欧美有哪些绘画风格
抽象派是美术流派不是风格欧美的绘画是以巴洛克,洛可可,哥特式这三种绘画风格为主流风格按年代排名的话哥特式12~15世纪的中世纪欧洲美术。意大利文艺复兴学者认为此期美术野蛮怪诞,缺乏艺术趣味,故用“蛮族”——哥特人一词,称之为哥特式。其最早产生于法国,之后风靡整个欧洲。巴洛克欧洲17世纪的美术样式。发源于意大利,以其热情奔放、运动强烈、装饰华丽而自成一体,与16世纪盛期文艺复兴美术的庄重典雅相区别。巴洛克美术在文艺复兴美术之后,一定程度上发扬了现实主义的传统,从而克服了16世纪后期流行的样式主义消极倾向。另一方面,巴洛克美术符合当时天主教会利用宣传工具争取信众的需要,也适应各国宫廷贵族的爱好,因此在17世纪风靡全欧,影响到其他艺术流派,使欧洲的17世纪有巴洛克时代之称。洛可可「洛可可」(rococo)的涵义是「具壳形」,源于(法语rocaille)。亦为「路易十五式」,指法国国王路易十五统治时期(1715-1774)所崇尚的艺术。其特征是:具有微细、轻巧、华丽和繁琐的装饰性;运用C形、S形或漩涡形的曲线和轻淡柔和的色彩。影响及于十八世纪的欧洲各国,为腐朽没落的封建贵族服务。它在形成过程中,曾受中国清代工艺美术的影响,在庭园布置、室内装饰、丝织品、瓷器、漆器等方面,表现尤为显著。
绘画风格有哪些
绘画的风格主要有古典主义、新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象派、后印象派、立体主义、抽象主义、达达主义、现代派及未来派等,绘画类型主要有水墨画、油画、版画、水粉画、壁画、漫画、工笔画、写意画、抽象画、青绿山水画、水墨山水画、白描画、指画、界画、内画、素描等。绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言,通过造型、色彩和构图等艺术手段,在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象,以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多,从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看,绘画可分为东方绘画和西洋绘画。从工具材料看,绘画可分为水墨画、油画、壁画、版画、水彩画、水粉画等;从题材内容看,绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等;从作品的形式看,绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式,由于各自的历史传统不同,都有着各自独特的表现形式与审美特征。中国画又称水墨画,它在世界绘画领域中自成体系,独具特色,是东方绘画体系的主流。在工具材料上,中国画是用毛笔、墨在宣纸、绢帛上作画的,它讲究笔墨,着眼于用笔墨造型。在表现方法上,中国画采用一种散点透视的方法。在画面的构成上,中国画讲究诗、书、画、印交相辉映,形成独特的形式美与内容美。油画是西洋绘画的代表,它是世界绘画艺术中最有影响的画种。在巴黎的美术学校发展起来的建筑风格。这一风格于19世纪末在国际上占有主导地位,并很快成地为扩张中的城市和各国政府新建公共建筑的正式风格。该风格的特征是,建筑宏伟,按轴向排列的房间分布对称,有大量古典主义的装饰细部,建筑末端或中心处常有前凸的亭阁。巴黎歌剧院是美术风格最杰出的代表。
常玉、赵无极、吴冠中绘画风格究竟有何不同?
