫和巴黎卢浮宫比较，前者是由数以千计的单个房屋组成的波澜壮阔，气势恢宏的建筑群体，围绕轴线形成一系列院落，平面铺展异常庞大；后者则采用“体量”的向上扩展和垂直叠加，由巨大而富于变化的形体，形成巍然耸立、雄伟壮观的整体。而且，从古希腊古罗马的城邦开始，就广泛地使用柱廊、门窗，增加信息交流及透明度，以外部空间来包围建筑，以突出建筑的实体形象。这与西方人很早就经常通过海上往来互相交往及社会内部实行奴隶民主制有关。古希腊的外向型性格和科学民主的精神不仅影响了古罗马，还影响了整个西方世界。同时，如果说中国建筑占据着地面，那么西方建筑就占领着空间，譬如罗马可里西姆大斗兽场高为48米，“万神殿”高43.5米，中世纪的圣索菲亚大教堂，其中央大厅穹窿顶离地达60米。文艺复兴建筑中最辉煌的　　作品圣彼得大教堂，高137米。这庄严雄的建筑物固然反映西方人崇拜神灵的狂热，更多是利用了先进的科学技术成就给人一种奋发向上的精神力量。 四、建筑的发展不同，表现了中西方对革新态度的差别。 从建筑发展过程看，中国建筑是保守的。据文献资料可知，中国的建筑形式和所用的材料3000年不变。与中国不同，西方建筑经常求变，其结构和材料演变得比较急剧。从希腊雅典卫城上出现的第一批神庙起到今天已经2500余年了，期间整个欧洲古代的建筑形态不断演进、跃变着。从古希腊古典柱式到古罗马的拱券、穹窿顶技术，从哥特建筑的尖券，十字拱和飞扶壁技术到欧洲文艺复兴时代的罗马圣彼得大教堂，无论从形象、比例、装饰和空间布局，都发生了很大变化。这反映了西方人，敢于独辟蹊径，勇于创新的精神。 五、建筑价值的不同，显现中西方审美观念的异殊。 从建筑的价值来看，中国的建筑着眼于信息，西方的建筑着眼于实物体。中国古代建筑的结构，不靠计算，不靠定量分析，不用形式逻辑的方法构思，而是靠师傅带徒弟方式，言传手教，靠实践，靠经验。我们对于古代建筑，尤其是唐以前的建筑的认识，多从文献资料上得到信息。历代帝王陵寝和民居皆按风水之说和五行相生相克原理经营。为求得与天地和自然万物和谐，以趋吉避凶，招财纳福，在借山水之势力，聚落建筑座靠大山，面对平川。这种“仰观天文，俯察地理”是中国特有的一种文化。 中国较为强调曲线与含蓄美，即“寓言假物，不取直白”。如园林的布局、立意、选景等，皆强调虚实结合，文质相辅。一步一景，曲径通幽，水道为自然的瀑布、溪流和湖泊或追求自然情致，或钟情田园山水，或曲意寄情托志。工于“借景”以达到含蓄、奥妙，姿态横生；巧用“曲线”以使自然、环境、园林在个性与整体上互为协调、适宁和恬、相得益彰而宛若天开。“巧于因借，精在体宜”的手法，近似于中国古典诗词的“比兴”或“隐秀”，重词外之情、言外之意。看似漫不经心、行云流水，实则裁夺奇崛、缜密圆融而意蕴深远。中国传统的建筑用斗拱将屋檐托起的交叠的曲木，斗拱不但可“用以减少立柱和横梁交接处的剪力”，还具有装饰作用。它将纵向的力量向横向拓展，从而构造出多种多样的飞檐，其不同的形式制造出不同的艺术效果，或轻灵，或朴实，或威严。不仅亭、台、楼、阁都要用飞檐来标明自己的身份，表达自己的情感，而且飞檐的高低、长短往往会成为建筑设计的难点和要点。正所谓“增之一分则太长，减之一分则太短”，飞檐的设计必须恰到好处才能显得轻灵而不轻佻，朴实而不机械，威严而不呆板。用举折和举架形成屋顶的斜坡或曲面。翘起如翼的屋顶是我们民族文化的骄傲，而且在使用颜色上，中国建筑是世界各建筑体系中最大胆的”，不但在大建筑物中使用朱红色，而且还大量用彩绘来装饰木架部件。除此之外，中国建筑的装饰部件，大到结构部件、脊吻、瓦当，小到门窗、门环、角叶，都具有很强的装饰形状或图案。 西方则以平直、外露、规模宏大、气势磅礴为美，比如开阔平坦的大草坪、巨大的露天运动场、雄伟壮丽的高层建筑等等，皆强调轴线和几何图形的分析性，平直、开阔、外露等无疑都是深蕴其中的重要特征，与中国建筑的象征性、暗示性、含蓄性等有着不同的美学理念。古代希腊的毕达哥拉斯、欧几里得首创的几何美学和数学逻辑，亚里士多德奠基的“整一”和“秩序”的理性主义 “和谐美论”，对整个西方文明的结构带来了决定性的影响，一切科学和艺术，它们的道路都被这种理念确定了命运。翻开西方的建筑史，不难发现，西方建筑美的构形意识其实就是几何形体；雅典帕提隆神庙的外形“控制线”为两个正方形；　　从罗马万神庙的穹顶到地面，恰好可以嵌进一个直径43.3米的圆球；米兰大教堂的“控制线”是一个正三角形，巴黎凯旋门的立面是一个正方形，其中央拱门和“控制线”则是两个整圆。甚至于象园林绿化、花草树木之类的自然物，经过人工剪修，刻意雕饰，也都呈献出整齐有序的几何图案，它以其超脱自然，驾驭自然的“人工美”，同中国园林那种“虽由人作，宛自天开”的自然情调，形成鲜明的对照。早在2000年前古罗马奥古斯都时期的建筑理论家维特鲁威就在他的著名《建筑十书》中提出了“适用、坚固、美观”这一经典性的建筑三要素观点，被后人奉为圭臬，世代相传。17世纪初建筑师亨利·伍登提出优秀建筑物必须具备三个条件；“坚固、实用和欢愉。”西方人把“坚固”和“实用”作为评价优秀建筑物的第一和第二原则。因而当中国古老的建筑物随着时间的流逝而被毁坏或“烟消云散”的时候，西方古希腊、古罗马、古埃及的建筑依然完好地保存着，用实物体形象演绎着自己的文化。通过对中西方建筑的比较可见出中西方在观念文化上，制度文化，物质文化上的不同。 综上所有论述，中外建筑文化上的差异不是一朝一夕所形成的，但随着社会经济的发展和世界一体化的深入，中外之间的差异也在慢慢的缩小，各国之间的文化交融在日常生活中也并不少见，比如中国文化法国行等国与国之间的文化交流也在日益的加强，建筑文化的多元化发展成了现代建筑学者正深思研究的话题，关于建筑文化的交融、重整、创新，我们应加强建筑创作的学习，积极向西方优秀建筑设计理念借鉴、学习，形成真正属于我们中国文化风格和建筑的审美潮流！

从根本上说，中西方建筑艺术的差异首先来自于材料的不同：传统的西方建筑长期以石头为主体；而传统的东方建筑则一直是以木头为构架的。这种建筑材料的不同，为其各自的建筑艺术提供了不同的可能性。在现代建筑未产生之前，世界上所有已经发展成熟的建筑体系中，包括属于东方建筑的印度建筑在内，基本上，都是以砖石为主要建筑材料来营造的，属于砖石结构系统。不同的建筑材料，不同的文化与社会，使得中西方的古代建筑有了不同的艺术表现。不同的民族有着不同的文化，流露出不同的情感；不同的材料造就不同的建筑，展现不同的信念。西方古典建筑的艺术风格重在表现人与自然的对抗之美。石头、混凝土等建筑材料的质感生硬、冷峻，理性色彩浓，缺乏人情味。中国传统建筑特别注重“线形美”，讲究线条的婉转、流动和节奏韵律，擅长以线造型，以线传情。