简单来说,吴冠中的画更倾向于西方抽象主义;赵无极的画以古典主义为主;常玉的绘画风格多变,在绘画上追求自由精神上的自由。
如何评价林风眠绘画风格的转变
从作画的技法风格上来说林风眠作为中国现代美术教育的重要奠基人之一,坚持“兼收并蓄”的学术思想以及“东西融合”的艺术道路。从绘画的意境风格来说林风眠见证了民族文化的苦难与国家的曲折,他的艺术总是透着苍凉、孤独以及苦楚。由于画家的经历使得他的画的风格看上去悲凉又孤寂,空旷又抒情。
下列艺术流派中,艺术家波洛克的绘画风格属于( )。
【答案】:D波洛克是一位有影响力的美国艺术家,是抽象表现主义运动的重要人物。故本题选D。
什么是后现代主义绘画风格
一、有关后现代主义绘画的简介: 后现代主义是西方世界在第二次世界大战后涌现出的一种新的文化思潮,20世纪以来具有前卫特色、与传统文艺分道扬镳的各种美术流派和思潮. 二、有关后现代主义绘画风格的介绍如下: 后现代主义的绘画明显特征总结起来,后现代主义就是,毫无理性的,下意识发泄的一种产物,表现出现代人原始的发泄和欲望。感觉只能说是一种只是一种文化倾向,难于理解。于70与80年代流行于西方的艺术、社会文化与哲学思潮。
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什么是后现代主义绘画风格
1、有关后现代主义绘画的简介: 后现代主义是西方世界在第二次世界大战后涌现出的一种新的文化思潮,20世纪以来具有前卫特色、与传统文艺分道扬镳的各种美术流派和思潮. 2、有关后现代主义绘画风格的介绍如下: 后现代主义的绘画明显特征总结起来,后现代主义就是,毫无理性的,下意识发泄的一种产物,表现出现代人原始的发泄和欲望。感觉只能说是一种只是一种文化倾向,难于理解。于70与80年代流行于西方的艺术、社会文化与哲学思潮。
什么是后现代主义绘画风格
20世纪以来具有前卫特色、与传统文艺分道扬镳的各种美术流派和思潮,又称现代派。 发展状况 现代主义的源流可以追溯到法国的印象主义。19世纪80年代,法国的后印象主义、新印象主义和象征主义画家们提出的“艺术语言自身的独立价值”、“绘画不作自然的仆从”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“为艺术而艺术”等观念,是现代主义美术体系的理论基础,所以,法国后印象主义画家P.塞尚这位在作品中追求绘画语言的几何结构和形体美感的画家,被人们称作“现代绘画之父”。较为明显的现代主义绘画风格首先是在法国野兽主义画家们的作品中出现的。以H.马蒂斯为代表的一群年轻画家,在1905年的巴黎秋季沙龙中,展出了一批风格狂野、艺术语言夸张、变形而颇有表现力的作品,被人们称作“野兽群”,由此“野兽主义”得名。1908年,另一群年轻画家以P.毕加索、G.布拉克为代表,在法国推出立体主义绘画。立体主义的原则最初出现在毕加索的油画《亚威农少女》中。这幅画被认为是传统艺术与现代艺术的分水岭。立体主义用块面的结构关系来分析物体,表现体面的重叠、交错的美感,是立体主义追求的目标。野兽主义和立体主义都从非洲雕塑中吸收了养料,它们的艺术语言与传统法则相去甚远,标志着现代主义已进入自我确立的阶段。与此同时,在德国1905年组织的桥社、1909年成立的青骑士社等表现主义社团崛起。它们的美学目标和艺术追求与法国的野兽主义相似,只是带有浓厚的北欧色彩与德意志民族传统的特色。如果说表现主义受工业科技的影响,表现物体静态的美,那么在意大利兴起的未来主义则在现代工业科技的刺激下,用分解物体的方法来表现运动的场面和动的感觉。他们还热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交错与组合,并且试图用线来描绘光和声音。蒙克:《圣母》上述思潮和运动,特别是未来主义,在雕塑领域内均有所反映。未来主义的画家和雕塑家U.博乔尼于1912年4月签署关于雕塑艺术的宣言,并把未来主义的原则运用到自己的作品中,代表作为《在空间连续的形》(1913)。相应的现代主义美术思潮在20世纪初的俄国也相当活跃。除了受立体主义和未来主义影响产生的一些社团外,俄国的构成主义对现代艺术探讨如何表现工业美方面有独特的贡献。抽象主义的美术作品最早于1910年前后产生。首先从事抽象主义艺术创造的是参与德国青骑士社活动的俄国画家W.康定斯基。他用点、线、面的组合、构成,参照音乐的表现语言,用绘画来传达观念和情绪。他的著作《论艺术中的精神》(1912)、《点、线、面》(1923)等奠定了抽象主义的理论基础。作为实践家,他主要从事抒情抽象绘画的创造,但同时也在几何抽象方面有所探索。俄国的画家K.C.马列维奇于1913年左右创建的至上主义,属于几何抽象的范畴。至上主义在平面构成上的努力,在探讨艺术的虚、空、无方面的尝试,应该说是有意义的。真正奠定几何抽象主义理论基础和在艺术实践上有突出贡献的是荷兰画家P.蒙德里安创建的风格派(或称新造型主义)。在整个20世纪,抽象主义基本上遵循着抒情的抽象和几何的抽象两个方面发展,只是在各个阶段有所变化而已。康定斯基:《第一抽象水彩画》第一次世界大战期间在瑞士苏黎世出现的达达主义社团,影响波及欧美各国。在法国、德国都有达达美术社团。达达主义反对战争,反对权威和反对传统,同时也反对艺术,反对一切,作为社团它必然要走到自我否定的境地。达达的虚无主义和反传统的精神,贯穿在整个西方现代文艺的进程之中。在平面的绘画中采用拼贴手法,把偶然性、机遇性运用在美术创作中,是达达对现代美术的贡献。超现实主义的社团是从达达内部分化出来的。它用建设性的态度对待艺术创作,以取代达达主义的破坏和挑战。它直接从弗洛伊德的潜意识学说中汲取思想养料,并以弗洛伊德的理论作为这一艺术运动的指导思想。超现实主义的美术家们从儿童、精神病患者、梦境中汲取灵感,致力于探讨人类经验的先验层面,试图突破现实观念,把现实观念与本能、潜意识和梦的经验相糅合,以达到一种绝对的和超现实的境界。超现实主义者常常采用出其不意的偶然结合、无意识的发现、现成物的拼集等手法。写实与抽象的语言在他们的作品兼而有之。从1924年以后到30年代末,是超现实主义美术的活跃期。30年代以后,作为艺术运动,超现实主义逐渐冷寂,但许多重要的超现实主义画家仍然活跃于欧洲和美国画坛。波伊斯:《向兔子解释图画》第二次世界大战以后曾在美国产生的抽象表现主义(又称行动绘画或纽约画派),是集表现主义、抽象主义和超现实主义大成的流派,也是重视个性、重视风格的现代派绘画顶峰。抽象表现主义强调创作者行动的自由性、自动性和无目的性,把创作行为本身提高到重要的位置,已经孕育着以创作者的行动作为艺术传播媒介的因素。杜尚:《干燥的便盆》继抽象表现主义之后产生的硬边抽象、后绘画性的抽象是几何抽象主义在新形势下的变化和发展,也说明艺术从强调主观感情到侧重于客观表现的转变。这种转变在与抽象表现主义完全相悖的波普艺术中表现得更为明显。波普艺术的兴起,说明西方的现代主义向后现代主义转变。当然,对于后现代主义这一概念,西方美术史论家们的论说很不一致。首先在建筑中使用的后现代主义,当然是一个相对的、模糊的、充满着争论的概念。严格地说,后现代主义是不能与现代主义截然分开的。后现代主义加以弘扬的许多方法与原则,在现代主义的美术中已经尝试过、试验过,只是在后工业社会里把个别的方法和原则加以极端的发展和夸张。后现代主义在某些方面也确实是现代主义的反拨。然而,现代主义的审美原则仍然强烈地影响着当代西方的美术家们。新表现主义、新超现实主义、新抽象等流派在80年代的兴起,多少说明了这个问题。在现代主义与后现代主义美术思潮的变化中,似乎可以看到,艺术中的主观与客观、理性与感性、人性与共性、风格特征的加强与消失、人性与机械性、阳春白雪与下里巴人、艺术的审美与反审美,永远是使艺术家困惑并驱使他们去不断探索的课题。在艺术发展的历史过程中,常常会产生此长彼消或彼长此消的状况,尤其在工业化社会和后工业化社会,这种状况更是常见。观念艺术及其他后现代派思潮之所以那末惊世骇俗,就是因为它们不仅和传统艺术背道而驰,而且在向现代主义挑战。但是,历史本身似乎在昭示着这样一个事实,艺术发展存在着不以人的意志为转移的客观规律。