1.面关于亚洲是世界第一大洲的说法错误的是（ D ）A.面积最大　B.人口最多　C.东西距离最长，跨纬度最广　D.亚洲气候复杂多样2.下列关于亚洲人文环境和自然环境的关系说法错误的是（ C）A.沙特阿拉伯的贝都因人居住帐篷，身着宽大袍子，过游牧生活，是因为这里是热带干旱草原B.居住在恒河三角洲的孟加拉人，以捕鱼为生，以船为交通工具，因为气候湿热，多河湖C.达雅克人聚居的高脚屋是因为多山地D.日本的抗震建筑是因为其位于地震带上3.下列关于澳大利亚的说法错误的是（ B）A.因为羊特别多，而被称为骑在羊背上的国家B.因为出口的产品主要为农矿产品等初级产品，所以是一个发展中国家C.澳大利亚人口和城市的主要分布在东南沿海D.出口农产品主要为羊毛、牛肉、小麦4.下列关于美国地区生产专业化的好处的说法错误的是（C ）A.充分利用不同地区的自然条件B.利用使用大规模机械C.交通便利，利于产品的出口D.效率高，产量大5.关于美国的降水说法错误的是（D）A.降水量由东向西递减B.降水主要受来自大西洋的暖湿气流影响C.影响降水的主要因素是海陆位置D.影响降水的主要因素是地形6.下列关于巴西和澳大利亚说法错误的是（A ）A.两国均为西半球的国家B.两国均为南半球的国家C.两国的人口和城市均分布在东南沿海D.两国铁矿资源都比较丰富6.下列关于亚洲人文环境的叙述错误的是（B ）A.人口最多的大洲B.人口自然增长率最高的大洲C.亚洲唯一的经济发达国家是日本D.大多数国家的经济落后的原因是长期遭受殖民统治7.下列关于亚洲自然地理特征说法错误的是：（C）A.亚洲地势中部高，四周低B.亚洲地跨热带、温带和寒带C.亚洲具有季风气候具有分布广的特点D.亚洲河流呈放射状流向周边的海洋8.下列关于日本的说话错误的是（ D）A.日本是一个多火山、地震的国家B.日本最大的岛屿为本州岛C.日本民族构成单一，主要为大和民族D.日本的工业分布主要受地形影响9.下列关于日本经济的说法错误的是（ D）A.资源缺乏，是一个资源小国B.经济类型是以加工贸易为主的经济C.日本工业集中分布在太平洋沿岸和濑户内海沿岸D.因为日本是亚洲唯一经济强国，因此，世界经济对其影响较小10.下列关于东南亚的说法正确的是（ ACD）A.包括中南半岛和马来群岛两部分B.东南亚地处亚洲与大洋州、太平洋与大西洋之间的十字路口C.气候湿热，以热带气候为主D.华人、华侨分布最集中的地区11.下列不是东南亚选择水稻作为主要粮食作物的原因是（ B）A.水稻是产量较高的作物B.平原面积广大C.人口稠密D.高温多雨12.中南半岛的气候类型是（ B）A.亚热带季风气候　　B.热带季风气候C.热带雨林气候　　　D.热带草原气候13.下列关于中南半岛的说法错误的是（ C）A.山河相间，纵列分布　　B.城市分布在河流沿岸及河口三角洲C.河流由南向北流　　　　D.流经国家最多的河流是湄公河14.世界上华人华侨分布最集中的地区是（ C）A.美国　　B.澳大利亚　　C.东南亚　　D.印度15.下列旅游景点与所在国搭配不正确的是（C ）A.柬埔寨的吴哥窟　　　B.印度的泰姬陵C.英国的埃菲尔铁塔　　D.俄罗斯的克里姆林宫16.下列关于印度说法错误的是（ C）A.是南亚面积最大的国家　　　　　　B.以热带季风气候为主C.1999年印度棉花产量居世界第一　　D.现在印度的粮食已自给有余17.下列关于俄罗斯的说法错误的是（ B）A.世界上面积最大的国家 B.气候以寒带气候为主C.自然资源种类齐全，储量丰富 D.交通部门齐全，在欧洲、亚洲分布不平衡18.下列国家不属于中东的是（B ）A.埃及 B.阿富汗 C.土耳其 D.沙特阿拉伯19.下列有关中东石油的说法正确的是（ABD ）A.中东是目前世界上石油储量最大、生产和输出石油最多的地区B.中东石油分布在波斯湾及沿岸地区C.中东石油输往西欧各国的必经之地是好望角D.中东石油输往日本的必经马六甲海峡20.耶路撒冷不是哪种宗教的圣城（B ）A.伊斯兰教　　B.佛教　　C.基督教　　D.犹太教21.下列关于欧洲西部的说法错误的是（A ）A.人口稠密，国家众多，全部是发达国家B.本区的区域性国际组织是欧盟C.本区的工业以制造业为主D.本区温带海洋性气候分布广22.欧洲西部畜牧业最发达的国家是（D ）A.英国　　B.法国　　C.德国　　D.荷兰23.欧洲西部南部的三个半岛气候类型是（B ）A.温带大陆性气候　　B.地中海气候　　C.温带海洋性气候　　D.亚热带湿润气候24.下列关于撒哈拉以南的非洲说法错误的是（ B）A.地形以高原为主B.气候以热带沙漠气候为主C.以黑种人为主，有“黑非洲”之称D.经济以单一商品为主25.撒哈拉以南的非洲最迫切解决的问题是（A ）A.人口　　B.粮食　　C.环境　　D.教育26.澳大利亚最大岛屿的气候类型是（D ）A.热带草原气候　　B.地中海气候　　C.亚热带湿润气候　　D.温带海洋性气候27下列关于巴西说法正确的是（ A）A.是拉丁美洲面积最大、人口最多的国家B.有世界上面积最大的平原和最高的高原C.巴西曾是西班牙的殖民地D.巴西最大的城市是里约热内卢28.下列热带作物巴西产量不居世界首位的是（ C）A.咖啡　　B.甘蔗　　C.橡胶　　D.柑橘29.下列关于极地地区的描述错误的是（C ）A.在地球的南北两端，都是冰雪覆盖的世界B.地球上最冷的地区是南极地区C.北极地区气温比南极地区高的原因北极地区纬度比南极地区低D.两极地区都是科学考察的宝地30.下列关于我国南极考察的说法错误的是（A ）A.长城站和中山站都有极昼极夜现象B.长城站和中山站建站时间都选择在南极洲的暖季C.我国已正式加入《南极条约》D.我国传统节日春节期间，南极考察队员正进行南极考察二、非选择题：（一）读美国图回答：（1）请在图中合适位置填注“加拿大”“大西洋”；（2）图中A是落基山，B是阿巴拉契亚山，河流C是密西西比河，美国的地形分布特点呈现南北纵列分布形式；（3）图中D代表芝加哥城市，H代表美国最大的纽约城市和大西洋沿岸海港。两城市附近地区农业生产以乳畜 　　业为主。请简述该区农业发展的有利自然条件。① 气候冷湿。②地形平坦。（4）G是工业中心，该城市位于亚热带农业带，由上可知美国的农业生产具有专业地区生产的特点。（5）城市E和F分别是洛杉矶和旧金山。其中F（填字母）附近有美国最早的高新技术产业中心，称为美国的“硅谷”。（二）读右图回答：（1）图1代表国家是巴西，图2代表国家是澳大利亚；根据图分析两国人口分布的共同特征是东南沿海。从经济发展水平来看，1 　　是发展中国家，2是发达国家，两国均大量出口矿产资源是铁。（2）国家1的主要气候类型是热带雨林和热带草原。（三）读右图回答：⑴图中所示国家的主要出口商品是初级 产品，这种经济在结构上表现为“经济”单一商品经济。⑵在国际贸易中，具有这种特点的经济国家往往处于不利地位，这种经济形成的根源是长期的殖民统治。（3）这些国家主要分布在撒哈拉以南地区：（四）读南极图回答：（1）南极洲四周被大洋环绕，A为大西 洋，D为太平洋，E为 印度洋。（2）在图中标出东经和西经，并画出东西半球的分界线。（3）由图中可以看出，距离南极洲最近的大洲是 南美洲。（4）B点表示我国的南极科学考察站长城　站，C表示 中山站。两站比较，能够出现极昼极夜现象的是中山　站。当太阳直射北回归线时，B、C两站的昼长时间长的是 昼短夜长。

文化建筑，可以简单理解为供人们开展文化活动的场所，主要体现了建筑设计中具有艺术性的一面，也是建筑设计领域中应用较为广泛的一个分支。文化建筑在生活中随处可见，它丰富了人们的生活，进而提升了现代城市的文明水平。因此，构建具有较高艺术价值的文化建筑对于提升人们的生活水平有重要意义。该文主要从文化建筑中的装饰艺术这一层面出发，旨在分析其中蕴含的美学意蕴。为了把文化打造成一张城市的名片，现在许多城市建设者和管理者不断地挖寻当地的文化与特色，文化建筑受到越来越多的城市规划者的重视，一座座文化建筑如文化馆、博物馆、展览馆等在城市中被修建。文化建筑作为向人们提供文化活动场所的建筑的总称，是建筑设计中非常具有审美价值的部分，集中体现了建筑学的艺术性的特点，可以反映城市中人们的生活水平。从某种意义上说，文化建筑承载了国家、地域以及城市的独特性，其中，蕴藏丰富审美意境的文化建筑更是人类文化传播的一个重要载体。笔者主要对文化建筑中装饰艺术的美学意蕴进行研究与分析，希望文化建筑这一具有深厚历史意义的文化交流场所，能以独特的魅力被传承下去。一、文化建筑与装饰艺术的概述文化建筑在现代城市中主要承担的作用，是为人们提供休闲与娱乐的场所，方便人们在这里进行文化交流，丰富人们的生活趣味。文化建筑凝聚了多种多样的文化，在一定程度上彰显了城市的文明程度，反映了社会文化的发展趋势和特点。文化建筑设计水平的高低，可以反映城市规划者和建设者对城市文化的重视程度。注重对文化建筑设计的挖掘，有利于提升城市的文化内涵，加强民众之间的联系和交流，提高城市的文明水平。随着文化建筑设计行业的不断发展，装饰艺术在其中的地位越来越重要。可以说，装饰艺术与文化建筑已经发展融合成了一个整体。无论是文化建筑的墙面、地面还是其他一些建筑构件等，都离不开装饰艺术的应用。另外，文化建筑设计者对装饰艺术手法的选择也非常重要，只有保证文化建筑和装饰艺术协调一致，才能形成一个完美的整体。这样，文化建筑才会有生命力，人们在欣赏文化建筑时才会感到喜悦，才会被建筑装饰丰富细致的美感所折服。装饰艺术的应用不仅为文化建筑增添了美感，也大大提升了其审美价值，进而增强了文化建筑的整体艺术性。二、文化建筑中装饰艺术的审美特征在当今的文化建筑中，装饰艺术的设计已从过去单一化的装饰风格，发展到造型、图案等多种元素结合的装饰艺术风格，这主要是由于现代科技和社会审美的发展而改变的。文化建筑中的装饰艺术崇尚与环境相和谐的审美观，环境美是所有建筑美学的核心追求之一，这就要求在文化建筑的装饰风格上做到以环境为整个设计过程的出发点和回归点。文化建筑要创造出现代化的人性化空间，在装饰艺术设计过程中要协调好人与环境、建筑与环境的关系，进而提升整个文化建筑的亲和力。文化建筑作为人们生活环境的一部分，要与自然环境、社会环境融合，这也是文化建筑设计的一个重要主题。另外，现代文化建筑中的装饰艺术总会有一些出人意料的审美新鲜感。由于装饰艺术形式的不断丰富和文化建筑风格的多样化发展，当设计师将文化建筑与装饰艺术的设计元素组合在一起时，往往会有出乎意料的感觉。不同的设计理念强烈碰撞，不仅满足了人们对文化建筑中蕴含的新鲜事物的好奇心，还突出了文化建筑较为新颖的审美感受。文化建筑中装饰艺术的审美主题具有大众性。文化建筑在日常的生活环境中随处可见，更贴近人们的真实生活。随着人们文化需求的提高，设计者可以通过文化建筑中的装饰艺术设计传达和弘扬大众需要的文化。因此，装饰艺术设计应用在文化建筑方面，可以通过丰富多样的形式展现文化建筑的精神文化内涵，进而提高文化建筑所在城市的精神文化内涵。从这一点来看，文化建筑设计对装饰艺术设计提出了更高的要求，不仅要求装饰艺术设计满足人们日常生活的实用性需求，还要求其注重对人们精神文化内涵的提升，同时，这也为文化建筑的装饰增加了丰富的精神文化元素。结语随着时代的快速发展，我国城市对文化建筑的需求不断增加。文化建筑受到人们越来越多的关注，它丰富了现有生活的乐趣，提高了整个城市的文明水平。文化建筑中的装饰艺术设计主要是在建筑主体的基础上进行专门设计的一种艺术表现形式，它不仅增加了文化建筑的审美特征，而且提升了文化建筑的精神内涵。更多关于工程/服务/采购类的标书代写制作，提升中标率，您可以点击底部官网客服免费咨询：https://bid.lcyff.com/#/?source=bdzd

　　砖混结构建筑承重内墙的平面定位轴线通常与顶层墙体中线重合。　　1.承重外墙的定位轴线。当底层墙体与顶层墙体厚度相同时 ,平面定位轴线与外墙内缘距离为120mm；当底层墙体与顶层墙体 厚度不同时,平面定位轴线与顶层外墙内缘距离为120mm；　　2.承重内墙的定位轴线 承重内墙的平面定位轴线应与顶层墙体中线重合。如果墙体是对称内缩, 则平面定位轴线中分底层墙身;如果墙体是非对称内缩,则平面定位轴线偏中分底层墙身。　　3.非承重墙定位轴线 非承重墙除了可按承重墙定位轴线的规定定位之外 , 还可以使墙身内缘与平面定位轴线重合。　　4. 带壁柱外墙的墙身内缘与平面定位轴线相重合或距墙身内缘的120mm处与平面定位轴线相重合。

形而上学美学编辑A.叔本华从其悲观主义的哲学出发，认为只有在主体摆脱了生存意志的束缚，上升为纯粹的不带意志的主体时，方能获得审美能力。他用“自失”一词来表征个体失去意志、直观者和直观融为一体的状态。从而把审美和艺术活动看作是使人从生存意志的现实苦海中解脱出来的静观。强调审美静观是没有意志的、脱离一切其他关系来观察事物的一种纯客观的审美态度。叔本华认为，由于科学只研究现象界的规律，而艺术直指现象界后面的物自体意志，因而艺术高于科学。认为音乐和所有其他艺术都不同，旋律本身就是意志的形象，它比其他艺术具有更为动人的力量。F.W.尼采把叔本华的生存意志发展为权力意志，认为科学与道德阻碍生活，而艺术则发扬生活，肯定生活。尼采在《悲剧的诞生》中提出了两种基本的艺术类型，即阿波罗艺术和狄奥尼苏斯艺术。阿波罗（日神）精神俯瞰人生，把宇宙人生当成梦境、意象去赏玩，希腊的雕塑与史诗是典型；狄奥尼苏斯（酒神）精神则在狂歌醉舞中忘记人生的苦恼,从而感到生命的酣畅和欢悦,希腊的舞蹈和音乐是典型。这两种不同的艺术都能支配人，迫使人趋向梦的幻觉和酒的放纵。在《作为权力意志的艺术》中，尼采认为艺术本质上是对存在的神化,是肯定,是祝福。悲剧并不叫人听天由命，因为悲剧中的可怖事件本身就已体现了艺术家的权力本能和雄伟气魄。艺术展示痛苦的人生，目的并不在于求得精神的解脱和平静，而在征服恐惧和怜悯之后，在巨大的不幸和最高的牺牲面前保持永久的欢愉。尼采比以往任何一个哲学家都强调艺术创造的非理性状态，在叔本华把天才与疯狂作了联系之后，尼采则把艺术天才看作是神经官能症的一种形式。德国美学在这一时期较为发达,出现了许多著作,提出了一些新的学说。包括T.李普斯的移情说，赫巴尔特、齐麦曼等人的形式主义美学等等。但都没有足够的哲学深度。B.克罗齐是20世纪初影响较大的意大利哲学家。他将美学定义为研究直觉和表现的科学，认为美和艺术是主体心灵将先验的形式赋予混乱的感受和印象的产物。这种主观唯心主义的“直觉即表现说”，通过R.G.柯林伍德在英美等国得到广泛的传播（见克罗齐－柯林伍德表现说）。H.柏格森认为整个世界是体现“生命冲动”的一种“创造的进化过程”的精神过程。从这里出发，引申出了他关于美的理论。他认为笑是人们对“镶嵌在活的东西上面的机械的东西”的一种反应。每当人们在语言举止中被发现有这种机械的东西时,就会产生笑。因此,笑是一种社会姿态。社会借笑来对机械笨拙的行为加以纠正，以符合生命力的流动本质。柏格森对笑作了独特的解释，但未能对笑何以能产生快感作出合理的说明。2经验主义美学编辑E.布洛（1880～1934）于1912年提出的“心理距离说”是现代传播甚广的观点。他认为一种特殊的、被称之为“心理距离”的审美态度，能使一般的对象成为审美对象。布洛以海上遇雾的航船为例，说假如人们能够摆脱对危险的恐惧，以一种与现实保持心理距离的态度把周围的雾看作是层半透明的帷幕，它就能成为审美对象。如果人们站在个人目的和需要之外，去“客观地”看待眼前的对象，那么对事物客观特征的反应就会得到强化，任何一个对象都能审美地被感受。布洛认为心理距离是一种心理状态，距离太近或太远都会丧失这种心理状态，而对于每个人和每种具体事物而言，审美经验的产生都需要一个适当的距离，这个距离因人而异,因事而异。为了确证“距离说”的科学性,一些布洛的追随者曾对心理距离作过一些实验，企图完成一种“最佳”距离的测定工作，但未获得结果。近代美国，以J.杜威的实用主义美学最为重要。杜威在《艺术即经验》中，强调当今美学的任务在于恢复艺术与人类经验之间的联系。杜威反对把审美经验与日常经验作严格的划分，反对自康德以来对智力领域（科学）、实践领域（行为）和审美领域（艺术）所作的划分，他认为任何一种经验只要它达到完美，就具有审美的性质。杜威认为审美经验之所以与智力的道德的经验有所区别，并非在于它排除了利害关系的欲望，而在于这种欲望与知觉经验合二而一，达到了知觉本身的一种完美的境界。经验的最完美的表现就是艺术。在他看来，艺术之所以与日常生活相分离，并不是因为自身的原因，而是由于美术馆或音乐厅所赋予艺术的那种象征意义。造成生产者与消费者之间鸿沟的那种力量也同样造成了日常经验与审美经验之间的分离。因此，想从审美经验中去寻找艺术问题的答案是不可能的，这种答案只能在日常生活经验中才能找到。杜威一方面沿袭了传统美学，认为美学是美的艺术哲学，声称艺术品必须首先是审美的，艺术的产生过程是和知觉中的审美部分有机联系的。另一方面，他又想写一部包括人类各种活动领域在内的艺术哲学，不得不把艺术分为“美的艺术”和“其他艺术”。这样。当他指责那些在实用艺术和美的艺术之间建立“美”的区别的人是错误的同时，就陷入了自相矛盾。3现象学美学编辑在欧洲大陆，现象学、存在主义是现代哲学的重要流派。M.海德格尔批评传统的美学思想把艺术作为对象而揭示其美的特性，要求从存在关系上把握美学、艺术。在海德格尔那里，主体是一切问题的中心，他认为艺术的本质在于“使存在者的真理在作品中确立”。在这里，存在的真理并不是指认识与事物的一致。作品之为作品是意味着确立起一个世界，即在作品中展示出人的存在的真理。正是因为揭示了人的真实的存在，作品才成其为作品。K.雅斯贝尔斯也认为真正的艺术在于显现人的存在。他把艺术分为两种：一是单纯作为美的理想的特定表现的艺术，一是通过可视的对象显现超越性存在本身的形而上学的艺术。认为伟大的艺术是指后者。现实存在的人面临“界限状况”和“挫折”才能获得自己。因此，雅斯贝尔斯把悲剧看作是存在主义艺术的典型。J.-P.萨特在早期著作《想象力》 (1938)、《想象的东西》（1940）中分析了艺术作品中的存在主义特点。萨特认为，想象所具有的独特机能即是自由创造性。这种自由创造性建立起了与现实世界不同的世界。对萨特来说，美只有通过自由意识才能成立，对作品的美的判断就是公众认识作家的自由，作家的创作活动则是向公众发出自由的呼吁。在存在主义流派以前，新康德主义在德国占有中心地位。E.卡西勒是新康德主义的主要代表之一，他认为人是进行符号活动的动物。符号中存在着精神的意义和作为这种意义载体的形式。艺术是一种符号形式，它象其他符号形式一样，有着双重的内涵：一方面它是一种物质的呈现；另一方面它又是一种精神的外观。艺术中的意义就是形式，艺术中符号形式所起的作用虽然也是一种认识的作用，但这种作用是通过直觉而不是通过概念，是通过情感而不是通过思想。和科学一样，艺术也是一种发现，但科学家发现规律，艺术家则发现形式。4语义学美学编辑美国的S.K.朗格（1895～1981）是卡西勒的学生，她坚决否定艺术的自我表现说。在《哲学新解》、《情感与形式》、《艺术问题》等著作中，朗格一再强调艺术作为“表现符号”的形式是人类普遍情感形式的表现，并认为“艺术是人类情感的符号形式的创造”。朗格认为符号有两种：一种是推理符号，一种是情感符号。前者如概念语言，是符号系统，而表现符号却没有符号的全部功能。它的意义就在于它自身，因而无法用推论语言去复述。诗虽然也包含有推理的成分，但作为一个整体，它是一种情感的、非推理的表现。朗格区别了符号和记号，认为仅仅指明一个事实的是记号，而能给想象的静观提供形式的则是符号。艺术是情感的符号而不是事实的记号。一个记号能使我们去注意被它所规定了的事物或情况，而一个符号却能被理解为当一个观念呈现时，我们所能想象的一切东西。在现在英、美哲学中占统治地位的是分析哲学。语义分析美学则是分析哲学在美学领域中的扩展。它并没有提出任何正面的美学或艺术理论，而是对“艺术”和“美”等概念作了语义上的分析。在L.维特根斯坦早期的著作《逻辑-哲学论》中,仅两处谈到“美”的问题。一处说，哲学中的绝大部分命题和问题并不是假的，而是无意义的。无论善与美有多大的同一性，它们都属于这类问题。另一处说，伦理学是不能表述的，它是先验的。而伦理学和美学是同一种东西。在维特根斯坦看来，美学和伦理学一样，都是不能表达的，什么是美一类问题是没有意义的。根据维特根斯坦后期的“家族类似”理论，“艺术”的性质如同“游戏”一样，不可能发现它有什么共同特质，充其量在各种艺术中存在着一些相似因素而已。这个语词的意义只在于它的用途和使用。在《美学、心理学和宗教信仰讲演和对话集》中，维特根斯坦认为“美”只是一个形容词，它和感叹词“啊”一样,本身并无确定含义,甚至可以用一丝微笑或摸摸肚子代替这个词的含义。一些语义分析美学家认为维特根斯坦哲学给当代美学提供了出发点。M.韦兹认为在各种艺术之间只有一种“家族相似”，因此不可能对什么是艺术下一个行之有效的定义。“艺术”一词在绝大多数情况下只是对某种事物所表示的一种赞叹而已。问题并不在"艺术是什么"，而在“艺术是属于哪一种类概念”，在美学中首要的问题是去阐明艺术概念的实际使用以及对怎样正确使用作出描述。例如“希腊悲剧”可以是封闭性概念，它的意义已不再变异，而“悲剧”则是处在不断变异中的亚概念。语义分析美学虽然提出了一些新问题和新方法，但它所自称的任务在于肃清语言使用上的混乱。结果可能把美学的研究对象乃至美学本身也一起肃清了。5解释学美学编辑当代在欧洲大陆流行，也在美国得到传播发展的是解释学美学。“解释学”一词来源于古希腊，意思包括“讲述”、“说明”和“阐释”，归结起来可理解为“作解释”之意。现代解释学开始于德国的F.D.E.施莱尔马赫（1768～1834），他规定解释学作为“理解的艺术”，其任务在于解决一种“解释上的循环”。这种循环是理解一部作品总是通过作品中的句子，而理解作品中的句子又要依赖于对整个作品的理解。在这个意义上，解释学被看作是一种方法论。W.狄尔泰发展了这种方法论的解释学,他认为,“理解与解释总在生活本身之中”。只有从我们历史的理解方式中才可以确认我们的方式。狄尔泰把美学看作是解释学的一个重要方面。解释学的原理就是把握基于作品解释之上的生活的结构。对文学作品意义的解释总是根据解释者所处的不同的历史条件。海德格尔使解释学由一种方法论的认识变为一种本体论和一种研究存在本身的哲学。他认为，从本体论意义上说，理解就是存在的本质。H.-G.加达默尔继承海德格尔建立起了解释学美学。他认为，解释学美学的“任务就是理解作品所说的意义以及使这种意义对我们和其他人都清晰化”。根据加达默尔的观点，对作品意义的理解属于一种读者与作品的“对话”过程，这种对话是由建立在传统之上的人类生活的历史整体所规定的,只有在这个对话过程中,作品意义才被创造出来。加达默尔指出，一部作品的意义，总是由解释者的历史背景，即由历史客观进程的整体决定的。理解不是一个复述的过程，而是创造的过程。加达默尔认为，作品意义是由作者与读者共同分担的。美国的E.D.赫什提出了与加达默尔不同的观点。他认为，作品意义只能是作者意向表达的意义，因为作品意义与作品的意义的意义是不同的。作品的意义是作者通过作品文字表达出来的意向意义，这是一种不变的意义；而作品意义的意义却是作品意义与读者或作者的关系。作者在不同时期对他自己作品的不同解说只是反映了他同自己的作品意义的一种关系。他认为，如果不把作品意义规定为作者意向，那就不能发现真正的作品意义，也就不会有真正有效的解释。法国的P.里科尔提出，“理解一部作品就是理解在这部作品面前的我自己”。他不同意加达默尔所提出的理解作品意义是读者与作品互相“对话”的观点。里科尔认为，作为自主性的作品与交谈是不同的，交谈是属于提问与回答的交流，而作品中作者与读者之间并无这种交流。所以，对作品意义的解释只是“主体开始理解自己的一种自我解释”。德国的H.R.姚斯在加达默尔解释学美学的基础上，于1980年开创了接受美学。他提出作品意义的解释是以一种作为初步性理解的主体审美感知为先决条件的。西方近现代美学日益趋向多元化和专门化。关于作品分析、艺术评论、审美心理的实证研究愈益增多，出现了实验美学、社会学美学、形式主义美学、格式塔心理学美学、精神分析美学、现象学美学、结构主义美学等等美学流派。