艺术的本身进程犹如社会本身的进程一样,本身具有一种自我调节的力量,它要在上述列举的种种两极之间寻求平衡。当然,平衡是短暂的、临时的,不平衡则是绝对的、永久的。唯其不平衡和充满着矛盾,艺术才不断向前发展。即使在发展过程中充满着矛盾和曲折,整个趋势则是向前的。从这个意义上说,现代主义艺术应该被认为是对现实主义的一个有力补充。或者说现代主义是一个新的艺术表现体系,它有别于现实主义,更与现代工业社会的时代节奏相吻合。至少它已经获得了与现实主义共存的力量。雷斯:《法国式的场景》特征 既然现代主义美术是西方进入垄断主义时代以后产生的,是伴随第二次工业革命的产物,它就不可避免地反映了这个时代政治、经济和精神文化生活的重要变革,反映了这个时代人们极其复杂、丰富的思想感情和极为深刻的哲学思考。不同于现实主义的是,现代主义的美术在对待社会、人、自然与自我的关系上失去了平衡,关系是扭曲的。这样,现代主义的美术家似乎是超脱社会、超脱自然的人,他们不直接描写社会和人生(少数艺术家例外),但他们的作品影射着社会和人生,采用的语言是荒诞的、寓意的或抽象的。在他们的作品中,可以感觉到这些艺术家表现了现代人们(包括艺术家们自己)的精神创伤和变态心理,感觉到他们对现实生活的消极、悲观和失望的情绪,感觉到他们思想上强烈的虚无主义。正是现代主义美术作品的这些特征,使它们具有不可忽视的社会历史的和审美的价值。因为它们正是西方现代社会和现代精神生活重要方面的写照。 对现代主义美术发展起了重要作用的是现代工业和科学技术。现代主义的美术家们对待现代科学和机械文明的心理和态度是复杂的。在有些艺术家的实践(如立体主义、未来主义和构成主义)中,试图反映社会的这一深刻变革,而在大多数美术家的作品中,对工业文明采取回避和超然的态度。他们对工业社会人性的贬值、机械的升值表示不满。但这丝毫并不意味着现代主义美术的主流与工业社会的进程相反。事实上,工业、科技文明剧烈地改变着现代社会的面貌,从精神上有力地推动了现代艺术的迅速变化。 现代主义艺术最早从康德的先验唯心主义武库中汲取了养料,同时又受到现代哲学思潮,特别是尼采、弗洛伊德、柏格森、荣格、萨特等人的哲学、心理学的强烈作用。尼采的学说,不仅对德国的表现主义运动起过推动作用,也对整个现代主义的文艺运动产生很大影响。尤其是他否定权威,主张发挥以人的意志、本能为基础的创造力,蔑视中产阶级的文明和虚伪道德,对无意识和本能的推崇,对世界前途的悲观主义,在现代主义的各个流派的理论和实践中,都有所反映。弗洛伊德的潜意识学说,他的“无意识才是精神的真正实际”,是超现实主义运动的理论支柱,正是在弗洛伊德理论的引导下,超现实主义以及其他流派的美术家们用多种手法挖掘人们精神世界的深层,其后果是一方面开拓新的艺术表现领域,另一方面使艺术语言趋向荒诞和怪异。自然不少作品创造了荒诞、怪异的新境界。 现代主义美术比起以写实和模仿为基础的传统美术来,具有象征性、表现性和抽象性的特点。现代主义多流派标榜自己是反传统的,实际上它可能完全抛弃传统。它竭力否定和排斥的是19世纪中期以来的含有学院派特征的写实主义传统。在对待历史遗产方面,它们更重视对原始社会艺术、埃及和美索不达米亚的美术、希腊古风时期美术、欧洲中世纪美术的研究。自印象主义之后,西方美术家开始把目光转移到中国、日本和印度的绘画、工艺品的表现语言上,探索写意的表现手法。野兽主义、立体主义的美术家们直接受益于非洲雕塑。同时,中东的伊斯兰教美术和大洋洲的艺术遗产,也是现代主义艺术家们研究的对象。上述人类历史上的美术遗产均为现代主义美术家们提供了有益的养料。 总的说来,20世纪以来西方的现代主义美术,适应了现代社会人们的需要,创造了一批可以列入人类经典文化的作品,但远非所有流派和思潮的理论都是无可非议的,更不用说其中有些作品的思想倾向颇值得研究。对于现代主义美术不加分析地一味赞扬是不可取的,而视现代主义为洪水猛兽、拒之于门外,不让人们接触和了解更是愚蠢和可悲的。中国80年代以来艺术创造和理论的繁荣、活跃,除了社会、经济的推动这些主要因素之外,与包括西方现代主义在内的外国文艺提供的可用来参考、借鉴的丰富资料不无关系。
AI绘画关键词古典主义绘画风格