第一章 中国古代建筑的主体——木构架体系第一节 木构架建筑的历史渊源第二节 木构架建筑的发展推力第三节 木构架建筑体系的若干特性第二章 单体建筑形态及其审美意匠第一节 单体建筑的基本形态第二节 单体建筑的“下分”——台基第三节 单体建筑的“中分”——屋身第四节 单体建筑的“上分”——屋顶第三章 建筑组群形态及其审美意匠第一节 建筑组群的离散型布局第二节 庭院单元的基本类型第三节 庭院式组群的构成机制第四节 庭院式组群的空间特色和审判意匠第四章 “礼”——中国建筑的“伦理”理性第一节 宗庙为先：礼制性建筑占主导地位第二节 尊卑有序：建筑等级制被突出强调第三节 述而不作：建筑创意新意识受严重束缚第五章 “因”——中国建筑的“物理”理性第一节 环境意识：因地制宜第二节 构筑方式：因材致用第三节 设计意匠：因势利导第六章 建筑意境及其生成机制第一节 建筑意象与建筑意境第二节 建筑意境的构景方式第三节 建筑意境的强因子：山水意象第四节 建筑意境客体的召唤结构第五节 建筑意境接受的鉴赏指引余论 中国建筑的硬传统和软传统后记

建筑的形式越完美地表现出崇高伟大的精神内容，审美价值就越高。建筑形式的美，来源于内容的善。这种观点早在古希腊时期就已经有了，中世纪的神学美学家更把体现上帝的光辉称之为美，风靡达400年之久的哥特风格,把基督教的精神表现得淋漓尽致（见彩图）。18世纪欧洲启蒙主义影响下的建筑审美观特别强调建筑美的理性因素。19世纪初浪漫主义思潮则怀恋中世纪田园牧歌的情调和宗教气氛，给建筑审美观以很大影响。当时的评论家和建筑师认为,建筑美必须体现出对上帝的景仰,所以基督教国家的建筑必须采用哥特风格，使早已走下历史舞台的哥特教堂形式复兴起来。 ②　认为建筑美是一种客观存在。建筑的造型只有符合客观的形式美法则才是美的。这类理论最早的代表是古希腊的毕达哥拉学派。公元 1世纪罗马帝国的建筑工程师维特鲁威在《建筑十书》中指出，美是客观存在的，它主要表现在建筑各部分间和谐的比例。15世纪文艺复兴时期的艺术家们也非常重视比例的研究。17、18世纪的欧洲古典主义建筑师们，更把建筑的比例关系推崇为建筑艺术最高的客观法则，在各种数学关系中寻求美的奥秘。现代建筑的代表人物之一L.柯布西耶（1877～1965）曾经用黄金分割的比例设计建筑。欧洲关于建筑形式美法则的研究，从文艺复兴以来，通过两条途径形成了完整的体系。一是测量古希腊、罗马的大量建筑遗物，从中总结出来一套比例法则。其中以G.da维尼奥拉和A.帕拉第奥总结的五种柱式典范影响最为深远。五种典范是古罗马建筑五种柱廊形式的比例法则，在300～400年间一直被认为是欧美建筑最美的代表。再是通过对许多公认为美的建筑进行几何的构图比例分析和视觉分析,总结出若干形式美的法则,称为构图法则。这类著述很多，其中，1952年出版的美国哈姆林所著《二十世纪的建筑形式与功能》和1960年出版的苏联建筑科学院建筑理论、历史和建筑技术研究所编写的《建筑构图概论》较有代表性。前者把构图法则归纳为10种，即统一、均衡、比例、尺度、韵律、布局中的序列、规则和不规则的序列设计、性格、风格、色彩。后者强调建筑构图中形式与功能、结构的统一性；作为协调手段，总结出 7种构图法则，即对称与不对称、对比与微差、韵律与节奏、模数、比例、尺度、光学校正；另有 4种辅助手段，即色彩与照明、建筑装饰图案、雕塑、纪念性绘画。③认为建筑美在于建筑形象作用于人的心理活动产生的某种反应。早期的实验心理学试图通过心理-生理试验，探讨某些建筑因素如体量、形状、线条、色彩、质地等对人的心理影响，但试验结果并不能确切解释复杂的建筑艺术的审美效果。近代的格式塔心理学和移情说也逐渐被用来解释建筑的美感。按照前者的基本观点，建筑美感是一个综合的整体，其中包括诸如感受、知觉、联想、回忆、冲动等等心理活动要素。而每一要素又往往与建筑的某些空间、部件、式样、手法、色彩、质地等发生对应联系，抽掉了其中一个，也就破坏了整体的美感。按照后者的基本观点，只有当观赏者与建筑形象融为一体时，才能产生强烈的美感；或者说，当无生命的抽象的建筑形式被赋予了人格化的特征时，才具有美的意义。例如人们感到庙堂神圣崇高,宫殿雍容典雅,园林幽美闲静，住宅安详恬适，都是人的情感和建筑的环境、形式等互相交融的结果。

随着资本主义工业生产的发展，城市人口急剧增加，建筑功能日益复杂，许多新技术、新材料、新设备用于建筑。从19世纪下半叶开始，传统的建筑审美观迅速改变了。80年代开始于比利时的新艺术运动首先改变了传统建筑的风格。其后在德国有青年风格派，奥地利有维也纳派，美国有芝加哥学派等等，他们共同的倾向都是反对古典主义形式，反对装饰，强调形式服从功能。20世纪20年代以后，一批青年建筑师以系统的理论和众多的实践掀起了现代建筑的高潮。其中最著名的人物是德国的W.格罗皮乌斯(1883～1969)、密斯和法国的柯布西耶。他们关于建筑美的共同主张是：充分发挥新技术新材料本身性能的特点；尽量满足使用功能和提高其使用效率；建筑形式应与功能、材料、结构、工艺完全一致；反对历史上的建筑式样和构图格式；摒弃一切外加的装饰；创造以空间和体量的总体构图为主要特征的建筑艺术；重视观赏者运动的空间 -时间构图。根据这样一些观点，人们又常把这类观点称为功能主义或现代主义。1925年格罗皮乌斯设计了包豪斯学校，这所实用、经济、构图简洁新颖的建筑以及该校所宣传的现代艺术理论，得到社会的广泛支持，成为现代建筑的里程碑。密斯在20年代提出了现代建筑最激烈的主张：我们不考虑形式问题，只管建造问题。他抓住现代材料中使用最多的钢和玻璃，设计了许多钢架玻璃盒子式建筑。这种形式的建筑一时风靡西方，被称为密斯式建筑。柯布西耶则以1923年出版的《走向新建筑》一书奠定了现代建筑的美学理论基础。该书认为工程师不自觉地从经济法则与数学力学公式中得出的规则是最美的形式。而建筑师则应当在调整建筑的平面、墙面和体形的关系中，创造纯净的美的形式；为此，应当用线或角的比例作为协调构图的准绳。他还指出，住宅生产要向飞机、汽车看齐，宣称住房是居住的机器。与上述三人齐名的美国建筑大师F.L.赖特创造了有机建筑理论，认为应设计一种由内而外的建筑,它的目标是整体性,具有一种协调的感觉。他特别重视建筑与自然环境的有机结合，他说：作为创造性的艺术家，你就得到了特定环境中的建筑的性格，因此有机建筑有时也就称为自然的建筑。赖特的美学观富有人情味和浓厚的浪漫主义气息。他的作品冲破了玻璃盒子的形式，空间灵活,常常使用富有乡土气息的地方材料和坡屋顶式样,造型亲切，风格隽永。现代建筑在冲击古典主义、折衷主义的泥古不化方面作出了卓越贡献，但他们的理论从一开始就带有形而上学缺陷,使得一些合理的主张走向极端,因而在半个世纪之中，西方的城市中充满了一座座冰冷的、千篇一律的玻璃方盒子，与不同地区、不同民族的生活习惯和审美趣味背道而驰，受到越来越多的指责。从20世纪70年代开始，建筑创作在探索新的出路。10多年来流派众多，形式纷杂,审美观表现出明显的多元化倾向。首先,建筑创作扩大为整体环境设计。1977年12月，来自世界各地的设计师们在秘鲁利马市郊外的马丘比丘废址上签署了一项称为马丘比丘宪章的宣言，宣称设计师们决心恢复和重新创造人与环境的谐调，重视环境设计；强调城市的整体性、空间的连续性、环境的有机性以及人在创造环境美时的能动性。目前，城区设计已成为规划师、建筑师注意的重要课题。其次，在被统称为后现代建筑的潮流中,出现了形形色色的设计和创作,如吸取古典传统，讲求比例严谨的新古典主义；力图赋予建筑以某种具像形式的 象征主义 或隐喻主义;注意结合地方特色的新方言派;以采用大面积反射玻璃和半透明有色玻璃为特色的光亮派；主张率直地表现新结构新设备的重技派；故意将建筑形式做得奇形怪状甚至残破衰败的奇异建筑派，等等。在这些流派中，美国建筑师 R.文丘里在 1966年出版的《建筑的复杂性和矛盾性》一书，越来越发生重要的影响。作者强调建筑是一个矛盾的集合体，因此建筑创作必须兼容并蓄。他说:我喜欢杂而不要"纯",要折衷而不要"干净",宁要曲折而不要"直率",宁要含糊而不要"分明",既反常又无个性,既恼人又"有趣"，要兼容而不排斥，宁要丰富而不要简单，不成熟但有创新，宁要一致和不肯定也不要直截了当。这本书提出的一系列美学观，猛烈地冲击着20、30年代的现代建筑理论和实际。

历史上人们对于建筑的审美观点大体上可分为3类：1.认为建筑的审美价值主要表现在它所体现的伦理价值。2.形式追随的功能，也就是建筑物修饰是否必要。3.建筑文化的多样化表达。