AI 绘画艺术类型分享 (五追求一种宏大的构图方式和庄重的的风格、气魄古典主义绘画Classicism Painting-种独特的古韵之美(Classicism Painting特点:追求一种宏大的构图方式和庄重的的风格、气魄,一种独特的古韵之美。重素描而轻色彩,追求古典的宁静与庄重,构图严谨,提倡典雅崇高的题材,非常注重形式上的完美,强调塑造性与完整性,对线条和轮廓要求很高。关键词分享:[古典主义绘画]Max Nonnenbruch和James Gumey以古典绘通的形式描绘了一座宏伟的城堡。古典主义绘画。这幅静物画描绘了一个有阳台和大理石底座的宫殿,一个宽阔的宫殿。倒影和古典绘画展现了宫殿的美丽和汽晰的线条和轮廓。细节很精致。宏伟的构图和庄严的宫殿风格,在框架的中心有大胆而精致的图案。面看问题。真实的光影。
唐卡的绘画风格有几种
唐卡的绘画风格有五种。唐卡在传承过程中,广泛吸收了周边区域的工艺美术特点,就风格而言主要分为以下五种:尼泊尔风格(乌地延那以及孟加拉)、克什米尔风格(古格阿里及拉达克地区)、康区风格、热贡风格等。唐卡(Thang-ga)也叫唐嘎,唐喀,系藏文音译,指用彩缎装裱后悬挂供奉的宗教卷轴画。唐卡是藏族文化中一种独具特色的绘画艺术形式,题材内容涉及藏族的历史、政治、文化和社会生活等诸多领域,传世唐卡大都是藏传佛教和本教作品。唐卡是藏族文化中一种独具特色的绘画艺术形式。具有鲜明的民族特点、浓郁的宗教色彩和独特的艺术风格,用明亮的色彩描绘出神圣的佛的世界;颜料传统上是全部采用金、银、珍珠、玛瑙、珊瑚、松石、孔雀石、朱砂等珍贵的矿物宝石和藏红花、大黄、蓝靛等植物为颜料以示其神圣。这些天然原料保证了所绘制的唐卡色泽鲜艳,璀璨夺目,虽经几百年的岁月,仍是色泽艳丽明亮。因此被誉为中国民族绘画艺术的珍品,被称为藏族的”百科全书”也是中华民族民间艺术中弥足珍贵的非物质文化遗产。传统唐卡的绘制要求严苛、程序极为复杂,必须按照经书中的仪轨及上师的要求进行,包括绘前仪式、制作画布、构图起稿、着色染色、勾线定型、铺金描银、开眼、缝裱开光等一整套工艺程序。制作一幅唐卡用时较长,短则半年完成,长则需要十余年。
格伦·布朗的绘画风格是什么?
美丽与怪诞的交融——英国当代画家格伦·布朗的绘画 1966年出生于英国的诺森伯兰郡,1985年起学习于诺维奇艺术学校(Norwich School of Art),1988年进入巴思高等教育学院(Bath College of Higher Education),1990—1992年在伦敦的哥德斯密斯学院(Goldsmith"s College)学习。2000年他荣获著名“泰纳奖”(Turner Prize)提名,开始享有国际声誉。现在生活和工作于伦敦。 具有全球艺术图书先驱美誉的德国塔森出版社(Taschen),最近出版发行了两本装的《100位当代艺术家》,全面介绍了21世纪初活跃在国际艺坛上的100名先锋艺术家。年轻的英国当代画家格伦·布朗(Glenn Brown)名列其中。他的作品于2003年代表英国参加威尼斯双年展,引起国际艺术界的瞩目。2009年2月英国泰特利物浦(Tate Liverpool)美术馆为格伦·布朗举办了回顾展,与之协办的意大利都灵的桑德雷托·瑞·瑞宝迪戈基金会(Fondazione Sandretto Re Rebaudengo)也于同年5月随之举行了他的作品展。在过去的数年间,布朗为研寻艺术史上大师的技法作了大量的实践,其作品蕴含他对绘画风格、形式、技巧、题材和色彩的把握,以及对几个世纪以来著名艺术家的绘画语言、图形模式,进行了阐释和再创造。 在格伦·布朗的绘画中,美与丑、现实与幻想,相互交融,难解难分,创造出一种魔幻般的魅力。布朗的绘画主题借鉴了古代大师如伦勃朗、弗拉格纳尔和埃尔·格列柯,以及近代画家如奥尔巴赫和达利等作品的挪用和变体。他不仅仅是在引用,而是通过变形、转化和组合,把引用的素材变成梦幻——甚至是梦魇的产物。他的画可以唤起洛可可、样式主义、表现主义以及超现实主义的印象。