因为剧情符合人的审美观比较漂亮。

中国建筑是东方最为显著的独立的工程技术，就是和西方建筑比较起来，也是极其特殊的。许多建筑物不仅是中华民族优秀文化的丰碑，而且是艺术的大宗遗产。中国建筑的美学意蕴除了呈现在它 的结构方面，最主要的还有屋顶、色彩、和匀称的平面布置。下面简论之。　　中国古代建筑用材的最大特点是以土木为材 ，外加一些砖石瓦，这就决定了中国古代建筑结构的发展方向，是以木构架为主要结构方式。而“间”是中国古代建筑的一个单位 ，每座建筑物都是有一间或多间合成的。这种木构架的结构呈现出中国古代建筑的艺术，其根本的原因在于木这种材料的性能。木长度有限 ，这就决定了古代建筑之柱过频、“间”之跨度 不能过大的特点。和西方中世纪或文艺复兴时期大教堂内部空间的高广相比，中国古代建筑的“间”的审美属性偏于小巧而少雄浑之气 ，一定程度上切合古人偏于宁静独处的内心要求。同时这种间的狭小，有时又显得碍手碍脚、过于拥挤，便有群体组合的出现。群体组合，主要表现为平面上间与间的连续组合，经向高空发展的间与间的上下结合，这种组合方式，在实用意义上扩大了建筑实用空间，并且极大地加强了整个建筑群的稳固程度；在审美上，却创造了独具中国民族特色的建筑群体形象 的美 。这种建筑群体常给人以愉悦的美感，这种美感是属于优美范畴的 。因以土木为材，质感偏于“熟软”，而少生硬，性格温和柔丽 ，而少阳刚之气，这一点在民居上表现得尤其明显。与欧洲古典的石料建筑相比，即使是中国古代宫殿建筑，也还是富于东方特有的美的“土气”。建筑群体组合林林总总，气度不凡，井然有序，象征古代中国有条不紊的人间秩序，空间序列少有西方古典宗教建筑那样向高空发展的，因而整个建筑形象亲切近人，轻盈平易，富于诗意的洋溢而不给人以突兀、惊奇的痛感。　　中国建筑的屋顶，其基本造型在于曲线形，无论品位最高的垂脊四面坡的庑殿顶 （宋时称四阿顶），还是歇山顶、攒尖顶等等，莫不如此，古希腊那样的平定式极为罕见。这种屋顶全部的曲线及轮廓，上部巍然高耸 ，檐部如翼轻展，使本来极无趣，极笨拙的实际部分，成为建筑物美丽的冠冕，是其它的建筑所没有的特征。这“翼角翘起”，在结构上是极合理，极自然的布置。看似不可信的简单和自然，但在美观上不知增加了多少神韵。宗白华认为，中国建筑特有的“飞檐”起一种动态的作用，而很早就趋向飞动之美了。“如跂思翼，如矢斯棘；如鸟斯革，如翚斯飞”。（《诗•小雅•斯干》）中的这些著名诗句 ，是以鸟的飞势来形容中国古代飞檐的飞动之美。本来建筑物是以静态而存在的 ，而这种反宇飞檐的匠心独创 ，化静态为动态，给人的心理必极大的美感，显得轻盈俏丽 ，偏偏欲飞。　　色彩是中国建筑的主要特征之一。在木料 表面涂上油漆，是为了防腐的实用目的，因其色彩分配得当，所以又收到美观的艺术效果。中国建筑上色彩的分配，是非常慎重的。檐下阴影掩映部分，主要色彩多为“冷色”，如青蓝碧绿，。柱和墙壁，则以丹赤为其主色，与檐下幽冷的冷色的彩画正相反其格调。有时庙宇的柱廊竟以黑色为主，与台基的白色相映衬。显得黑白分明，给人以极强的艺术效果。　　中国的建筑既然为彩色的，假使这些彩色滥用于建筑的全部，使上下金碧辉煌，势必鄙俗妖冶，乃至野蛮，无所谓美丽和谐或庄严了。琉璃瓦自汉代传入中国，用于屋顶当始于北魏，明清两代，应用尤广。这个由外国传入中国的宝贵建筑材料，更使中国建筑大放异彩。本来轮廓已极优美的屋宇 ，再加上琉璃色彩的宏丽，那建筑的美观更加无可挑剔。 但在瓦色的分配上也是因为操纵得宜；尊重纯色的庄严，避免杂色猥亵，才能如此成功 。如，说到明清北京皇家建筑，其基本、典型的色调为黄红两色，大凡品位较高的建筑，均以黄瓦红墙为基本特征。这一切的黄瓦红墙交相辉映，色彩协和悦人，都与皇家以及封建统治者内心的华贵、庄严、兴旺的气象连接起来，给人一种庄严的，不可凌越的崇高感。　　中国的建筑在平面布置上大都采取以单层房屋为主的封闭式院落布置。房屋以间为单位，若干间并连成一座房屋 ，几座房屋沿地基 周边布置，共同围成庭院 。这种院落式的群组布局决定了中国古代建筑的又一个特点，即重要建筑都在庭院之内，越是重要的建筑，必有重重院落为前奏，在人的行进中层层展开，引起人可望不可及的企盼心理。这样，当主建筑最后展现在眼前时，可以增加人的激动和兴奋之情，加强该建筑的艺术感染力。那些前奏院落在空间上的收放 、开合变化，也能反衬出珠院落和主建筑的压倒一切的地位。中国古代建筑，就单座房屋而言，形体变化并不太丰富，主要靠庭院空间的衬托取得所欲达到的效果。从这个意义上说，中国古代建筑是在平面上纵深 发展所形成的建筑群与庭院空间变化的艺术。中国古代建筑已延续了两千多年，且流布范围极广，虽杂收外来影响，但却保持了独立的结构体系，且已积淀为一个独特的艺术系统，蕴含了极强的美学意蕴，值得我们好好体味。

比例关系给我们的最大的启发便是，任何物体只要具备一定的比例关系，它便初具视觉上的美感；而且绝大多数我们觉得美的形式，都具有和谐的比例，希腊人份在追求形式美感上最伟大的贡献就是，详细观察自然界的他们觉得美的物体，分析出他们的比例关系，并建立在数字关系上，从此影响了整个西方建筑的发展，直到今天。例如，希腊人发现的1：1.618或是1：0.618这种固定的比例十分优美，而且经常出现在自然界和人体之中，因而称之为黄金比例或黄金分割，具有这种比例的长方形因而称为黄金矩形。除此之外，文艺复兴时期的伟大的建筑师帕拉迪奥提出，被我们经常觉得优美的比例，除了最平稳和谐的1：1（正方形和圆形）以外，尚有1：1.414，1：1.732，1：2.23许多生物之所以和谐好看就是因为他们的各个部分与部分之间或者部分与整体之间，存在着上述几种优美的比例关系。由于古希腊人相信“人体可作为万物的度量”，因此在他们的观念中，要获得建筑物的美感，就必须使建筑物具备符合人体每当比例关系与和谐的秩序，确立了神庙柱子的型式，其中，从柱头到柱基的每个部分或构件都形成了以柱子直径为基准的数字关系。接下来，他们又将这套以柱子直径为基准的比例关系，推展到整做神庙的设计之上，在神庙立面之中，我们可以看到阶梯的宽度，楣梁，山墙等部分，都与柱子直径有固定的比例关系。因此他它的平面与立面都具备了各个部分与整体之间的比例关系。另一个与比例有关的，就是柯布西耶在19世纪40年代所发展起来的模数关系，它的概念就好像日本传统家屋中以“榻榻米”形成的割据一样，由于榻榻米的长边是短边的两倍，不论如何组合都具备某种固定的比例关系。这样的基准关系更能使得家具的大小，有一定系统可言，而不会发生不同家具摆设时，而摆不正的矛盾现象。比例尺度与空间感我们前面谈到的比例是以自然界及人体的美感为基础，发展而得到的一套秩序关系。它可以说是建筑物自身所具备的绝对性关系，但另外有一种美感要素，就是尺度。它是在建筑美感上的考量，也和比例一样，是为了建立和谐的视觉秩序，比例是要达成建筑物本身的和谐关系，而尺度要追求的是建筑物与周围环境的和谐关系。尺度所关照的美感层面就是建筑物与人的相对关系。建筑师面临许多挑战中的主要项目之一，就是要营造空间，使人们处在不同空间中，有特定的空间感。例如为了营造一个另人敬畏的空间感，来阐扬神的伟大和人的渺小，位于土耳其的圣索菲亚教堂所具有的巨大空间，和所有哥特教堂高耸的主殿，相对于人在里面的尺度，都是非常成功的例子。而建筑师赖特在其流水别墅中的空间的高矮与大小，为业主提供了亲切宜人的尺度。有上面的几个例子，尺度上的拿捏与空间感的塑造，要随着不同的自然环境，不同的区域，不同的使用功能，甚至是不同的高低胖瘦使用者而从事不同的深思熟虑，绝非一成不变。平衡对称不对称放射所有没的事物之所以能感动人，必须先透过我们的视觉系统，对物体做一番打量，我们才能有下一个阶段心灵上的感受。因此这些美感的要素就是为了满足大部分人的视觉系统。这样的特性反映在建筑美感因素上就是视觉上的平衡。追求平衡的形式，一直出现在建筑历史之中，不论从埃及，希腊，罗马以来的建筑发展，以及我们耳熟能详的中国传统建筑——故宫建筑群，这些建筑形式大都遵循对称的平衡，历代的建筑理论家经常以人体的对称性，来类比建筑物应具有的庄严而优雅的对称美。追求视觉上的平衡，虽然大部分是以对称的形式而达成的，但有时候就像跷跷板一样，不同重量的两边，可以因距支点的距离不同而达到平衡的关系。我们可称这种关系为不对称均衡。例如柯布西耶在巴黎郊区的萨瓦耶别墅，惊鸿一瞥，具有左右对称的平衡，然而左上方几个圆柱体却破坏了这样的对称关系，但经过仔细打量后，这个建筑仍然是平衡的，因为左上方的突出物加上左下方的空虚部分，与右上方的许体，加上右下方的实体比较起来，维持了一种不对称的平衡美。最后一种视觉的平衡是向心或放射状的平衡，许多欧洲城市都有放射状的空间，这种平衡关系的中央焦点，经常是具有纪念性的地标，如巴黎以凯旋门为中心的放射空间，另外古今中外的许多圆形建筑物，如赖特的古根汉母美术馆，中国皇帝祭天的天坛，都因为使用了圆形的空间，而达到的向心与放射状的平衡。重复与韵律我们经常听到这样一句话“建筑是凝固的音乐”当提出这个再恰当不过的观点时，最能解释音乐与建筑的共通性的桥梁，除了两者都有来自希腊时代便开始探讨的比例关系之外（音乐中的几度音程与建筑的特定比例，得自同一套数学关系），便是他们都讲求因重复性而产生的美感。建筑中的韵律也是经由重复性而得。希腊神庙以及以后长久的后续发展，便是透过柱子的重复，而获得令人满意的韵律。罗马时期重复的连续圆拱，为这种连续而简单的韵律感，下了几近完美的注解。重复性在建筑中的发展，到了文艺复兴时有了更深入的了解。如阿尔伯蒂虽然重复使用古典柱子，但却将原来的固定不变的间隔，调整为中央间隔较宽的另一种韵律关系。这样在韵律中求变化的做法，不仅符合音乐上的利用高低起伏而长短相同的原则，也被当代建筑师发扬光大。例如台湾近年刚完成的凤凰城中央图书馆便利用钢架撑起随风飘扬的三角纤维布，除了提供遮阳的功能之外，重复而变化多端的形式，也提供了灵活而动态的韵律感。

一、差异所在 1、建筑用材上的差异 从根本上说，中西方建筑艺术的差异首先来自于材料的不同：传统的西方建筑长期以石头为主体；而传统的东方建筑则一直是以木头为构架的。这种建筑材料的不同，为其各自的建筑艺术提供了不同的可能性。在现代建筑未产生之前，世界上所有已经发展成熟的建筑体系中，包括属于东方建筑的印度建筑在内，基本上，都是以砖石为主要建筑材料来营造的，属于砖石结构系统。诸如埃及的金字塔，古希腊的神庙，古罗马的斗兽场、输水道，中世纪欧洲的教堂，无一不是用石材筑成，无一不是这部“石头史书”中留下的历史见证。虽然中西古代建筑都起源于木构，这已为大量的人类考古发现所证明。但是，中国(包括邻近的日本、朝鲜等地区)建筑始终对土木情有独钟，传统建筑仍以木为材的梁架结构体系，沿用了原始的木构结构，并保持了长期的一贯性和连续性，使得中国建筑把木材运用得得心应手，把木材的装饰发挥得淋漓尽致，并用土木谱写了一曲优美的乐章。因而被誉为“木头的史书”。 不同的建筑材料，不同的文化与社会，使得中西方的古代建筑有了不同的艺术表现。不同的民族有着不同的文化，流露出不同的情感；不同的材料造就不同的建筑，展现不同的信念。西方古典建筑的艺术风格重在表现人与自然的对抗之美。石头、混凝土等建筑材料的质感生硬、冷峻，理性色彩浓，缺乏人情味。中国传统建筑特别注重“线形美”，讲究线条的婉转、流动和节奏韵律，擅长以线造型，以线传情。中国传统建筑采取木质的梁、柱恰恰能适应这种“线”的艺术感染力。故中国传统建筑无论是单体建筑的外轮廓线，还是群体建筑的天际线，都与中国绘画重的勾、描有相同之处。 2、建筑造型上的差异 与西方的石制建筑不同，中国传统造型特别强调“线型美”，讲究线条的婉转流动，从而构造出多种多样的飞檐。可以说飞檐的设计是我国古典建筑中的璀璨明珠。不同的飞檐形式往往会有不同的艺术效果，或轻灵，或朴实，或威严。《阿房宫》赋里的“廊腰缦回，檐牙高啄；各抱地势，钩心斗角”就是飞檐的真实再现。我国古典建筑的四大家——亭、台、楼、阁都用飞檐来标明自己的身份，表达自己的情感，而且飞檐的高低、长短往往会成为建筑设计的难点和要点。 而西方建筑则一般是垂直发展，建得又高又大。譬如罗马可里西姆大斗兽场高为48米，“万神殿”高43.5米，中世纪的圣索菲亚大教堂，其中央大厅穹窿顶离地达60 米。文艺复兴建筑中最辉煌的作品圣彼得大教堂，高137米。它们以夸张的造型和撼人的尺度展示建筑的永恒与崇高，以体现人之伟力。在西方古典建筑中，横空出世的尖塔楼，孤傲独立的纪念柱处处可见。这些庄严雄的建筑物固然反映西方人崇拜神灵的狂热，更多是利用了先进的科学技术成就给人一种奋发向上的精神力量。 3、表达的伦理意识上的差异 中国传统建筑最具有代表性的便是古典园林建筑，因深受儒家思想的影响，文人的追求和喜好左右着造园，因而中国的传统园林在实际意义上是文人园林，历来讲究“气韵生动”的美学原则，在本体认识的差异上，重视整体的和谐，强调人与自然、人与人之间和谐的关系。所以中国传统建筑的艺术风格以“和谐”之美为基调。老子《道德经》曰：“人法地，地法天，天法道，法道自然。”这些老子的这种思想代表了古人的自然崇拜观念，却有着明显的人与自然和谐大同的意味，同时也影响了中国的传统建筑。尽管我国先秦时期的建筑也曾有过高台榭、美宫室，气势磅礴、壮丽辉煌的阳刚之美，但随着儒家“中和”思想的影响，汉以后，特别是魏晋南北朝以来，中国传统建筑这种展现对抗力度的阳刚之美逐步走向“和谐”与含蓄之美。以内封闭的内部空间组合，纡余委曲的建筑序列层次，婉转、舒缓的建筑节奏韵律和凝重、自然的建筑装饰设计，给人以亲切、温馨、安闲、舒适的审美心理感受。 西方建筑的艺术风格则重在表现人与自然的对抗之美。从历史发展来看，西方视自然为无生命的物质，在中世纪之前，基督教甚至是禁止游山玩水的，他们更多看到的是自然狂暴、危险的一面，那些傲然屹立的神殿、庙坛，处处皆显示出一种与自然的对立和征服，从而引发人们惊异、亢奋、恐怖、等审美情绪。以哥特式建筑为例，它以高、直、尖为特色，高大的形体由于飞扶壁的作用显得薄而轻快，一个个向上挺拔的尖拱打断了横向的构架，自下而上层层推进，仿佛卷起的浪潮，一层层向上推涌，直至尖顶，以震撼人心的力量将人们的精神引向上苍，寄托着教徒对天国的慕渴与向往。同时，也突出建筑个体特性的张扬，都不遗余力的表现自己的风格魅力，这反映了西方传统文化中重视主体意识，强调个体观念。 另外，西方传统建筑一直遵循整齐一律、平衡对称、符合规律的形式美法则，故而在建筑风格上多体现出其超脱自然，驾驭自然的“人工美”，这同中国传统建筑强调与自然的融合之美有所不同，具有鲜明的对照性。 因由所在 1、自然地理上的差异 由于西方，特别是古希腊、古罗马的自然环境多裸露的山石，缺少树木，特别是山石地质因素，西方传统建筑体现出以石为本的风格，即主要采用冷而硬、厚而沉、庞而大的石块，以追求一种高大、强大、神秘、威严、震慑效果和体现一种弃绝尘寰的宗教出世精神。而古代中原林木很多，便于就地取材，加上中原地区适合建筑需要的石材相对较为难觅，且搬运不便，所以建筑多以木质结构为主。另外，希腊等地中海地区的欧洲民族，气候属夏干冬雨的地中海式气候，土地贫瘠，光热水土自然因子组合不谐调，使得他们的海上生活的重要性大过陆地，加之海上生活常常与狂风恶浪搏斗，故产生“天人相分”、“人定胜天”等思想。这种文化观念反映在建筑风格上，中国传统建筑比西方传统建筑更加注重与自然环境的和谐，风格上也相对平和、含蓄一些。 2、文化上的差异 中国人重视整体的和谐，讲究事物的对立统一，强调人与自然、人与人之间和谐的关系。天人合一的中国传统思想，体现在建筑中，最显著的是中国古建筑的功能通适性、空间灵活性，充分适应人的生活变化，与人相融合。加之天井、院落、庭园及通楹排窗、走廊u201eu201e及风水选择与安排，人、建筑空间与自然之间水乳交融。如中国传统建筑重视功能的通适性，住宅、书院、茶肆、旅馆等同时并存，适应不同的使用需要。崇尚自然的思想在中国建筑中首先表现为中国人特殊的审美情趣。平和自然的美学原则，在中国山水园林设计中，表现得淋漓尽致。 在西方哲学传统主流中，几乎一边倒的是人与自然决无和谐相融，而是你死我活地只有相克。如果说中国传统建筑空间因轻灵秀丽令人神往，那么西方(欧洲)古代建筑的空间则因其充满秩序和几何美而魁力四射，他们极尽个人所能，不断的改造自然，征服自然，所以，西方的建筑带有极其浓厚的理性主义色彩。另外，希腊等地中海地区的原始欧洲民族住地，气候属夏干冬雨的地中海式气候，土地贫瘠，光热水土自然因子组合不谐调，使得他们的海上生活的重要性大过陆地，加之海上生活常常与狂风恶浪搏斗，故产生“天人相分”、“人定胜天”等思想。这种文化观念反映在建筑风格上，中国传统建筑比西方传统建筑更加注重与自然环境的和谐，风格上也相对平和、含蓄一些。 3、时空组合上的差异 大多数学者认为西方文化浓厚的空间意识，与最早发源于其特定的自然地理背景有关。西方原始居民的农耕混合制经济与渔业活动使生活在这里的西方民族对地理方位、空间布局的感受较强，极容易产生强烈的空间感受。所以西方的建筑物大都以中心向四周放射式规划，中心点或是教堂，或是广场等，他们逐渐摆脱了孤立的单个设计和相互间的偶然配合，而更注意建筑的完整性，体现了文艺复兴面向新生活的新精神。而生活在农耕地理环境的东方人，在平缓绵延的冲积平原上，日出而作，日落而息，生活很有规律，劳作相当有序，过着日复一日、年复一年的循环往复的田园生活。其单一农耕型的经济结构，对四季变化依赖较大，人们容易产生强烈的时间意识。 这种不同的时空观自然影响到建筑风格的差异，尽管中华古人在观念地构建其宇宙观时不会无视与抹煞空间的存在，但中华民族更偏重于对空间之运动形式即时间而不是对空间存在本身的思考。人们将自然界中的山石树木池塘与建筑结合在一起，将天南地北、春夏秋冬，各时各地的风景人为巧妙地组织起来，以达到宛似天成的意境。例如苏州园林、圆明园等著名建筑都是如此。 综上所述，正是由于文化的起源不同，而引起了不同的建筑文化理念、审美、形式，中西古建筑各具特色，分别给人们带来了不同的生活模式、不同的心理体念、不同的审美享受。在近代的中西文化碰撞中，我们需要对自己的文化进行反思，继承传统文化优良的一面和西方文化的积极因素，进而重塑属于我们自己的建筑理念，树立有本国特色的新风格。

1、建筑是技术和艺术的统一体。建筑学是一门涉猎宽、内容广德的综合学科。 音乐艺术、绘画艺术、诗词艺术是纯精神性艺术，建筑艺术是以技术为基础的艺术，要全面看待或正确把握在建筑当中的艺术和技术二者的关系。 2、美学以研究审美活动为学科起点，具有开放性、交叉性、边缘性的学科特点。 美学的诞生可以追溯到1750年，德国的哲学家鲍姆伽登创立了这门学科。 美学研究的误区认为美学是研究美的学科。 对这个误区的反思是在海德格尔、维特根斯坦、克尔凯戈尔。长期的美学研究我们用的是知识论哲学或者叫认识论哲学，我们认为美学研究的哲学基础应该是价值论哲学，即美是一种价值。它是客体的审美属性和主体的审美需要，在审美活动中契合而成的一种价值。它不能独立于人而存在。 但是美学这门学科从它的诞生就表明了它的态度。第一，它是开放的，第二是交叉性，第三是边缘性，是从另一个角度揭示了交叉性。 3、建筑美学是建筑学和美学相交而成的新兴边缘交叉学科，学术前景广阔，学科生命力强。 4、建筑美学研究属于跨学科交叉综合研究。