他把颜料堆积得很厚,煞费苦心地在暗影处厚涂颜料,来创造出如笔痕粗糙的画面;通过运用一些橙绿色和粉红色的块状硬结物和某种腐烂的气息给观众一种新的视觉效果和情感体验。 1992年,他在哥德斯密斯学院毕业展中,画了一幅《达利—基督》(Dali-Christ),其实是高达9英尺的达利作品《煮熟的豆子和软体结构》(Soft Construction with Boiled Beans)。在强烈的光线下,《达利—基督》看起来显得俗气又有挑衅性,为了增强戏剧性情节,布朗把人物不连贯的四肢拉长,并使色彩更加甜美——不仅为达利笔下的怪物增加了强烈的活力,还把场景变得更加壮观。显然这不是简单地挪用,而是变得更加复杂了。对此,布朗回忆到他当时受美国挪用艺术家(Appropriation Art)谢丽·利文(Sherrie Levine)的影响,是用一张色彩很糟糕的复制品画的,布朗说:“我需要和现实世界进行交流,否则我会变得太以自我为中心。我把图画当成城市风景的一部分,像在空气中,已经被其他人所接受的东西,如果不涉及到既存之物,那么绘画将是非常枯燥乏味的。” 格伦·布朗将熟悉的视觉史转换成意想不到的陌生图画,他挪用艺术史和流行文化,但不是从原作中获取灵感,而是从复制品中——明信片、书籍以及因特网上的数字化图像,痴迷于探索当一幅图像被复制时,它会发生怎样的变化;裁切不正,尺幅改变,质感的丢失以及色彩的歪曲等等。布朗采取这些各种各样的意外变化作为艺术创作策略,通过极大地夸张来表示画的是什么,传达给观众的又是什么。2009年,英国评论家萨拉·肯特(Sarah Kent)到布朗伦敦工作室访问他时,布朗对肯特说:“从没有任何基础开始是荒谬的。绘画是一种语言,如果不挪用是不可能的——即使是梦境中的影像,也有其对现实的参考。” 此外,他还挪用艺术史上一些作品的名字,例如2006的《伟大的快感》(The Great Masturbator),这个题目来自达利的同名作品,但这幅作品造型也是建立在穆里罗的《饰有羽毛头饰的笑脸男孩》基础之上的,但这位西班牙巴洛克画家穆里罗的主题,被布朗滑稽地模仿:笑着的年轻人拥有微绿色的带斑点皮肤,蓝色的眼珠和黑色的瞳孔,整体给人一种令人厌恶和可笑的表情。布朗用如此精湛的技艺去描绘他的题材,以至于画中的美感与表现出来的病态,相互碰撞。他那典型的浓烈的厚涂颜料画法风格,实际上是精细的错觉画像,清晰可识他那漩涡般的笔触深藏着大师般的技法创造出的画面,让人回想起达利熟练掌握古代大师技法的情况。对色彩戏剧性的处理和画作传达出极端的虚伪和世俗的堕落,如他画的那个似肖像的大脚——《奥斯蒙德家庭》(The Osmond Family),乍一看犹如广告摄影般精细,仔细观之,这个脚的皮肤却如同腐烂的老树皮,坚实的造型和多种颜料的堆积涂抹,给人既真实又怪诞的印象。布朗所揭示的内在矛盾,往往是通过错觉,表现现实的幻灭。 使布朗受益最多的是他本国的画家弗兰克·奥尔巴赫。奥尔巴赫那狂乱的笔触证明了绘画潜在的表现性给他很大的启发,尤其是他那通过厚重的、富于表现性的图层来传达人物的性格方面。布朗说他不仅喜欢奥尔巴赫技法,同时他还对德国表现主义画家凯尔希纳、诺尔德他们惹人注目的强烈色彩情有独钟。布朗经常在同一件作品的题材上进行反复的构思,修正画面的质感、色彩、焦点、尺幅等等。他认为:完成一幅作品并不是一件容易的事情,不能没有深思熟虑。这一点在他众多的系列油画、蚀刻版画和素描就是很好的例证。 “年轻的不列颠艺术家”(Young British Artists)是当今英国艺坛上的重要的艺术团体,以达米安·赫斯特(Damien Hirst)和特蕾西·艾米(Tracey Emin)为代表,他们大部分毕业于格伦·布朗曾就读过的哥德斯密斯学院,作品常常以惊人之举而出名。有评论把布朗归于这个画派,但布朗并不认为自己属于这个艺术团体,只是和他们保持着密切的联系。他追求的是在自己的艺术道路上,寻找与众不同的形式语言,他希望人们关注他的作品,他认为作品本身比说的更重要。他要以他的所思所想,创造一种艺术史上既相同又相异的视觉形式,他试图以这种挪用的方式,来暗示艺术创作语言与形式在不断重复与模仿中产生新的审美形式。这就是格伦·布朗的艺术追求。