1．建筑艺术的审美特征（1）建筑艺术是物质功能性与审美功能性相结合的艺术建筑的物质功能性是指建筑的实用性、群众性、耐久性。所谓实用性，即是说，建筑的目的首先是为了“用”，而不是为了“看”。即使是纪念碑、陵墓也要考虑举行纪念仪式时人流活动的具体要求。其它各类艺术，美可以是唯一目的或主要目的，而建筑却必须和实用联系在一起。建筑的实用性特点，影响着人们的审美观。即是说，建筑物对人类生活的功能好坏，往往决定着人们观感的美与丑，因而建筑的审美意义，有赖于实用意义。试想，一座通风不良、噪声震耳、光线幽暗的车间，打扮得再花哨，也不会引起工人的美感；一座华贵高大的楼房，如果风一吹就要倾倒，那么色彩无论怎么鲜艳，多姿多彩，住在这座楼房里的人也不会觉得它美。相反，如果实用功能处理得好，往起来很舒适，即使外形简单一般，也会给人以美的感受。即使是艺术比重大的建筑，比如展览馆、歌剧院、大会堂、高级酒店、园林，如果用起来让人别扭，也会被认为“华而不实”。建筑的实用性是艺术性的基础，而艺术性中也常常包含着实用性。建筑的物质功能性还表现在它的群众性上。没有一个人能离开建筑，建筑的审美是带“强制性”的。人们可以不听音乐，不看戏剧，不欣赏画展，不读小说，但却不可能不住住宅，不可能对矗立在自己眼前的建筑机而不见。因为它是物质存在，是实实在在的东西。不管你自觉还是不自觉，有兴趣还是无兴趣，都会经常面临着各种类型、不同形式的建筑物，这些建筑都会“逼迫”人们提出自己的审美评价。建筑的物质功能性另一表现是在于它的耐久性。建筑是巨大的、造价可观的物质实体，一旦建成，除非地震火灾和战争破坏，它都会长期保留下去，很难被人遗志或丢失，事实上成了一个时代、一个民族的纪念碑。建筑的物质功能性决定了建筑物具有纪念性。比如希腊的神庙、罗马的广场、巴黎的铁塔、中国的万里长城、非洲的原始村落，还有数不清的古城市。古村镇，当初并不是为了纪念而专门建筑的，但是到了后来，却成了纪念性很强的古迹，成为人们欣赏的历史文化了。车尔尼雪夫斯基说：“建筑与工艺没有质的区别，只有量的区别。”英文“建筑”一向本意为“巨大的工艺”。前面已经说过，建筑同工艺一样是从实用的基础上发展起来的，但仅有实用又是不够的，还要满足人们的审美需要，还要讲究艺术件。比如，住宅建筑最基本的要求是舒适、亲切、顺眼；园林建筑讲究清新、自然、雅致；游乐场所的建筑则应轻快、活泼；而纪念性的建筑则应崇高、庄严。实用功能性与审美功能性紧密地结合在一起，达到了和谐的统一。同时，建筑的审美功能，往往借助于其它艺术门类给予加强，有的还能起到画龙点睛的作用。雕塑、绘画（主要是壁画）、园艺、工艺美术以至音乐都能融合到建筑艺术中去。比如欧洲古典建筑中的雕刻、壁画就是当时建筑艺术重要的组成部分，如果去掉了这些东西，那么这些建筑也就黯然失色了。再比如，中国的古代建筑是群体取胜，造成群体序列的性格和序列展开的效果，也往往要依靠这些附属的艺术，如华表、石狮、灯炉、屏障、碑喝等，单独的古建筑也常用壁画、匾联、碑刻、雕塑来加以说明。从这个意义上，也说明了建筑具有一定的艺术综合性，具有鲜明的审美功能性。自古以来，人类花费在非实用方面的财富和这方面的创造是相当惊人的。尤其是近年来，人们越来越把建筑的美肴重，有时甚至超过实用价值。日本在爱知县甚至建造了一座别致的音乐桥。这是一条人行便桥，全长仅31米，宽两米，桥两侧栏杆装有109块不同规格的音响栏板。过桥的人，只要拿起水槌，轻击栏板，不管你懂不懂音乐，会不会唱歌，就能奏出一首法国民谣《在桥上》。回来时，敲击桥的另一侧，就会响起日本家喻户晓、脍炙人口的民歌《故乡》。人们称誉它是“石琴桥”、“声情并茂的建筑物”……你大概想不到，这座小桥最初的设计提出者，竟是一个爱哼小曲的中学生呢！当然，建筑的实用功能性和审美功能性，在木同的建筑对象中可以各有偏重。有的审美功能比重大收，甚至占主要的地位，比如纪念碑、游乐园、陵墓等；有的比重大体相等，如商店、学校、医院等；有的比重小些，如仓库、厂房、桥梁等。但即使审美比重小的建筑在建设时也离不开一定审美观念的支配，建筑本身也要具有和谐的比例，角度、尺寸、序列、韵律，也要考虑周围的环境，比如前面所说的仓库、厂房、桥梁等，就要考虑合适的位置，适当的高度等，也是直线和曲线的组合，从这个意义上来说，它也具有了审美功能性。（2）建筑是空间延续性和环境特定性相结合的艺术建筑是个空间环境，它要占据一定长、宽、高的位置。那么，我们在一定的视点上，本可能一下子看到全体，只能看到它的一部分。比如，看一座坡屋顶的房子，在室外我们只看到三个面。如在室内，我们最多也只能看到它的五个面。我们要想看到全部的面，就要移动自己，才能陆续地把所有的面看完。即是说，人们在任何一点上欣赏建筑，感觉都是不完整的，只有在各个位置，从远而近，从外而内，从上到下，从前而后，围绕建筑走遍，才能获得完整的感觉。如果是一个建筑群体，那就更复杂，更需我们未断地变换观赏位置。人们就是在这种位置的不断变换中，也就是空间的不断延续中获得了审美感受。正因为建筑具有空间延续性，因此，它的艺术形象永远和周围的环境融为一体，有的甚至还主要靠环境才能构成完美的形象。道理很简单，建筑物一旦建成，就不能移动，除非特殊情况，不会出现房子搬家、桥梁搬家的事，而一旦搬了家，其审美效果也随之改变，原来的效果不复存在，后来的又出现新的审美效果。比如埃及的金字塔，必须是置于埃及这广阔无垠的沙漠中，才有永恒的性格，如果搬到了东北大森林，很难设想，那是一种什么效果。又如，欧洲的哥特式教堂，必须是在中世纪狭窄、曲折的街巷中，才能充分显示飞腾向上的气势，如果放到宽阔的大街上或者林立的摩天大楼中间，就很难设想是什么景象了。再如，济南火车站的尖顶钟楼和穹形的建筑物，当年也许是十分气派和别具特色的，而今天，在旁边那些大楼和烟向的对比下，就很难行出当年的气派和特色，由此可见，正是这种空间的延续性和环境的特定性构成了建筑艺术的又一个审美特征。（3）建筑艺术是正面抽象性与象征表现性相结合的艺术建筑艺术在空间里塑造的永远是正面的抽象的形象。说它是正面的，是因为建筑所反映的社会生活只能为一般的，而不可能出现什么悲剧式的、颓废式的、讽刺式的、伤感式的、漫画式的形象。就建筑形象本身而言，也分不出什么进步的或落后的，革命的或反动的。天安门过去是封建王朝的正门，今天却是国徽上的图案，是伟大祖国的象征。万里长城本来是民族交往的障碍，是刀光剑影的战争产物，现在却成了全体中华民族的骄傲，是闻名世界的游览圣地。同时，它塑造的这个正面形象又是抽象的。是由几何形的线、面、体组成的一种物质实体，是通过空间组合、色彩、质感、体形、尺度、比例等建筑艺术语言造成的一种意境。气氛，或庄严，或活泼，或华美，或朴实，或凝重，或轻快，引起人们的共鸣与联想。人们很难具体描述一个建筑形象的具体情节内容。所表现的时代的、民族的精神也是不明确、不具体的，是空泛的、朦胧的。它不可能也不必要像绘画、雕塑那样细腻地描摹，再现现实；更不能像小说、戏剧、电影那样表达复杂的思想内容，反映广阔的生活图景。正因如此，建筑艺术常用象征、隐喻、模拟等艺术手法塑造形象。比如，古希腊曾有人认为人体各部分都体现着理想的美，故而早在公元前6世纪，古希腊建筑艺术的精华——多立安柱式建筑就以粗壮狂放的线条，形象地模拟了男子挺拔雄健的体形特征；而安奥尼柱式建筑则以柔和精细的线条，形象地模拟了女子拥雅柔美的体形特征。近代纽约航空港的TWA公司，则用典型的象征主义手法，建成了一座外形像展翅欲飞的大鸟的候机大楼。巴黎明星广场上的凯旋门，建造的初衷，则是象征了拿破仑一世军威、强权、做世的特点。北京的天坛公园的双环亭、南京天王府的双亭，则象征了亲密无间的挚友关系。由此可见，建筑艺术的正面抽象性和象征表现性构成了它的又一审美特征。在建筑艺术中，象征的意义也是很广泛的，可以容纳很多内容，昨天可能是象征着是权神威，今日可以是象征着统一团结，比如前面提到的天安门就是明显的例子。2．建筑艺术欣赏在欣赏建筑艺术的过程中，应该根据建筑艺术自身的特点，通过感受建筑艺术的形式美，既把握建筑艺术的形象，又感悟出它的内在意蕴，从中获得审美愉悦。（l）欣赏建筑艺术要把局部的审美观照与整体的审美知觉结合起来。建筑艺术的形象一般是由建筑物的体积布局，比例关系，结构形式，空间安排等构成。建筑的外在装饰常有圆柱，柱头、飞檐、贴脸，雕塑，图案和壁画等，这些装饰因素是建筑形象的有机组成部分，它们应该与建筑形象保持内在一致，从造型和色彩上丰富和发展建筑的艺术构思，使建筑形象锦上添花，增加艺术感染力。因此，欣赏建筑艺术不仅可以对建筑艺术的局部构成进行审美观照，而且还应该把局部的艺术构成纳入整个建筑艺术及从环境中加以观照。使欣赏者从整体的审美知觉中感悟建筑艺术的美。美国在三十年代建立的“瀑布别墅”就非常注重局部与整体的和谐美，莱特的设计新颖奇特，将别墅直接建造于瀑布之上。凌空而出、巨大阳台与瀑布两侧的巨石相映生辉，而瀑布则在阳台底下自由洒脱地倾泻，使建筑与山石。树木、瀑布有机融合，形成静中有动、动中有静的和谐美，使建筑的人工美与自然美浑然一体。在欣赏建筑艺术时，既要欣赏建筑色调、尺度、比例、景观及空间变化，看其是否符合美的规律，又要注意具体的建筑构成要素是否实现优化组合、建筑的整体是否和谐统，进而可以把该建筑纳入建筑群的总体风貌中加以欣赏。（2）感悟建筑形象的象征意义。建筑艺术通常借助象征意义来蕴含其审美意蕴，这也是建筑美学的一个重要命题。象征意义首先是最初的象征性，即建筑艺术在物化成特定的建筑物时就已经具有的象征意义。如北京故宫的对称和谐、层次分明、主要建筑位居中央，显现出封建时代帝王对国家的主宰以及封建制度的“宝塔”结构。我国秦朝建立的万里长城，当时象征着秦帝国的“大～统”。但是，随着社会历史实践的发展变化，建筑艺术又会产生出一些新的象征意义。现在，北京故宫已成为中外游客所欣赏的审美对象，它既显现了我国古代建筑艺术的伟大成就，又是中华民族文明的象征。当我们现在登上万里长城，极目远眺，万里长城象一条巨龙在群山环抱中婉蜒游动，显得气势非常恢宏辽阔。在我们的审美视野中，长城已不再是秦帝国“大一统”的象征，而是中华民族创造力量的象征，也是中华民族凝聚力的象征。要感悟建筑形象的象征性，还必须了解建筑艺术创造的时代背景及其民族特点。北京故宫作为封建社会的产物，其结构上，从正阳门到景山，通过一系列错落有致，高低不同的空间处理，象征着皇权形象。北京天坛的设计具有明显的汉民族特点，象征着天帝的崇高神圣，表达出汉民族“天人感应”的思想意识。在欣赏建筑艺术的象征性时，还可以结合心理美学的“移情说”，充分展开自己的审美想象，在感知建筑形象的同时，把建筑形象拟人化，赋予建筑艺术以新的生命，使本无生命的建筑有了人的性格、人的情感，人的生气。比如找们欣赏一座幽静别致的别墅，就会感受到它非常幽雅婉静；欣赏那些高耸入云的建筑，会使我们产生向上飞腾的感觉；欣赏那些新颖奇特，色彩疏淡而简洁的建筑，则会使人感受到它的生机勃勃，游洒飘逸；看到那些富有稳定感的建筑，就会使人产生端庄稳重的感觉。当然，欣赏建筑艺术时的移情，只能根据建筑艺术质的规定性加以自然而又合情合理的想象，而不能胡思乱想，违背艺术欣赏规律。（3）要善于欣赏建筑艺术的音乐美，建筑艺术通常以错落有致的空间造型显现出类似音乐的节奏感。歌德和谢林都把建筑看成是“凝固的音乐，”正是在于他们感受到建筑艺术的音乐美。建筑艺术的外在造型都是按照形式大的规律创造的，它无论向空间什么方向延伸，都是有比例、有规划、有变化地排列的，从而形成一定的节奏。而“优秀的建筑物，它各方面的节奏，总能归于统一。这便形成一种统一的调子，统一的旋律。当你在观赏这座建筑时，你便能在一定时间过程中感受到节奏上反复多样的流动，产生音乐般的旋律感，正是这种旋律感，把你引向特定的情绪氛围”，从而获得类似感受音乐美的情感愉悦。感受建筑艺术的音乐美，要善于调动自己的通感，以动态的视觉对建筑造型显现的空间序列进行审美观照。欣赏建筑艺术同欣赏绘画不同，欣赏绘画主要靠静态的直观把握，而欣赏建筑却不能只靠静态观照，还应运用动态观照，从视点的高低、视角的俯仰、视野的远近大小、空间的开合、视觉的分隔联系中去观照建筑的空间序列，才能感受到空间序列的节奏感和音乐感。也只有从这个意义上才可以说，建筑是凝固的音乐，音乐是流动的建筑。（4）建筑艺术的欣赏过程。建筑艺术的欣赏过程通常包括欣赏角度、欣赏距离和欣赏方法这三个组成部分。欣赏角度可以分为水平方向上的正视与侧视，在垂直方向上的平视、仰视与俯视。欣赏角度也就是审美角度或审美视角。在审美活动中，审美角度是非常重要的，客体审美价值的实现，不仅需要客体自身的审美同伴，而且还需要审美主体的密切配合，需要审美主体选择合适的审美角度，尽可能多角度、全方位的把握审美客体。建筑艺术是立体的空间艺术，欣赏者更应从不同的角度、全方位地欣赏建筑艺术的整体美。建筑艺术又是视觉艺术，欣赏者与建筑物距离的远近直接影响制约着审美效果。一般来讲，近距离可欣赏建筑的细节或局部；中距离可直观全貌；远距离能概观大致轮廓。欣赏者时间充足，可近、中、远三者兼而有之；时间仓促，则只能或中或远的览其概貌。一般来讲，欣赏古典建筑可多作近、中距离的观照；欣赏现代的宏伟建筑可多作中、远距离的概览。当然，欣赏距离的远近不是绝对的，应该因人而异，因建筑艺术不同而不同。欣赏方法对于欣赏建筑艺术有着重要意义，它一般分为静态欣赏和动态欣赏。静态欣赏是指欣赏者在特定的欣赏点上对建筑物的静态观赏，动态欣赏是指欣赏者按照欣赏需要，在一定的观赏路线上对建筑物的观赏。在欣赏中，应该把静态欣赏与动态欣赏有机结合起来，作到静中有动、动中有静，随着欣赏路线的流动，欣赏者的大脑中就会出现一幅幅具体可感而又各不相同的建筑形象画面，即不同的建筑形象，从而感受到建筑形象的空间序列。同时，由于欣赏者视点的高低、视角的仰俯。视野的大小、视觉的转换等是不断流动变化的，这样当欣赏者去感受建筑形象的空间序列时，就会产生一种节奏感，这也正是人们把建筑比喻成是凝固的音乐的内在依据。总之，在欣赏建筑艺术的过程中，欣赏者应了解建筑艺术的一般特点和具有较高的审美修养，充分调动自己的想象、情感等因素，积极能动地进行审美观照，只有这样，才能更好地欣赏建筑艺术的美。

建筑美学的产生。自从世界上有了第一幢刚具雏形的“房屋”,建筑美学就随着它的出现而出现了。建筑美学经历了一个从茅屋之“美”到广厦之“美”的发展过程,它的每一步发展都以一定的社会物质条件为基础,而“美”的最后形成,还有赖于人的意匠,加工和创作。真正美的建筑艺术、美的建筑形式和构图,都不是凭空产生的,是建筑技术、材料、结构和构造等物质方面的因素所决定的,是人类孜孜以求的结果。大量历史事实表明,建筑美学的产生不但具有客观性的一面,而且有着主观性的一面,材料、结构和构造等物理方面的问题属于美的客观范畴,人的心理机能和智慧创造,属于美的主观范畴,前者是产生美的实际条件,后者是产生美的真正动因。2)建筑美学的划分。随着建筑美学的产生,就出现了各种各样的对建筑美学的意义的争论,一般认为建筑美学有狭义和广义之分。通常地说,狭义建筑美学是指单体建筑美学,是指美的房屋、美的造型、美的装饰;而广义建筑美学则把建筑放到广阔的特定时空背景中去研究,它跨越单体,走向群体,跨越房屋自身,走向整体环境,跨越单体建筑,走向城市。前者旨在揭示单个建筑造型美的规律和艺术特性,而后者侧重于从建筑美学的边界条件,从建筑物与其周围环境的相互关系,以及从建筑街道、广场、区域乃到城市的宏观角度,去把握美的特性,研究建筑美学的问题。狭义建筑美学的核心是源于维特鲁威《建筑十书》的建筑三要素。英国建筑理论家柯林斯也认为实用、坚固、美观的提法很全面,不能去掉其中的任何一项。3)我国对建筑美学的定义。

建筑是三维的艺术，实体的处理是必不可少的。任何一幢建筑物从整体到立面均由不同部分、不同材料组成，各部分既有区别，又有联系。它们通过一定的规律组合成为一个整体。这些规律即为建筑构图法则，其中主要是统一与变化，均衡与稳定、韵律、对

对比和微差，均衡和稳定，韵律和节凑，比例和尺度，

筑美学(建筑学概念)简介 艺术美学和建筑学的重要分支。是建立在建筑学和美学的基础上，研究建筑领域里的美和审美问题的一门新兴学科。虽然建筑伴随人类走过了漫长的道路，但建筑美学的出现却是20世纪的事情。建筑美学以如何按照美的规律从事建筑美的创造以及创作主体、客体、本体、受体之间的关系和交互作用为基本任务，其具体内容是：建筑艺术的审美本质和审美特征;建筑艺术的审美创造与现实生活关系;建筑艺术的发展历程和建筑观念、流派、风格的发展嬗变过程;建筑艺术的形式美法则;建筑艺术的创造规律和应具有的美学品格;建筑艺术的审美价值和功能;鉴赏建筑艺术的心理机制、过程、特点、意义、方法等。根据当前建筑美学的发展趋势，重点是研究建筑美与城乡环境的关系、建筑美的审美效应、建筑美与山水园林的关系等。

102岁高龄的贝聿铭逝世，当回顾他的经历，再次欣赏他一系列的建筑设计经典，就像压缩了百年时光，翻过他的人生之书。我们每天都在书写自己的故事章节，贯穿全书的主题如何被发展呈现、内心冲动如何通过在物质世界的表达而显现色彩，从浓缩的时间情节里，愈发清晰。贝聿铭出生在殷实富足的望族，狮子林是他玩耍的后花园，说他是含着金汤匙出生的公子哥，一点不为过。丰盛的物质生活，舒适的成长环境，如果用占星学表达，这是金牛座能量在外部世界的一种显现方式。外部环境是内在情境的呼应，对于金牛座能量凸显的贝聿铭来说，家族对财富的积累与重视，以及他小时候享受的稳定丰饶的生活，都塑造了他对于物质价值的感受与认知。从浅显的意义上，金牛座因为与有形世界的“价值”相关联，所以金钱、金融、储蓄、银行被金牛座所掌管。一个人的出生星图可以反映父母和家族的信息，贝聿铭出生在金融世家，爷爷贝理泰是中国最早的金融家，父亲贝祖诒先后担任中国银行广州、香港、上海分行经理及总行副总经理，更在1946年当上中央银行总裁，被称为“金融巨子”、“汇兑奇才”。这些家族信息都透出贝聿铭身上显著的金牛座能量源自何方。 每个星座都是一种原型能量，它在物质世界有多重丰富的表达方式。金牛座和有形世界的联系如此紧密，对金钱的渴望、对美食的享受、对自然的热爱、对美好事物的欣赏和占有欲，通通和金牛座有关。除了金融家，它还可以是美食家、美妆达人、按摩师、农夫、园艺师、建筑师、甜点师、艺术家、环保倡议者等等等等。而贝聿铭出生的金融世家，表达的仅是原型能量的其中一个现实面向而已——对物质财富的拥有与积累。承继而来的能量，如何在我们自己的人生中表达，这是非常个人化的选择。贝聿铭选择成为一名建筑师——金牛座能量的另一种现实身份形象。金牛座被金星守护，金星是颗和美有关的行星。金牛座扎根大地，深谙物质之美，它对自然界的结构与和谐有天生的敏感。一朵花，一棵树，一根草，天上划过的云朵、地上的山脉湖泊，人与环境的共生共存，都深得金牛座的心。大地之灵，自然之美的信奉者，即是如此了。看似随性的大自然，其实是由严谨的秩序构成，每种植物、动物的构造和样貌无不遵循着精准严密的几何排列和数学逻辑。大自然是最好的设计师。 贝聿铭设计的作品是几何建筑美学的典范，他追求纯净、严谨和精确的线条与几何形状，认为让建筑维持这样的几何形态是探索空间本身的乐趣。他热衷运用混凝土和石材作为建筑材料。混凝土的原材料丰富且成本低，抗压强度高、耐久性好、强度等级范围宽，实用耐用够持久，就像金牛座追求实事求是和踏实的作风一样，拒绝华而不实的花哨。他的作品还有种敦实的安全感，精致的几何设计、协调稳定的建筑形态，就像公牛展现出来的样子，镇定、坚实、稳健。贝聿铭善用玻璃和钢铁结构，让人们可以在室内借到大片天光。大量运用自然光线，让人即使在现代城市的建筑中也可以和环境亲密接触，感受自然赋予我们的光亮与温暖灵动。“让光线来做设计”是贝聿铭广为人知的话，把自然光线引入室内空间，使光与墙体、地面形成光的庭院。将建筑融入周围的环境氛围中，不争抢，不突兀，像是化为周围风貌和所处文化精神的一部分。地球母亲就是金牛座的老师和向往地。 融入自然，融入文化，用稳固持久的建筑体向自然学习且尊敬大地之美，爱护并运用地球给予我们的馈赠，同时感受那广阔宁静的内在空间。丰富建筑的几何构成、为现代主义建筑开辟新道路，同时使建筑融入自然、自然融入建筑，贝聿铭的创新思维给他的作品带来活力。根植于大地的独特设计反映在他星图上天王星和水星的强烈互动中。既尊重传统，又不拘泥于传统，他的理念超越了他所处的时代。每个人从事的事业和工作，总与我们星图中某些强烈突出或冲突的部分有关，它们都有其目的和意义，使我们的人生之旅得到疗愈和进化。贝聿铭的建筑设计师生涯对他来说意味着什么、那些建筑在他设计的过程中重复表达了他自己怎样的人生议题，我们并不知道，但他的作品们完完全全展示着金牛座式的建筑美学，让人感觉到物质世界的稳健之美和自然界的韵律之美。去感觉种子、泥土和地球自身的肌体，看上去有永恒的安详和宁静，这是金牛座追寻的方向。贝聿铭辞世，他的经典作品们替他继续感受着这个美好的世界，他是它们，它们也是他。

美不美因人而异因时而异

熟练使用各种工具： 绘图最基础的，就是熟练使用各种工具，用好了工具才能准确绘图，才能接上线条，让整个图看起来非常流畅 先用铅笔后用针管： 在画的时候，刚开始都会喜欢用铅笔，因为错了可以修改，而针管笔如果错了只能重画，但是当画完的时候，针管笔的画看起来更加突出和美观 避免误差： 画组合线条时，尺寸变得非常重要，一点误差就有可能无法使线条连接，连接时也要保持流畅，要看不出拼接的痕迹，这就要求对尺子圆规的使用非常纯熟 简单到复杂： 简单的图形，使用不同的拼接方式，不同的重叠方式，加以组合，就会变成复杂且美观的图形，而这些由简单到复杂的过程，需要精确地测量 临摹： 初学时，只是临摹别人的，要做到临摹，就要完全，大致一眼要看不出区别，甚至远看就看不出是手绘，这就是基础 平面图的精确： 平面图更需要精确，每个标注都要精确，每个符号都有自己的尺度，每条线都有其标准，所以才会通用，每个地区的人，都能看懂 水粉渲染：开始水粉渲染渲染时，可以选择简单的图形和画面，颜色结构鲜明。这样就能在练习中打好基础，从而为以后的复杂水彩做好准备，水彩重要的就是一层一层的上色，要注意耐心。 色彩练习： 下面，就开始色彩的练习，掌握色彩的搭配，色彩的特点，色彩的性质，明白各种色彩的意义所在，有时需要写实，有时需要想象，画笔一直在你手上，你的画笔所描绘的世界，不需他人的认可